vestlig scenekunstredit
fra det 6.århundrede f. kr. begyndte den klassiske periode med scenekunst i Grækenland, indvarslet af de tragiske digtere som Sophocles. Disse digtere skrev skuespil, som i nogle tilfælde inkorporerede dans (se Euripides). Den hellenistiske periode begyndte den udbredte brug af komedie.
men i det 6.århundrede e. kr. var vestlig scenekunst stort set afsluttet, da den mørke middelalder begyndte. Mellem det 9.århundrede og det 14. århundrede var scenekunst i Vesten begrænset til religiøse historiske vedtagelser og moralspil, organiseret af kirken til fejring af hellige dage og andre vigtige begivenheder.
Renaissanceredit
i det 15.århundrede oplevede scenekunst sammen med kunsten generelt en genoplivning, da renæssancen begyndte i Italien og spredte sig over hele Europa spiller, hvoraf nogle inkorporerede dans, som blev udført og Domenico da Piacens krediteret den første brug af udtrykket ballo (i de Arte Saltandi et Choreas Ducendi) i stedet for dans (dans) for hans baletti eller balli. Udtrykket blev til sidst Ballet. Den første Ballet i sig selv menes at være Balthasar de Beaujoyeulks Ballet Comike de la Reine (1581).
Ved midten af det 16.århundrede blev Commedia Dell’ Arte populær i Europa og introducerede brugen af af improvisation. Denne periode introducerede også den Elisabetanske maske med musik, dans og detaljerede kostumer samt professionelle teaterfirmaer i England. Shakespeares skuespil i slutningen af det 16.århundrede udviklede sig fra denne nye klasse af professionel præstation.
i 1597 blev den første opera, Dafne, udført, og gennem det 17.århundrede ville opera hurtigt blive den foretrukne underholdning for aristokratiet i det meste af Europa og til sidst for et stort antal mennesker, der bor i byer i hele Europa.
moderne eraEdit
introduktionen af proscenium arch i Italien i det 17.århundrede etablerede den traditionelle teaterform, der fortsætter den dag i dag. I mellemtiden forbød Puritanerne i England at handle og stoppede scenekunst, der varede indtil 1660. Derefter begyndte kvinder at optræde i både franske og engelske skuespil. Franskmændene introducerede en formel danseinstruktion i slutningen af det 17.århundrede.
det er også i løbet af denne tid, at de første skuespil blev udført i de amerikanske kolonier.
i løbet af det 18.århundrede bragte introduktionen af den populære opera buffa opera til masserne som en tilgængelig form for forestilling. Figaros og Don Giovannis ægteskab er vartegn for operaen fra slutningen af det 18.århundrede.i begyndelsen af det 19.århundrede indledte Beethoven og den romantiske bevægelse en ny æra, der først førte til brillerne i Grand opera og derefter til de musikalske dramaer fra Giuseppe Verdi og Gesamtkunstværket (samlet kunstværk) af operaerne fra Richard vogner, der førte direkte til musikken fra det 20. århundrede.
det 19.århundrede var en periode med vækst for scenekunst for alle sociale klasser, tekniske fremskridt såsom introduktion af gaslight til teatre, burlesk, minstrel dansog variety theatre. I ballet gør kvinder store fremskridt inden for den tidligere mandsdominerede kunst.
moderne dans begyndte i slutningen af det 19.århundrede og det tidlige 20. århundrede som reaktion på begrænsningerne i traditionel ballet.Konstantin Stanislavskis “System” revolutionerede skuespil i begyndelsen af det 20.århundrede og har fortsat stor indflydelse på skuespillere på scenen og skærmen til den nuværende dag. Både impressionisme og moderne realisme blev introduceret til scenen i denne periode.ankomsten af Sergei Diaghilevs balletter Russes (1909-1929) revolutionerede ballet og scenekunst generelt i hele den vestlige verden, vigtigst af alt gennem Diaghilevs vægt på samarbejde, der bragte koreografer, dansere, scenografer/kunstnere, komponister og musikere sammen for at genoplive og revolutionere ballet. Det er ekstremt komplekst.med opfindelsen af filmen i slutningen af det 19.århundrede af Thomas Edison og væksten i filmindustrien i det tidlige 20. århundrede blev film et dominerende præstationsmedium gennem det 20. og 21. århundrede.Rhythm and blues, et kulturelt fænomen i sort Amerika, blev fremtrædende i det tidlige 20.århundrede; påvirker en række senere populære musikstilarter internationalt.i 1930 ‘ erne introducerede Jean Rosenthal, hvad der ville blive moderne scenebelysning, og ændrede scenens natur, da musicalen blev et fænomen i USA.
postvaredit
post-Anden Verdenskrig scenekunst blev fremhævet af genopblussen af både ballet og opera i den vestlige verden.
postmodernisme i scenekunst dominerede i vid udstrækning 1960 ‘ erne.
Eastern performing artsEdit
Middle EastEdit
den tidligste indspillede teaterbegivenhed går tilbage til 2000 F.kr. med det gamle Egypts lidenskabsspil. Denne historie om guden Osiris blev udført årligt på festivaler i hele civilisationen, markerer den kendte begyndelse på et langt forhold mellem teater og religion.de mest populære former for teater i den middelalderlige islamiske verden var dukketeater (som omfattede hånddukker, skyggespil og marionetproduktioner) og levende lidenskabsspil kendt som ta ‘ siya, hvor skuespillere genoptager episoder fra muslimsk historie. Især Shia islamiske skuespil drejede sig om shaheed (martyrium) af Alis sønner Hasan ibn Ali og Husayn ibn Ali. Levende sekulære skuespil blev kendt som akhraja, optaget i middelalderens Adab-litteratur, skønt de var mindre almindelige end dukketeater og teater.
IranEdit
i Iran er der andre former for teatralske begivenheder som Naghali (historiefortælling), Kurt Ru-hvordan, Siah-Basi, Parde-Khani, Mareke giri.
IndiaEdit
Folketeater og dramatik kan spores til de vediske folks religiøse ritualisme i det 2.årtusinde f. kr. Dette Folketeater fra den tåget fortid blev blandet med dans, mad, ritualisme, plus en skildring af begivenheder fra det daglige liv. Det sidste element gjorde det til oprindelsen af det klassiske teater i senere tider. Mange historikere, især D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya osv. har henvist til forekomsten af ritualisme blandt Indo-ariske stammer, hvor nogle medlemmer af stammen handlede som om de var vilde dyr, og nogle andre var jægere. De, der fungerede som pattedyr som geder, bøfler, rensdyr, aber osv. blev jaget af dem, der spillede rollen som jægere.
Bharata Muni (fl. 5. – 2. århundrede f. kr.) var en gammel indisk forfatter bedst kendt for at skrive Natya Shastra af Bharata, en teoretisk afhandling om indisk scenekunst, herunder teater, dans, skuespil og musik, som er blevet sammenlignet med Aristoteles ‘ s poetik. Bharata er ofte kendt som far til Indisk teatralsk kunst. Hans Natya Shastra synes at være det første forsøg på at udvikle teknikken eller rettere kunst, af drama på en systematisk måde. Natya Shastra fortæller os ikke kun, hvad der skal portrætteres i et drama, men hvordan skildringen skal udføres. Drama, som Bharata Muni siger, er efterligning af mænd og deres handlinger (loka-vritti). Som mænd og deres handlinger skal respekteres på scenen, så drama På Sanskrit er også kendt under udtrykket roopaka, hvilket betyder skildring.Ramayana og Mahabharata kan betragtes som de første anerkendte skuespil, der stammer fra Indien. Disse epos gav inspiration til de tidligste Indiske dramatikere, og de gør det selv i dag. Indiske dramatikere som f.eks BH kursa i det 2. århundrede f. kr. skrev skuespil, der var stærkt inspireret af Ramayana og Mahabharata.i det 1.århundrede f. kr., anses velsagtens for at være det gamle Indiens største dramatiker. Tre berømte romantiske skuespil skrevet af Kālidāsa er Mālavikāgnimitram (Mālavikā og Agnimitra), Vikramōrvaśīyam (i tilknytning til Vikrama og Urvashi), og Abhijñānaśākuntala (Anerkendelse af Shakuntala). Den sidste blev inspireret af en historie i Mahabharata og er den mest berømte. Det var den første, der blev oversat til engelsk og tysk. I sammenligning med BH Kurssa, der trak stærkt fra eposerne, kan k Kristilid Kurssa betragtes som en original dramatiker.
den næste store indiske dramatiker var Bhavabhuti (c. 7.århundrede). Han siges at have skrevet følgende tre stykker: Malati-Madhava, Mahaviracharita og Uttar Ramacharita. Blandt disse tre dækker de sidste to mellem dem, hele eposet af Ramayana. Den magtfulde indiske kejser Harsha (606-648) krediteres for at have skrevet tre stykker: komedien Ratnavali, Priyadarsikaog Det buddhistiske drama Nagananda. Mange andre dramatikere fulgte i middelalderen.der var mange scenekunstformer i den sydlige del af Indien, Kerala er sådan en stat med forskellige sådanne kunstformer som Koodiyattam, Nangyarkoothu, Kathakali, Chakyar koothu, Thirayattam, og der var mange fremtrædende kunstnere som Painkulam Raman Chakyar og andre.
ChinaEdit
Der er henvisninger til teaterunderholdning i Kina så tidligt som som 1500 f. kr. under Shang-dynastiet; de involverede ofte Musik, klovneri og akrobatiske skærme.Tang-dynastiet er undertiden kendt som”alderen på 1000 underholdninger”. I løbet af denne æra dannede kejser han en skuespillerskole kendt som Children Of The Pear Garden for at producere en form for drama, der primært var musikalsk.under Han-dynastiet opstod skyggedukketøjet først som en anerkendt form for teater i Kina. Der var to forskellige former for skygge dukketeater, kantonesisk sydlige og Pekingese nordlige. De to stilarter blev differentieret ved metoden til fremstilling af dukkerne og placeringen af stængerne på dukkerne i modsætning til den type spil, der blev udført af dukkerne. Begge stilarter udførte generelt skuespil, der skildrer stort eventyr og fantasi, sjældent blev denne meget stiliserede form for teater brugt til politisk propaganda. Kantonesiske skyggedukker var den største af de to. De blev bygget ved hjælp af tykt læder, der skabte mere omfattende skygger. Symbolsk farve var også meget udbredt; et sort ansigt repræsenterede ærlighed,et rødt mod. Stængerne, der blev brugt til at kontrollere kantonesiske dukker, blev fastgjort vinkelret på dukkernes hoveder. Således blev de ikke set af publikum, da skyggen blev skabt. Pekingese dukker var mere sarte og mindre. De blev skabt af tyndt, gennemskinneligt læder, der normalt blev taget fra maven på et æsel. De blev malet med levende maling, således kastede de en meget farverig skygge. De tynde stænger, der kontrollerede deres bevægelser, blev fastgjort til en læderkrave ved dukkenes hals. Stængerne løb parallelt med dukkenes kroppe og drejede derefter i en halvfems graders vinkel for at forbinde til nakken. Mens disse stænger var synlige, da skyggen blev kastet, lagde de sig uden for dukkens skygge; således forstyrrede de ikke figurens udseende. Stængerne fastgjort ved halsen for at lette brugen af flere hoveder med en krop. Når hovederne ikke blev brugt, de blev opbevaret i en muslin bog eller stof foret kasse. Hovederne blev altid fjernet om natten. Dette var i overensstemmelse med den gamle overtro, at hvis dukkerne blev intakte, ville dukkerne komme til Live om natten. Nogle puppeteers gik så langt som at gemme hovederne i en bog og ligene i en anden for yderligere at reducere muligheden for at genoplive dukker. Skygge dukketeater siges at have nået sit højeste punkt i kunstnerisk udvikling i det 11.århundrede, før de blev et redskab for regeringen.
i Song-dynastiet var der mange populære skuespil, der involverede akrobatik og musik. Disse udviklede sig i Yuan – dynastiet til en mere sofistikeret form med en fire-eller femaktsstruktur. Yuan-drama spredte sig over Kina og diversificerede sig i adskillige regionale former, hvoraf den bedst kendte er Beijing Opera, som stadig er populær i dag.
ThailandEdit
i Thailand har det været en tradition fra middelalderen til scenespil baseret på plots hentet fra indiske epos. Især er den teatralske version af Thailands nationale episke Ramakien, en version af den indiske Ramayana, stadig populær i Thailand selv i dag.
Cambodjaedit
i Cambodja viser inskriptioner, der går tilbage til det 6.århundrede e. kr., beviser for dansere i et lokalt tempel og bruger dukketeater til religiøse skuespil. På den gamle hovedstad Angkor, historier fra de indiske epos Ramayana og Mahabharata er blevet hugget på væggene i templer og paladser. Lignende relieffer findes på Borobudur i Indonesien.
JapanEdit
/div >
i løbet af det 14.århundrede var der små virksomheder af skuespillere i Japan, der udførte korte, undertiden vulgære komedier. En direktør for et af disse virksomheder, Kan ‘ ami (1333-1384), havde en Søn, den Motokiyo (1363-1443), der blev betragtet som en af de fineste børneskuespillere i Japan. Da kan ‘ amis firma optrådte for Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), den japanske shristgun, bad han om at have en domstolsuddannelse for sin kunst. Efter at han efterfulgte sin far, fortsatte han med at udføre og tilpasse sin stil til det, der i dag er Noh. En blanding af pantomime og vokal akrobatik, Noh stil af teater er blevet en af Japans mest raffinerede former for teaterforestilling.Japan, Efter en lang periode med borgerkrige og politisk uorden, blev forenet og i fred primært på grund af sh. gun (1600-1668). Imidlertid, foruroliget over det stigende antal kristne i landet på grund af de kristne missionærers missionerende indsats, han afbrød kontakten fra Japan til Europa og Kina og forbød kristendommen. Da freden kom, krævede en blomstring af kulturel indflydelse og voksende købmandsklasse sin egen underholdning. Den første form for teater, der blomstrede, var Ningy Kruri (ofte benævnt Bunraku). Grundlæggeren af og den største bidragyder til Ningy Kurt J kurruri, Chikamatsu Monsaemon (1653-1725), gjorde sin form for teater til en ægte kunstform. Ningy Lenin J er en meget stiliseret form for teater ved hjælp af dukker, i dag omkring 1 Lenin 3rd på størrelse med et menneske. Mændene, der styrer dukkerne, træner hele deres liv til at blive mesterdukker, når de derefter kan betjene dukkens hoved og højre arm og vælge at vise deres ansigter under forestillingen. De andre puppeteers, der kontrollerer dukkens mindre vigtige lemmer, dækker sig selv og deres ansigter i en sort dragt for at antyde deres usynlighed. Dialogen håndteres af en enkelt person, der bruger forskellige toner af stemme og talende manerer til at simulere forskellige karakterer. Chikamatsu skrev tusinder af skuespil i løbet af sin levetid, hvoraf de fleste stadig bruges i dag.Kabuki begyndte kort efter Bunraku, legenden har det af en skuespillerinde ved navn Okuni, der boede omkring slutningen af det 16.århundrede. Det meste af kabukis materiale kom fra Noh og Bunraku, og dets uberegnelige dansetypebevægelser er også en effekt af Bunraku. Kabuki er dog mindre formel og fjernere end Noh, men alligevel meget populær blandt den japanske offentlighed. Skuespillere er uddannet i mange forskellige ting, herunder dans, sang, pantomime og endda akrobatik. Kabuki blev først udført af unge piger, derefter af unge drenge, og i slutningen af det 16.århundrede bestod kabuki-virksomheder af alle mænd. Mændene, der portrætterede kvinder på scenen, blev specifikt trænet til at fremkalde essensen af en kvinde i deres subtile bevægelser og bevægelser.
History of African performing artsEdit
scenekunsthistorie i Amerikasrediger
scenekunsthistorie i Oceanienrediger