Západní provádění artsEdit
Začínající v 6. století před naším LETOPOČTEM, Klasické období múzických umění, začal v Řecku, uvedl v tragických básníků, jako Sofokles. Tito básníci psali hry, které v některých případech zahrnovaly tanec (viz Euripides). Helénistické období začalo rozšířené používání komedie.
nicméně, v 6. století našeho letopočtu, Západní divadelní umění bylo do značné míry ukončeno, jak začal Temný věk. Mezi 9. a 14. stoletím, předvádění umění na Západě bylo omezeno na náboženské historické předpisy a morální hry, pořádané církví na oslavu svatých dnů a dalších důležitých událostí.
RenaissanceEdit
V 15. století múzických umění, spolu s umění obecně, viděl oživení jako Renesance začala v Itálii a rozšířil se po celé Evropě hraje, z nichž některé začleněna tance, které byly provedeny a Domenico da Piacenza připisováno první použití termínu ballo (v De Arte Saltandi et Choreas Ducendi) místo danza (tanec), pro jeho baletti nebo balli. Termín se nakonec stal baletem. První balet sám o sobě je považován za Balthasar de Beaujoyeulxův balet Comique de la Reine (1581).
v polovině 16. století Commedia Dell‘ arte stal se populární v Evropě, zavedení využívání improvizace. Toto období také představilo Alžbětinskou masku, představovat hudbu, taneční a komplikované kostýmy i profesionální divadelní společnosti v Anglii. Hry Williama Shakespeara na konci 16. století se vyvinuly z této nové třídy profesionálního výkonu.
V roce 1597, první opera, Dafne byla provedena a po celé 17. století, opera by se rychle stala zábava volbou pro aristokracii ve většině z Evropy, a nakonec pro velký počet lidí, kteří žijí ve městech a obcích po celé Evropě.
Moderní eraEdit
zavedení portálem v Itálii, během 17. století založena na tradiční divadelní formě, která přetrvává dodnes. Mezitím v Anglii Puritáni zakázali herectví a zastavili divadelní umění, které trvalo až do roku 1660. Poté se ženy začaly objevovat ve francouzských i anglických hrách. Francouzi zavedli formální taneční výuku na konci 17. století.
to je také během této doby že první hry byly provedeny v amerických koloniích.
v průběhu 18. století přineslo uvedení populární opery buffa masám operu jako přístupnou formu představení. Mozartova Svatba Figara a Dona Giovanniho jsou dominantami opery z konce 18. století.
Na přelomu 19. století, Beethoven a Romantické hnutí ohlašoval nové éry, která vedla nejprve do brýlí grand opera a pak hudební drama Giuseppe Verdiho a Gesamtkunstwerk (celkové umělecké dílo) z oper Richarda Wagnera, vedoucí přímo na hudbu 20.století.
19. století bylo období růstu for the performing arts pro všechny sociální třídy, technické pokroky, jako je například zavedení gaslight do divadla, varieté, kabaret, tanec, a řadu divadlo. V baletu ženy dosahují velkého pokroku v umění ovládaném muži.
moderní tanec začal koncem 19. a začátkem 20. století v reakci na omezení tradičního baletu.
Konstantin Stanislavského „Systému“ revoluci působící na počátku 20. století, a i nadále mají velký vliv na aktéry z jeviště a obrazovky na aktuální den. Během tohoto období byly na scénu zavedeny impresionismus i moderní realismus.
příchod Sergeje Diaghilev je Ballets Russes (1909-1929) revoluci balet a performing arts obecně v celém Západním světě, především Diaghilev je důraz na spolupráci, která přinesla choreografů, tanečníků, výtvarníků/umělců, skladatelů a hudebníků společně oživit a revoluci balet. Je to nesmírně složité.
S vynálezem filmu na konci 19. století Thomas Edison a růst filmového průmyslu v Hollywoodu na počátku 20. století, film se stal dominantní výkon střední průběhu 20. a 21.století.
Rhythm and blues, kulturní fenomén černé Ameriky, se dostal do popředí na počátku 20. století; ovlivňující řadu pozdějších populárních hudebních stylů na mezinárodní úrovni.
V roce 1930 Jean Rosenthal představil, co by se stalo moderní scénické osvětlení, měnící se povahu fázi jako Broadwayský muzikál se stal fenoménem ve Spojených Státech.
PostwarEdit
divadelní umění po druhé světové válce bylo zdůrazněno oživením baletu i opery v západním světě.
Postmodernismus v múzických umění dominuje 1960 do značné míry.
Eastern performing artedit
Middle EastEdit
nejstarší zaznamenaná divadelní událost pochází z roku 2000 před naším letopočtem s vášnivými hrami starověkého Egypta. Tento příběh boha Osirise se každoročně hrál na festivalech po celé civilizaci, označení známého začátku dlouhého vztahu mezi divadlem a náboženstvím.
nejvíce populární formy divadla ve středověkém Islámském světě byly loutkové divadlo (které zahrnovaly loutek, stínohry a loutek inscenací) a žít vášeň hraje známá jako ta’ziya, kde herci ztvárnit epizody z Muslimské historie. Zejména šíitské islámské hry se točily kolem shaheedu (mučednictví) Alího synů Hasana ibn Aliho a Husajna ibn Aliho. Žít světské hry byly známé jako akhraja, zaznamenané ve středověkých adab literatury, i když jsou méně časté než loutkářství a ta’ziya divadla.
Íránedit
v Íránu existují i jiné formy divadelních událostí, jako je Naghali (vyprávění příběhů), Ru Ru-Howzi, Siah-Bazi, Parde-Khani, Mareke giri.
IndiaEdit
Lidového divadla a dramatu lze vysledovat v náboženské rituální Védské národy ve 2. tisíciletí před naším LETOPOČTEM. Toto lidové divadlo mlhavé minulosti se mísilo s tancem, jídlem, rituálem a zobrazením událostí z každodenního života. Poslední prvek z něj učinil původ klasického divadla pozdějších dob. Mnoho historiků, zejména D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya atd. odkazovali na prevalenci rituálu mezi Indo-Árijskými kmeny, ve kterých se někteří členové kmene chovali, jako by to byla divoká zvířata, a někteří další byli lovci. Ti, kteří se chovali jako savci, jako jsou kozy, buvoli, sobi, opice atd. byli pronásledováni těmi, kteří hrají roli lovců.
Bharata Muni (fl. 5.–2. století PŘ. n. l.) byl starověký Indický spisovatel, nejlépe známý pro psaní Natya Shastra Bharaty, teoretické pojednání o Indických múzických umění, včetně divadla, tanec, herectví a hudba, která byla ve srovnání s Aristotelova Poetika. Bharata je často známý jako otec Indického divadelního umění. Jeho Natya Shastra se zdá být prvním pokusem o systematický rozvoj techniky nebo spíše umění dramatu. Natya Shastra nám říká nejen to, co má být vylíčeno v dramatu, ale jak má být zobrazení provedeno. Drama, jak říká Bharata Muni, je napodobením mužů a jejich činů (loka-vritti). Protože muži a jejich činy musí být na jevišti respektováni, tak drama v sanskrtu je také známé pod termínem roopaka, což znamená zobrazení.
Ramayana a Mahabharata lze považovat za první uznávané hry, které vznikly v Indii. Tyto eposy poskytly inspiraci nejranějším indickým dramatikům a dělají to i dnes. Indičtí dramatici jako Bhāsa ve 2. století před naším LETOPOČTEM psal divadelní hry, které byly silně inspirované Ramayana a Mahabharata.
Kālidāsa v 1. století před naším letopočtem je pravděpodobně považován za největšího dramatika starověké Indie. Tři slavné romantické hraje napsané Kālidāsa jsou Mālavikāgnimitram (Mālavikā a Agnimitrovi), Vikramōrvaśīyam (Vztahující se k Vikrama a Urvashi), a Abhijñānaśākuntala (Uznání Shakuntala). Poslední byl inspirován příběhem v Mahabharatě a je nejslavnější. Byla první, která byla přeložena do angličtiny a němčiny. Ve srovnání s Bhāsou, který silně čerpal z eposů, lze Kālidāsa považovat za původního dramatika.
dalším velkým indickým dramatikem byl Bhavabhuti (c. 7. století). Říká se, že napsal následující tři hry: Malati-Madhava, Mahaviracharita a Uttar Ramacharita. Mezi těmito třemi, poslední dva kryt mezi nimi, celý epos Ramayana. Mocný Indický císař Harsha (606-648) je připočítán s tím, že napsal tři hry: komedii Ratnavali, Priyadarsika a buddhistické drama Nagananda. Ve středověku následovalo mnoho dalších dramatiků.
Tam bylo mnoho múzických umění, formy, v jižní části Indie, Kerala je takový stav s různými takové formy umění, jako Koodiyattam, Nangyarkoothu, Kathakali, Chakyar koothu, Thirayattam a tam bylo mnoho významných umělců, jako Painkulam Raman Chakyar a další.
ChinaEdit
Tam jsou odkazy na divadelní zábavy v Číně jak brzy jak 1500 BC během Shang dynastie; často se jednalo o hudbu, klaunství a akrobatické displeje.
dynastie Tang je někdy známá jako „věk 1000 zábavy“. Během této éry, císař Xuanzong vytvořil hereckou školu známou jako děti hruškové zahrady, aby vytvořil formu dramatu, která byla primárně hudební.
během dynastie Han se stínové loutkářství poprvé objevilo jako uznávaná forma divadla v Číně. Existovaly dvě odlišné formy stínového loutkářství, kantonský jižní a Pekingský Severní. Oba styly byly odlišeny způsobem výroby loutek a umístěním prutů na loutkách, na rozdíl od typu hry, kterou loutky hrají. Oba styly obvykle provádí hraje zobrazující velké dobrodružství a fantasy, zřídka byl to velmi stylizované formě divadla použity pro politickou propagandu. Kantonské stínové loutky byly větší z těchto dvou. Byly postaveny z tlusté kůže, která vytvořila podstatnější stíny. Symbolická barva byla také velmi převládající; černá tvář představovala poctivost, červená statečnost. Tyče používané k ovládání kantonských loutek byly připevněny kolmo k hlavám loutek. Diváci je tedy neviděli, když byl vytvořen stín. Pekingské loutky byly jemnější a menší. Byly vytvořeny z tenké, průsvitné kůže obvykle odebrané z břicha osla. Byly natřeny zářivými barvami, a tak vrhaly velmi barevný stín. Tenké pruty, které ovládaly jejich pohyby, byly připevněny k koženému límci na krku loutky. Tyče běžel paralelně těla loutek pak se obrátil na devadesát stupňů, aby se připojit ke krku. Zatímco tyto pruty byly viditelné, když byl stín vržen, ležely mimo stín loutky; tak nezasahovaly do vzhledu postavy. Tyče připojené na krku, aby se usnadnilo použití více hlav s jedním tělem. Když se hlavy nepoužívaly, byly uloženy v mušelínové knize nebo látkové krabici. Hlavy byly vždy odstraněny v noci. To bylo v souladu se starou pověrou, že pokud zůstanou neporušené, loutky ožijí v noci. Někteří loutkáři šli tak daleko, že ukládali hlavy do jedné knihy a těla do druhé, aby se dále snížila možnost oživení loutek. Stínové loutkářství údajně dosáhlo svého nejvyššího bodu uměleckého vývoje v 11. století, než se stalo nástrojem vlády.
v dynastii Song bylo mnoho populárních her zahrnujících akrobacii a hudbu. Ty se vyvinuly v dynastii Yuan do sofistikovanější formy se strukturou čtyř nebo pěti aktů. Yuan drama se rozšířilo po celé Číně a diverzifikovalo se do mnoha regionálních forem,z nichž nejznámější je pekingská Opera, která je dodnes populární.
ThailandEdit
V Thajsku, to byla tradice od Středověku do divadelní hry založené na pozemcích čerpány z Indických eposů. Zejména divadelní verze Thajského národního eposu Ramakien, verze indické Ramayany, zůstává v Thajsku populární i dnes.
CambodiaEdit
V Kambodži, nápisy se datuje do 6. století našeho letopočtu označuje důkazy tanečnice v místním chrámu a pomocí loutkářství pro náboženské hraje. Ve starobylém hlavním městě Angkor Wat byly na stěnách chrámů a paláců vytesány příběhy z indických eposů Ramayana a Mahabharata. Podobné reliéfy se nacházejí v Borobuduru v Indonésii.
JapanEdit
během 14. století existovaly v Japonsku malé společnosti herců, kteří hráli krátké, někdy vulgární komedie. Ředitel jedné z těchto společností, Kan ‚ ami (1333-1384), měl syna, Zeami Motokiyo (1363-1443), který byl považován za jednoho z nejlepších dětských herců v Japonsku. Když Kan ‚ ami je společnost provádí pro Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), shōgun Japonska, prosil Zeami mít soud vzdělávání pro jeho umění. Poté, co Zeami následoval svého otce, pokračoval ve hře a přizpůsoboval svůj styl tomu, co je dnes Noh. Směs pantomimy a vokální akrobacie, Styl divadla Noh se stal jednou z nejjemnějších forem japonského divadelního představení.
Japonsko, po dlouhém období občanských válek a politické pozdvižení, bylo jednotné a v klidu to především kvůli shōgun Tokugawa Ieyasu (1600-1668). Nicméně znepokojen vzrůstajícím počtem Křesťanů v zemi vzhledem k obracení na víru úsilí Křesťanských misionářů, on uřízl kontakt z Japonska do Evropy a Číny a zakázal Křesťanství. Když nastal mír, rozkvět kulturního vlivu a rostoucí obchodní třída vyžadovaly vlastní zábavu. První forma divadla, která vzkvétala, byla Ningyō jrruri (běžně označovaná jako Bunraku). Zakladatel a hlavní přispěvatel Ningyō jrruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), změnil svou formu divadla na skutečnou uměleckou formu. Ningyō jrruri je vysoce stylizovaná forma divadla s použitím loutek, dnes asi 1⁄3rd velikosti člověka. Muži, kteří ovládají loutky vlak celý jejich život, aby se stal mistr loutkáři, když se pak může provozovat loutkové hlavu a pravou ruku, a zvolte ukázat jejich tváře během výkonu. Další loutkáři, ovládání méně důležité údy loutka, kryt sami, a jejich tváře v černém obleku, naznačit jejich neviditelnost. Dialog je zpracován jedinou osobou, který používá různé tóny hlasu a mluvení k simulaci různých postav. Chikamatsu napsal během svého života tisíce her,z nichž většina se dodnes používá.
Kabuki začal krátce po Bunraku, legenda má to herečka jménem Okuni, který žil kolem konce 16.století. Většina kabukiho materiálu pocházela z Noh a Bunraku, a jeho nevyzpytatelné taneční pohyby jsou také účinkem Bunraku. Kabuki je však méně formální a vzdálenější než Noh, přesto velmi populární mezi japonskou veřejností. Herci jsou vyškoleni v mnoha různých věcech, včetně tance, zpěv, pantomima, a dokonce i akrobacie. Kabuki byl nejprve proveden mladými dívkami, pak mladými chlapci a do konce 16. století se společnosti kabuki skládaly ze všech mužů. Muži, kteří vylíčil ženy na jevišti byli speciálně vyškoleni, aby vyvolat podstatu ženy v jejich jemné pohyby a gesta.