“hvad du hører afhænger af, hvordan du fokuserer dit øre. Vi taler ikke om at opfinde et nyt sprog, men snarere opfinde nye opfattelser af eksisterende sprog.”- Philip Glass

Hvis du har indstillet på alle klassiske Portland for nylig, har du måske stødt på noget musik, som dine ører ikke forventede at høre fra en klassisk radiostation. 6 fra en ny CD af V. Luckingur. En sen torsdag aften, Andrea Murray behandlede os med maks Richters om dagslysets Natur. Mens begge disse værker kunne hævdes at være” klassiske ” stykker, skiller de sig ud for den måde, de gennemsyrer populærkultur og underholdning – både Glass og Richter har komponeret udførligt til film og tv.

Richter og Glass ‘ s stykker kan beskrives som eksempler fra en bevægelse og genre i klassisk musik kendt som “Minimalisme.”Minimalisme startede i midten af 1960’ erne i den eksperimentelle udkant af klassisk musik. Nu er Minimalisme blevet et internationalt fænomen, der dybt har påvirket retningen for Ny Musik i USA og videre, hvilket fører til påstanden om minimalisme som det “fælles musikalske sprog” i slutningen af det 20.og det tidlige 21. århundrede.

Philip Glass, Kriptudes, No. 6, udført af Víkingur Ólafsson

Minimalisme er også et glimrende eksempel på, hvordan etiketter og kategorier i musik og kunst kan i sagens natur begrænsede, hvilket gør det svært at se, hvordan tendenser vokse, ændre, omdefinere sig selv over tid. Ved at absorbere en mangfoldighed af påvirkninger, og til gengæld påvirke så mange områder af vores musikalske kultur, Minimalisme nedbryder væggene, der ofte er smedet mellem “høj” og “lav” kunst i klassisk musik. Minimalisme har nået hjørnerne af næsten alle dele af musikalsk kultur, fra filmparticer til popalbum, riffs til moderne klassiske lydlandskaber. Og er vokset ud over sit eget mærke: udviklet sig over tid, forgrener sig, bliver noget uden tvivl mere “maksimal” end minimal.

maks Richter,” on the nature of Daylight”, udført af Ataneres-ensemblet

Hvad sker der, når en musik ser ud til at overskride grænserne for, hvad der er”klassisk”? Hvad sker der, når en musik forsøger at lukke riff skabt mellem komponist og publikum i det tidlige 20. århundredes modernistiske musik? Hvad sker der, når en musik re-konceptualiserer selve kernen i, hvordan vi lytter, genforene publikum med lyd som en visceral oplevelse og følelsesmæssig påvirkning? Dette er historien om minimalistisk musik.

minimalismens oprindelse og de fire “Vanguard” komponister

rejsen Minimalisme har taget er lang, men lad os starte i begyndelsen. Den oprindelige minimalistiske bevægelse var ikke begrænset til musik og rørte ved næsten enhver kunstform, inklusive billedkunst, litteratur, film. Minimalisme opstod i en række underjordiske aktiviteter i biograf, musik, maleri og skulptur i slutningen af 1950 ‘erne og begyndelsen af 1960’ erne, centreret i San Francisco. Der var stærke forbindelser mellem tidlige minimalistiske komponister og kunstnere, hvor forestillinger ofte fandt sted i kunstgallerier og lofts snarere end traditionelle koncertsteder. Og i lighed med minimalistisk kunst reagerede minimalistiske komponister mod kompleksiteten, tætheden og den rene vanskelighed ved nyere modernistisk Musik.

en karismatisk gruppe på fire komponister er typisk mærket på “vanguard” komponister af minimalistisk musik. De blev alle født inden for flere år efter hinanden – La Monte Young (f. 1935), Terry Riley (f. 1935), Steve Reich (f. 1936) og Philip Glass (f. 1937). En eklektisk række musikalske ideer påvirkede denne indledende gruppe, hvilket gjorde det vanskeligt at beskrive selve bevægelsen i alt andet end brede termer. Vi kan dog nævne nogle fællestræk. Kerne til minimalisme er reduktionen af materialer til et minimum. Procedurer forenkles, og ofte er det, der foregår i musikken, umiddelbart tydeligt for en lytter. Minimalistisk musik har typisk gentagelse, diatoniske skalaer og harmonier, et gitter af stabile beats uden tempoændring (hvilket gør det ligner visse genrer af barokmusik) og monokrom eller terrasseret dynamik (i modsætning til den udtryksfulde fluiditet i de romantiske og modernistiske epoker).

især blev alle fire af disse vanguard-komponister opdraget i den vestlige klassiske tradition og studerede musik på forskellige prestigefyldte klassiske musikskoler. Imidlertid, disse komponister skiller sig ud for den måde, de skabte kunst på, der stod uden for virksomheden – påvirket af andre, ikke-vestlige stilarter, herunder indisk raga og afrikansk tromme. Minimalistisk musik ses ofte som en afvisning af europæiske modernistiske tendenser som den komplekse og matematisk strenge serialisme. Der er en bevidst sparsom brug af traditionelle elementer af form og stil i minimalistisk musik. Det vender tilbage til rødderne, de grundlæggende elementer i musik: melodi, modalitet og rytme.

en vigtig forgænger til minimalismens radikale enkelhed var nylige avantgarde-tendenser inden for musik, især musikken John Cage. Cage ‘s 4 ’33” tager for eksempel reduktionisme til det ekstreme og kan ses som den ultimative minimalistiske komposition – kunstneren spiller ikke en eneste note, hvilket gør det muligt for hverdagslyde at formulere den lydlige oplevelse af stykket. Et andet aspekt Minimalisme tog fra avantgarde var det aleatoriske: at skabe uforudsigelighed i ydeevne ved at opgive konventioner som rytme og tempo. Aleatoriske teknikker anvendes især i La Monte Youngs musik. Tag for eksempel Youngs “den melodiske Version af den anden drøm om højspændingslinjen Nedtrapningstransformator” fra de fire drømme om Kina (ja, en mundfuld af en titel). Værket spilles af otte dæmpede trompeter, der spiller fire forskellige, tilbagevendende toner i en spontan, improviseret stil.

La Monte Young, “den melodiske Version af den anden drøm om højspændingslinjen Nedtrapningstransformator” fra The Four Dreams of China, udført af Theatre of Eternal Music Brass Ensemble

La Monte Young er sandsynligvis den mindst kendte af den minimalistiske fortrop, men han anses generelt for at have lanceret bevægelsen med sine “langtonede” stykker. Mens han var kandidatstuderende ved Berkeley i 1958, indsendte Young et værk til sin kompositionsklasse, kaldte han Trio for strenge. Men det er ikke bare en konventionel Trio: den er lang, monotont og består af kun tre noter. Hans professor nægtede at give ham en karakter for arbejdet. Der tænkes dog bag det: indgangene og udgangene i de tre toner er tempo for at skabe forskellige harmoniske effekter, der dukker op ind og ud af strukturen.

Youngs Trio for Strings afspejler meget af hans senere musik, som centrerer sig om et lille antal pladser, der opretholdes i lange perioder. Hans sammensætning 1960 No. 7 består for eksempel kun af noterne B og F#, instrueret “at blive afholdt i lang tid.”Young’ s skildpadden: Hans drømme og rejser (1964) er en slags improvisation, hvor instrumentalister og sangere kommer ind og ud på forskellige harmoniske over en drone af en synteseapparat.

med ikke meget at lytte til i Youngs sparsomme partiturer, er lytterens opmærksomhed rettet mod flere minutændringer i tonehøjde og klang, der sker, når en musiker forsøger at opretholde en tonehøjde på deres instrument. Youngs musik er slående, idet den bevidst ignorerer klassisk musiks tendens til at være en teleologisk fortælling med en klar åbning, udvikling, klimaks og opløsning. I Youngs musik erstattes målrettet retning med en åbenlys stasis.

https://www.youtube.com/watch?v=-No6_12i_BE

La Monte Young, Trio for strenge, udført af trioen Basso.

det var manglen på struktur og fortælling Youngs Trio for strenge, der sandsynligvis bidrog til, at hans professor nægtede at give ham en karakter til projektet. Stykket blev dog beundret af en medstuderende ved navn Terry Riley, vores anden vanguard-komponist. Riley, der engang havde optrådt i et ensemble af Youngs, forgrenede sig fra Young ved at udforske mønstre med mere gentagelse end at opretholde toner. Riley er kendt for sine eksperimenter med båndsløjfer, korte segmenter af splejset bånd, der, når de føres gennem en båndoptager, spiller de samme lyde igen og igen. Hans båndstykke Mescalin-blanding (1960-62) samler mange sådanne båndsløjfer over en regelmæssig puls, hvilket skaber en uhyggelig collage af interagerende sætninger og udtryk.

Rileys mest kendte værk, i C (1964), anvender en lignende proces til levende instrumenter. Stykket består af 53 melodiske celler i nummereret rækkefølge, hele partituret passer på en side. Stykket kan udføres af en hvilken som helst gruppe instrumenter, hvor en kunstner giver en rytmisk motor på noten C. Når kunstnerne bevæger sig gennem hver celle, forbliver antallet af gentagelser i hver del og koordineringen af dele ubestemt. Det soniske resultat er et uforudsigeligt og stadigt skiftende landskab af lagdelte lyde over en hypnotisk puls, med et gradvist skift fra konsonans til dissonans og tilbage, når visse toner introduceres og forsvinder fra cellerne. Rileys teknik til at gentage celler af materiale kaldes modularisme: at bruge et gentaget, cellelignende motiv som grundlag for et helt værk-med andre ord at tage gentagelse i ekstrem grad.

Terry Riley, i C, udført af VENI Academy.

Steve Reich, vores tredje vanguard komponist, voksede på denne ide om modularisme og brugte den til at skabe et procesorienteret musikalsk sprog af subtilt skiftende elementer, der ændrer sig over tid. Mange af Reichs kompositioner bruger en teknik kaldet phase-shifting, hvor musikere spiller det samme materiale, men “ude af fase” med hinanden som en kanon med tæt afstand, hvor hver del starter på et lidt andet tidspunkt og endda fortsætter med forskellige hastigheder fra hinanden.

ligesom Riley blev Reichs indledende musikalske udforskninger lavet på bånd. Hans første båndstykke, der bruger faseskift, det kommer til at regne, begynder med en gentagen løkke af en optagelse af en prædikant på en ny gade. Reich fordobler sløjfen, så to kopier spiller på en gang, men med lidt forskellige hastigheder. Den ene sløjfe bevæger sig gradvist foran den anden, hvilket får sløjferne til gradvist at skifte ind og ud af rytmen med hinanden, som at dreje et musikalsk kalejdoskop. Et andet tidligt båndstykke af Reichs er hans Come Out (1966). Igen begynder Reich med en båndsløjfe med en talt sætning (“kom ud for at vise dem”). Denne gang vokser strukturen imidlertid fra to til fire til otte samtidige sløjfer, hver lidt ude af fase med hinanden. Talerens ord bliver uforståelige, en mos af vokaler og konsonanter forbliver.

Steve Reich, det kommer til at regne

Reich anvendte senere sit faseskiftende koncept på akustiske instrumenter. Hans Klaverfase (1967) genskaber for eksempel denne effekt ved hjælp af ikke tape, men to klaverer. Begge klaverer begynder med at gentage den samme enkle melodiske linje unisont, men det ene klaver fremskynder gradvist, indtil det er et fuldt slag foran det andet klaver. Hver forestilling af Klaverfasen vil være lidt anderledes, da antallet af gentagelser; hastighed af overgange; og derfor er længden af stykket op til kunstnerne. Det er fascinerende at observere, hvordan nye rytmer dukker op ud af de stadigt skiftende interaktioner mellem de to melodier i Klaverfasen. Ind i 1970 ‘ erne skubbede Reich endnu mere ind i dette rytmeområde. Meget af hans musik blev percussion-orienteret, med overlejrede lag af polyrytmer, der på mange måder parallelle stilarter af afrikansk tromme. (Et eksempel på dette er hans tromme fra 1970-1).

Steve Reich, Klaverfase

Reich dannede sit eget ensemble og har tjent til livets ophold ved at udføre, turnere og indspille sine værker. Dette ensemble tiltrak en bred vifte af lyttere, ikke kun fra den klassiske verden, men dem, der var vant til musik, rock og pop. Philip Glass, vores sidste medlem af vanguard, lignede Reich, idet han også slog ud af det musikalske etablissement ved at danne sit eget ensemble. Glas skiller sig imidlertid ud gennem hans mere rundkørsel middel til at nå frem til Minimalisme. Han var på Juilliard, da Young, Reich og Rileys tidlige forestillinger fandt sted i Ny York, og forlod derefter for at studere komposition i Paris med Nadia Boulanger. Det var der, at Glass blev påvirket af ikke-vestlig musik, især gennem arbejde med den store indiske sitarist Ravi Shankar. Glass blev Shankars assistent på soundtracket til filmen fra 1966, og hans arbejde siden 1960 ‘ erne blev stærkt formet af Hindustansk klassisk musik. Forskellige facetter af denne stil– herunder cirkulær rytmisk organisation, melodiøsitet og enkle harmoniske fremskridt, der lægger vægt på konsonans – parallelle lignende tendenser i Minimalisme.

Ravi Shankar feat Philip Glass, Ragas i mindre skala fra passager

Philip Glass havde studeret på Julliard med Steve Reich og taget kontakt med ham igen efter sine rejser i Europa og Indien. Påvirket af Reichs rytmiske faseskiftende musik begyndte Glass at forenkle sin musik ned til det, han beskrev som ‘musik med gentagne strukturer. Eksempler i denne stil inkluderer Strung Out (1967) og Musik i 12 dele (1971-4), et massivt fire timers stykke scoret for stemmer, elektriske organer, fløjter og saksofoner. Glass musik er ret idiosynkratisk og ofte umiddelbart genkendelig for en lytter, der er bekendt med hans arbejde. Hans stykker, bygget på et fundament af cyklisk gentagne triadiske mønstre, repræsenterer en unik sammenløb af indisk musik, minimalisme, og Glass egen udtryksfulde følsomhed, på en gang følelsesladet og holdt tilbage i melankolsk tilbageholdenhed.

https://youtu.be/8f8Zp-i6Lis

Philip Glass, Musik i 12 dele (Del 1)

Young, Riley, Reich og Glass dukkede alle op på musikscenen omkring samme tid og skiller sig ud fra den klassiske musikvirksomhed gennem musik, der skabte nye hypnotiske lytteoplevelser, hvor nye kompleksiteter i rytmiske og melodiske interaktioner opstår ud fra en radikal enkelhed af materialer. Som vi har set og hørt, adskiller individuelle stilistiske forskelle imidlertid hver komponist fra hinanden. Youngs Minimalisme understreger Droner og statiske lyde, og mens droner også var centrale for Rileys musik, udviklede han mere rytmiske cykliske mønstre oven på stasen. Reichs inkorporering af faseskift og additive/subtraktive rytmiske processer skabte en Minimalisme baseret ikke i stasis, men tid og bevægelse, og Glass tog denne stil videre gennem sine studier med Ravi Shankar og hans unikke harmoniske sprog.

“mænd” – imalisme: Ud over avantgarden

disse individuelle forskelle overvejes, er det værd at bemærke, at alle fire medlemmer af avantgarden har udtrykt uro med at blive grupperet under mærket Minimalisme, en foregribelse af, hvordan Minimalisme snart ville bryde ud i mange forskellige retninger. Ved at skabe historien om den unge-Riley-Reich-Glass “vanguard”, ender musikhistorien også med at passere over mange komponister, der ikke passer perfekt til den foreskrevne form, glider gennem anerkendelsens revner. Den måde, hvorpå musikhistorikere har udpeget en fortrop-gruppe, hjælper os med at give os et indledende overblik over tidlig minimalismes elementer. Det skaber dog også en eksklusiv, snævert mandlig fortælling om minimalisme, idet man forsømmer de mange kvindelige komponister, der arbejdede på grænserne for den centrale minimalistiske scene. Afgørende kvindelige figurer som Pauline Oliveros, Joan La Barbara, Meredith Monk, Eliane Radigue og Laurie Spiegel udvidede sig ud over minimalismens grænser ved at dykke ned i radikale eksperimenter inden for elektronik, computerbaseret musik og performancekunst og fortjener et indlæg alene.