„to, Co slyšíte, závisí na tom, jak se vám soustředit své ucho. Nemluvíme o vymýšlení nového jazyka, ale spíše o vymýšlení nového vnímání existujících jazyků.“– Philip Glass,

Pokud jste naladěni na Všechny Klasické Portlandu v poslední době, možná jste narazili nějakou hudbu, vaše uši nečekal, že slyším od klasické rozhlasové stanice. Nedávno ve středu ráno Christa Wessel sdílela klavírní etudu Philipa Glasse č. 6 z nového CD Víkingura Ólafssona. Jednoho čtvrtečního pozdního večera nás Andrea Murray léčila s Maxem Richterem na povaze denního světla. Zatímco obě tato díla lze tvrdit, že jsou „klasickými“ kousky – vynikají tím, jak pronikají populární kulturou a zábavou-Glass i Richter rozsáhle skládali pro filmy a televizi.

Richterovy a Glassovy kousky lze popsat jako příklady z hnutí a žánru v klasické hudbě známé jako “ Minimalismus.“Minimalismus začal v polovině 60. let na experimentálním okraji klasické hudby. Nyní, minimalismus se stal mezinárodní fenomén, který zásadně ovlivnil směr nové hudby v USA i mimo něj, což vede k tvrzení, minimalismu jako „společný hudební jazyk“ z konce 20. a počátku 21.století.

Philip Glass, Études, No. 6, provádí Víkingur Ólafsson

Minimalismus je také ukázkovým příkladem, jak štítků a kategorií v hudbě a umění může být ze své podstaty omezené, takže je těžké vidět, jak trendy, růst, měnit, obnovovat sebe v průběhu času. Pohlcením rozmanitosti vlivů a ovlivněním tolika oblastí naší hudební kultury, Minimalismus rozbíjí stěny běžně kované mezi“ vysokým „a“ nízkým “ uměním v klasické hudbě. Minimalismus dosáhl rozích téměř každou část hudební kultury, z filmu skóre alb pop, jazzové riffy k soudobé vážné hudbě. A rozrostla se nad vlastní značku: postupem času se vyvíjela, rozvětvovala se a stala se něčím pravděpodobně „maximálním“ než minimálním.

Max Richter, „O Povaze Světla,“ provádí Ataneres Soubor

Co se stane, když hudba se zdá překračovat hranice toho, co je „klasické“? Co se stane, když se hudba pokusí uzavřít riff vytvořený mezi skladatelem a publikem v modernistické hudbě počátku 20. století? Co se stane, když hudba re-konceptualizuje samotné jádro toho, jak posloucháme, Sjednocení publika se zvukem jako viscerální zážitek a emocionální vliv? Toto je příběh minimalistické hudby.

Minimalismus Původu a Čtyři „Předvoj“ Skladatelů

cesta minimalismus je dlouhá, ale začněme na začátku. Původní minimalistické hnutí se neomezovalo pouze na hudbu, dotýkalo se téměř všech uměleckých forem, včetně vizuálního umění, literatury, filmu. Minimalismus vznikl v zabil podzemní činnost v kino, hudby, malířství a sochařství v pozdní 1950 a brzy 1960, střed v New Yorku a San Francisku. Existují silné vazby mezi raných minimalistických skladatelů a umělců, s výkony často odehrává v galeriích a lofty, spíše než tradiční koncertní místa. A podobně jako minimalistické umění, minimalističtí skladatelé reagovali proti složitosti, hustota, a naprostá obtížnost nedávné modernistické hudby.

charismatická skupina čtyř skladatelů je obvykle označována jako“ předvoj “ skladatelů minimalistické hudby. Všichni se narodili během několika let od sebe-La Monte Young (nar. 1935), Terry Riley (nar. 1935), Steve Reich (nar. 1936) a Philip Glass (nar. 1937). Eklektická řada hudebních nápadů ovlivnila tuto počáteční skupinu, takže je obtížné popsat samotné hnutí v něčem jiném než širokém. Můžeme však pojmenovat některé společné rysy. Jádrem minimalismu je redukce materiálů na minimum. Postupy jsou zjednodušeny a často to, co se děje v hudbě, je posluchači okamžitě zřejmé. Minimalistický hudební typicky funkce opakování, diatonické stupnice a harmonie, mřížka stabilní beaty, bez změny v tempu (což je podobné na určité žánry Barokní hudby), a monochromatický nebo terasovité dynamiky (na rozdíl od expresivní plynulost Romantické a modernistické éry).

Zejména, všechny čtyři z těchto vanguard skladatelé byli vychováni v Západní klasické tradice, studium hudby na různých prestižních klasických hudebních škol. Tito skladatelé však vynikají tím, jak vytvořili umění, které stálo mimo establishment-bylo ovlivněno jinými, Nezápadními styly, včetně indické ragy a afrického bubnování. Minimalistická hudba je často vnímána jako odmítnutí evropských modernistických trendů, jako je komplexní a matematicky přísný Serialismus. V minimalistické hudbě dochází k záměrně řídkému využití tradičních prvků formy a stylu. Vrací se ke kořenům, základním prvkům hudby: melodii, modalitě a rytmu.

klíčovým předchůdcem radikální jednoduchosti minimalismu byly nedávné avantgardní trendy v hudbě, zejména v hudbě John Cage. Cage 4’33“, například, vzít redukcionismus do extrému, a mohl být viděn jako konečný minimalistické složení – interpret nehraje jediná poznámka, která umožňuje každodenní zvuky formulovat sluchové zkušenosti kusu. Dalším aspektem, který Minimalismus vzal z avantgardy, byl aleatoric: vytváření nepředvídatelnosti výkonu opuštěním konvencí, jako je rytmus a tempo. Aleatorické techniky se používají zejména v hudbě La Monte Young. Vezměme si například Youngovu „melodickou verzi druhého snu o vysokonapěťovém transformátoru“ ze čtyř snů Číny (Ano, sousto titulu). Dílo hraje osm tlumených trubek, které hrají čtyři odlišné, opakující se tóny ve spontánním, improvizovaném stylu.

La Monte Young, „Melodické Verzi Druhé Dream High-Napětí-Line Stepdown Transformer“ Od Čtyř Sny O Číně, provádí Theatre of Eternal Music Brass Ensemble

La Monte Young je pravděpodobně nejméně známý minimalistický vanguard, ale on je obecně považován za zahájený pohyb s jeho „dlouhý tón“ kousky. Zatímco postgraduální student na Berkeley v roce 1958, Young předložil práci pro jeho složení třídy nazval Trio pro struny. Ale není to jen nějaké konvenční Trio: je dlouhé, monotónní a skládá se pouze ze tří poznámek. Jeho profesor mu odmítl dát známku za práci. Je si myslel, že za to, nicméně: vstupy a výstupy ze tří tónů se rozvíjejícím vytvořit různé harmonické účinky, které se objeví v a z textury.

Mladé Trio pro smyčcové odráží mnoho jeho pozdějších hudby, který se soustředí na malý počet hřišť udržet po dlouhou dobu. Například jeho skladba 1960 č. 7 sestává pouze z poznámek B A F#, které mají být drženy po dlouhou dobu.“Mladá želva: Jeho sny a cesty (1964) je druh improvizace, kde instrumentalisté a zpěváci přicházejí a vystupují na různých harmonických přes dron syntezátorem.

S ne moc poslouchat v Mladé řídké skóre, posluchač pozornost je zaměřena na minutu změní v hřiště a zabarvení, které se dějí jako hudebník pokusy o udržení hřiště na jejich nástroje. Youngova hudba je pozoruhodná tím, že záměrně ignoruje tendenci klasické hudby být teleologickým příběhem s jasným otevřením, vývojem, vyvrcholením a rozlišením. V Youngově hudbě je cílená režie nahrazena zjevnou stázou.

https://www.youtube.com/watch?v=-No6_12i_BE

La Monte Young, Trio pro smyčce, v podání tria Basso.

právě nedostatek struktury a vyprávění Youngova tria pro struny pravděpodobně přispěl k tomu, že mu profesor odmítl udělit známku za projekt. Kus byl, nicméně, obdivoval spolužák jménem Terry Riley, náš druhý skladatel vanguard. Riley, který kdysi hrál v souboru Youngových, rozvětvil se od Younga zkoumáním vzorů s více opakováním než udržováním tónů. Riley je známý pro jeho experimenty s pásky smyčky, krátké segmenty spojeny páskou, která při krmení přes magnetofon hrát stejné zvuky znovu a znovu. Jeho páska meskalin Mix (1960-62) hromadí mnoho takových páskových smyček přes pravidelný puls a vytváří strašidelnou koláž interagujících frází a výroků.

Rileyova nejznámější práce v C (1964) aplikuje podobný proces na živé nástroje. Skladba se skládá z 53 melodických buněk v číslovaném pořadí, celá partitura sedí na jedné stránce. Kus může být provedena jakoukoliv skupinu nástrojů, s jedním umělec poskytuje rytmický motor na vědomí. C. Jako umělci pohybovat prostřednictvím každé buňce, počet opakování v každé části a koordinaci levé části jsou neurčité. Sonic výsledkem je nepředvídatelné a neustále se měnící krajinu vrstvené zvuky přes hypnotický puls, s postupným přechodem z souznění disonance a zpět jako určité poznámky jsou zavedeny a zmizí z buňky. Rileyova technika opakování buněk materiálu se nazývá modularismus: použití opakovaného, buněčného motivu jako základu pro celé dílo-jinými slovy, opakování v extrémní míře.

Terry Riley, v C, provádí Veni Academy.

Steve Reich, třetí vanguard skladatel, vyrostl na tuto myšlenku modularism, používat to, aby vytvořit proces-orientované hudební jazyk jemně posouvá prvky, které se v průběhu času měnit. Mnoho z Říše kompozice pomocí techniky zvané phase-shifting, kde hudebníci hrají stejný materiál, ale „z fáze“ s sebou jako úzce rozmístěné canon, přičemž každá část začíná v trochu jiné době a dokonce i řízení v různých rychlostech jeden od druhého.

stejně jako Riley byly Reichovy počáteční hudební průzkumy natočeny na kazetě. Jeho první kazeta, která používá fázové posunování, it ‚ s Gonna Rain, začíná opakující se smyčkou nahrávky kazatele na Newyorské ulici. Reich zdvojnásobí smyčku tak, aby dvě kopie hrály najednou, ale mírně odlišnými rychlostmi. Jedna smyčka se postupně pohybuje před druhou, což způsobuje, že se smyčky postupně posouvají dovnitř a ven z rytmu, jako otáčení hudebního kaleidoskopu. Další ranou nahrávkou Reich ‚ s je jeho Come Out (1966). Reich opět začíná páskovou smyčkou mluvené fráze („vyjděte jim ukázat“). Tentokrát však textura roste ze dvou, na čtyři, na osm současných smyček, z nichž každá je mírně mimo fázi. Slova mluvčího se stávají nepochopitelnými, zůstává kaše samohlásek a souhlásek.

Steve Reich, it ‚ s Gonna Rain

Reich později aplikoval svůj koncept fázového posunu na akustické nástroje. Jeho klavírní Fáze (1967) například obnovuje tento efekt pomocí pásky, ale dvou klavírů. Oba klavíry begin opakováním stejného jednoduché melodické linky v souzvuku, ale jeden klavír, postupně se zrychluje, dokud není plný porazit před druhou klavír. Každé představení klavírní fáze se bude mírně lišit, protože počet opakování; rychlost přechodů; a v důsledku toho je délka díla až na umělce. Je fascinující sledovat, jak se nové rytmy vynořují z neustále se měnících interakcí mezi dvěma melodiemi klavírní Fáze. Do 70. let se Reich posunul do této oblasti rytmu ještě dále. Hodně z jeho hudby se stal bicí-orientované, se překrývá vrstvami polyrhythms, že v mnoha ohledech paralelní styly Africké bubnování. (Příkladem toho je jeho bubnování 1970-1).

Steve Reich, klavírní Fáze

Reich vytvořil svůj vlastní soubor a živil se vystupováním, turné a nahráváním svých děl. Tento soubor přitáhl širokou škálu posluchačů, nejen z klasického světa, ale i těch, kteří jsou zvyklí na jazz, rock a pop music. Philip Glass, náš poslední člen předvoje, byl podobný Reichovi v tom, že také vyrazil z hudebního zařízení vytvořením vlastního souboru. Glass však vyniká svými kruhovitějšími prostředky k dosažení minimalismu. Byl na Julliard, když Mladý, Reich, Riley je brzy výkony byly děje v New Yorku, a pak odešel studovat složení v Paříži s Nadia Boulanger. To bylo tam, že Glass stal se ovlivněn non-západní hudby, zejména díky práci s velkým indickým sitarista Ravi Shankar. Sklo se stal Shankar asistent na soundtracku k roku 1966 film Chappaqua, a jeho práce od roku 1960 se stal silně formován Hindustánské klasické hudby. Různé aspekty tohoto stylu– včetně kruhové rytmické organizace, melodičnost, a jednoduché harmonické průběhy, které kladou důraz na souznění – paralelní podobné trendy minimalismu.

Ravi Shankar feat Philip Glass, Ragas V Moll Stupnice z Pasáže,

Philip Glass studoval na Julliard s Steve Reich a kontakt s ním znovu po jeho cestách v Evropě a Indii. Ovlivněno reichovou rytmickou hudbou, Glass začal zjednodušovat svou hudbu na to, co popsal jako “ hudbu s opakujícími se strukturami. Příklady v tomto stylu patří Strung Out (1967) a Hudba ve 12 Částech (1971-4), masivní čtyři hodiny kousek nastřílel za hlasy, elektrické varhany, flétny a saxofony. Glassova hudba je docela výstřední a často okamžitě rozpoznatelná pro posluchače obeznámeného s jeho prací. Jeho kousky, postavený na základech cyklicky se opakující triadic vzory, představují unikátní soutoku Indické hudby, minimalismu, a Sklo je vlastní výrazové cítění, najednou emocionálně nabité a koná se v melancholické zdrženlivost.

https://youtu.be/8f8Zp-i6Lis

Philip Glass, Hudba ve 12 Částech (Část 1)

Young, Riley, Reich, Skla a všechny se objevily na hudební scéně zhruba ve stejné době, stát z klasické hudby zřízení prostřednictvím hudby, který vytvořil nové hypnotické poslouchat zkušenosti, kde emergentní složitosti v rytmické a melodické interakce vznikají radikální jednoduchost materiálů. Jak jsme však viděli a slyšeli, jednotlivé stylistické rozdíly odlišují každého skladatele od sebe navzájem. Youngův Minimalismus zdůrazňuje drony a statické zvuky, a zatímco drony byly také ústředním bodem Rileyho hudby, na vrcholu stáze vyvinul rytmičtější cyklické vzory. Říše je začlenění fázovým posunem a aditivní/subtraktivní rytmické procesy vytvořil minimalismus není založen ve stázi, ale čas a pohyb, a Sklo se tento styl dále přes jeho studie s Ravi Shankar a jeho jedinečné harmonické jazyk.

„muži“ – imalismus: Za Předvojem

Tyto individuální rozdíly považovány za, to je vhodné si uvědomit, že všichni čtyři členové vanguard vyjádřili znepokojení s tím, že seskupeny pod značkou minimalismu, nastínit způsob minimalismu by brzy vypukne v mnoha různých směrech. Při vytváření příběhu Mladých-Riley-Říše-Sklo „předvoj“ hudební historie také skončí procházející přes mnoho skladatelů, kteří nemají dokonale zapadají předepsané formy, uklouznutí přes trhliny uznání. Způsob, jakým hudební historici vybrali skupinu vanguard, nám pomáhá poskytnout úvodní přehled prvků raného minimalismu. Vytváří však také exkluzivní, úzce mužský příběh minimalismu, opomíjející mnoho skladatelek, které pracovaly na hranicích centrální newyorské minimalistické scény. Zásadní ženské postavy jako Pauline Oliveros, Joan La Barbara, Meredith Monk, Eliane Radigue, a Laurie Spiegel rozšířil za hranice minimalismu tím, že se ponoří do radikální experimenty v oblasti elektroniky, počítače-na základě hudby a performance art, a jsou si zaslouží post na jejich vlastní.

Vezměme si například, Midori Takada, žena skladatel a perkusionista v Japonsku, který vydala řadu rekordů – nejprve s Mkwaju Soubor, potom na její vlastní – v roce 1980. Takada hraje působivou škálu nástrojů a nalezené předměty – od marimbas a gongy na ocarinas a Coca-Cola lahví – pomocí vrstev z playbacku vytvořit soubor ji vlastní. Její práce připomíná četné aspekty minimalismu. V ní 1983 album Through the Looking Glass, vrstvené textury a zámkové rytmické vzory odvolání Steva Reicha, s atmosférickými a hypnotický pocit, podobný k dronu-práce na bázi Mladých a Riley. Nakonec, nicméně, Takada vytváří kontemplativní a náladový zvuk, který je pro ni jedinečný.

Midori Takada, “ Mr. Henri Rousseau Sen“ před zrcadlem

Minimalismus jako Nový Způsob Naslouchání

Můžeme zavolat Takada práce „minimalismus“ i přes nedostatek přímého spojení s původní vanguard? Spíše než příponu minimalistický styl s určitou generaci skladatelů nebo určité jménem kompoziční techniky, mohlo by být více užitečné pro prohlížení minimalismus jako hudbu, která podporuje určitý způsob poslechu.

je běžné slyšet minimalistickou hudbu popisovanou jako hypnotickou nebo meditativní. Ve Skle je hudba, cyklické opakování akordů vytváří pohybující se gobelín zvuky, vrhat open-ušatý posluchačů do změněného psychického stavu. Nemusíte věnovat pozornost každé notě, protože prochází, abyste cítili účinek hudby. Ve skutečnosti často nemůžete, s příliš mnoha rytmickými a melodickými vrstvami, abyste vybrali jeden řádek ze zbytku textury. Tímto způsobem je poslech minimalistické hudby hodně podobný poslechu deště – neslyšíte každou kapku izolovaně, spíše se vaše uši ponoří do symfonie interakcí.

klíčem je, že Minimalistická hudba není teleologická. Většina klasické hudby sleduje lineární, obloukovitý příběh, s harmonií a melodií, které se pohybují ve vzorcích budování očekávání a napětí, na vrchol a uvolnění. Minimalistická hudba, jak poznamenává muzikoložka Susan McClary, zdá se, že nemá minulý ani budoucí čas, s přítomností-co se děje právě tady-se zdá, že se odvíjí navždy. Není nutně potřeba“ dorazit “ kamkoli. V tomto prostoru je posluchač zpoplatněn cestováním mezi vrstvami přítomného okamžiku. Pokud melodie byly osy x a harmonie byly na y-ose v hudební rovině, měnících se rytmů a vznikající texturní hustota minimalismus vytváří nový x-osa, dodal třetí rozměr, aby zážitek z hudby.

Steve Reich, Violoncellový kontrapunkt, v podání Rose Bellini

poslech minimalistické hudby je jako být uvnitř procesu. Reich ve své eseji „hudba jako postupný proces“ popisuje svou hudbu jako proces, který se jednou nastavil a načetl, běží sám. Skladatel kroky zpět z materiálů a umožňuje kvést akustický výsledek, který je větší než jakékoli jednotlivé tvůrce, stojící na jeho vlastní, téměř jako přírodní síla. Zkušenosti z minimalistické hudby je jiný, než jen v chůzi až na hotový obraz, je to cesta, kterou musí pohybovat od začátku do konce se dostat plný účinek kus. Slyšení velmi postupných změn mezi opakujícími se částmi umožňuje posluchači zažít interakce mezi melodiemi, rytmy, a harmonie, v každé fázi vzájemného vztahu.

kam se odtud dostal Minimalismus jako radikálně procesně orientovaná Hudba? Přečtěte si druhou část pro zbytek příběhu minimalismu.

1. Allan, Jennifer Lucy. „Problém S Menimalismem: Záchrana Historie Z Podlahy Řezné Místnosti.“Quietus. 20 Mar 2018. Web. Přístupné 2 Smět 2018. http://thequietus.com/articles/24245-minimalism-sexism
2. Burkholderová, J. Petr, Malty, Donald Jay, a Palisca, Claude V. Historie Západní Hudby. 9th New York: W. W. Norton & společnost, 2014. Tisek.
3. Davis, Elizabeth. „Představujeme Philip Glass: Rozporuplná, ale nesmírně vlivná postava současné hudby.“Královská Opera. 29 Září 2014. Web. Přístupné 15 Duben 2018. http://www.roh.org.uk/news/introducing-philip-glass-a-divisive-but-hugely-influential-figure-in-contemporary-music
4. Dayal, Geeta. „Ambientní průkopník Midori Takada:“ všechno na této zemi má zvuk.’” opatrovník. 24 Mar 2017. Web. Přístupné 15 Duben 2018. https://www.theguardian.com/music/2017/mar/24/midori-takada-interview-through-the-looking-glass-reissue
5. Gann, Kyle. „Kurz Postminimalismu.“KyleGann.com.Web. Accessed 29 March 2018. http://www.kylegann.com/AshgatePostminimalism.html
6. Gann, Kyle. „Les ze semen minimalismu: esej o Postminimální a Totalistické hudbě.“Program festivalu minimalismu Berliner Gesellschaft fur Neue Musik, 1998. Web. Accessed 29 March 2018. http://www.kylegann.com/postminimalism.html
7. Hazelwood, Charles. „Dobrodružství v pohybu a hřiště: jak Minimalismus otřásl klasickou hudbou.” opatrovník. 2 Mar 2018. Web. Accessed 29 March 2018. https://www.theguardian.com/music/2018/mar/02/minimalism-music-revolution-charles-hazelwood
8. May, Thomas. „Transforming America‘ s Music: a milník Year of Adams, Glass, and Reich.“8 února 2017. Web. Přístupné 15 Duben 2018. https://live.stanford.edu/blog/february-2017/transforming-americas-music-milestone-year-adams-glass-and-reich
9. “ Minimalistická hudba: kde začít.“Classic FM. 29 listopad 2012. Web. Accessed 29 March 2018. http://www.classicfm.com/discover-music/periods-genres/modern/minimalism-guide/
10. Service, Tom. „Minimalismus v 50: jak se méně stalo více.” opatrovník. 24 listopad 2011. Web. Přístupné 15 Duben 2018. https://www.theguardian.com/music/2011/nov/24/minimalism-at-50
11. Uno Everett, Yayoi. „Sklo rozbije strop: Minimalismus v naší kultuře opakování.“Huffington Post. 19 Prosince 2013. Web. Přístupné 15 Duben 2018. https://www.huffingtonpost.com/yayoi-uno-everett/glass-breaks-the-ceilingm_b_4466034.html