„Was Sie hören, hängt davon ab, wie Sie Ihr Ohr fokussieren. Es geht nicht darum, eine neue Sprache zu erfinden, sondern neue Wahrnehmungen bestehender Sprachen zu erfinden.“ – Philip Glass

Wenn Sie in letzter Zeit alle klassischen Radiosender eingestellt haben, sind Sie möglicherweise auf Musik gestoßen, die Ihre Ohren nicht von einem klassischen Radiosender erwartet hatten. 6 von einer neuen CD von Víkingur Ólafsson. An einem späten Donnerstagabend behandelte Andrea Murray uns mit Max Richters On the Nature of Daylight. Während diese beiden Werke als „klassische“ Stücke bezeichnet werden könnten, zeichnen sie sich durch die Art und Weise aus, wie sie die Populärkultur und Unterhaltung durchdringen – sowohl Glass als auch Richter haben ausgiebig für Film und Fernsehen komponiert.

Die Stücke von Richter und Glass können als Beispiele für eine Bewegung und ein Genre in der klassischen Musik bezeichnet werden, die als „Minimalismus.“ Minimalismus begann Mitte der 1960er Jahre am experimentellen Rand der klassischen Musik. Heute ist der Minimalismus zu einem internationalen Phänomen geworden, das die Richtung der neuen Musik in den USA und darüber hinaus tiefgreifend beeinflusst hat und zu dem Anspruch des Minimalismus als „gemeinsame musikalische Sprache“ des späten 20. und frühen 21.

Philip Glass, Études, Nr. 6, aufgeführt von Víkingur Ólafsson

Minimalismus ist auch ein Paradebeispiel dafür, wie Labels und Kategorien in Musik und Kunst von Natur aus begrenzt sein können, was es schwierig macht zu sehen, wie Trends wachsen, sich verändern und sich im Laufe der Zeit neu definieren. Durch die Aufnahme einer Vielzahl von Einflüssen, die wiederum so viele Bereiche unserer Musikkultur beeinflussen, durchbricht der Minimalismus die Mauern, die üblicherweise zwischen „hoher“ und „niedriger“ Kunst in der klassischen Musik geschmiedet werden. Minimalismus hat die Ecken fast aller Bereiche der Musikkultur erreicht, von Filmmusiken über Popalben, Jazz-Riffs bis hin zu zeitgenössischen klassischen Klanglandschaften. Und ist über sein eigenes Label hinaus gewachsen: im Laufe der Zeit weiterentwickelt, verzweigt, zu etwas wohl „Maximalem“ als zu Minimalem geworden.

Max Richter, „On the Nature of Daylight“, gespielt vom Ataneres Ensemble

Was passiert, wenn eine Musik die Grenzen des „Klassischen“ zu überschreiten scheint? Was passiert, wenn eine Musik versucht, Riffs zwischen Komponist und Publikum in der modernistischen Musik des frühen 20.Jahrhunderts zu verbinden? Was passiert, wenn eine Musik den Kern unseres Hörens neu konzeptualisiert und das Publikum wieder mit Klang als viszeraler Erfahrung und emotionalem Affekt vereint? Dies ist die Geschichte der minimalistischen Musik.

Der Ursprung des Minimalismus und die vier „Avantgarde“ -Komponisten

Der Weg des Minimalismus ist lang, aber beginnen wir am Anfang. Die ursprüngliche minimalistische Bewegung war nicht auf Musik beschränkt und berührte fast jede Kunstform, einschließlich der bildenden Kunst, Literatur, Film. Der Minimalismus entstand in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren in einer Reihe von Untergrundaktivitäten in Kino, Musik, Malerei und Skulptur, die sich auf New York und San Francisco konzentrierten. Es gab starke Verbindungen zwischen frühen minimalistischen Komponisten und Künstlern, wobei Aufführungen oft in Kunstgalerien und Lofts statt in traditionellen Konzertsälen stattfanden. Und ähnlich wie die minimalistische Kunst reagierten minimalistische Komponisten auf die Komplexität, Dichte und schiere Schwierigkeit der jüngsten modernistischen Musik.Eine charismatische Gruppe von vier Komponisten wird typischerweise als „Avantgarde“ -Komponisten minimalistischer Musik bezeichnet. Sie wurden alle innerhalb weniger Jahre geboren – La Monte Young (* 1935), Terry Riley (* 1935), Steve Reich (* 1936) und Philip Glass (* 1937). Eine eklektische Reihe von musikalischen Ideen beeinflusste diese erste Gruppe, was es schwierig machte, die Bewegung selbst in alles andere als breiten Begriffen zu beschreiben. Wir können jedoch einige Gemeinsamkeiten nennen. Kern des Minimalismus ist die Reduktion von Materialien auf ein Minimum. Die Abläufe werden vereinfacht, und oft ist dem Hörer sofort klar, was in der Musik vor sich geht. Minimalistische Musik kennzeichnet gewöhnlich Wiederholung, diatonische Skalen und Harmonien, ein Gitter von unveränderlichen Schlägen, ohne eine Änderung im Tempo (es ähnlich bestimmten Genres der Barockmusik machend), und monochrome oder terrassierte Dynamik (verschieden von der expressiven Flüssigkeit der romantischen und modernistischen Epochen).

Bemerkenswerterweise wurden alle vier dieser Avantgarde-Komponisten in der westlichen klassischen Tradition erzogen und studierten Musik an verschiedenen renommierten klassischen Musikschulen. Diese Komponisten zeichnen sich jedoch durch die Art und Weise aus, wie sie Kunst schufen, die außerhalb des Establishments stand – beeinflusst von anderen, nicht-westlichen Stilen wie indischem Raga und afrikanischem Trommeln. Minimalistische Musik wird oft als Ablehnung europäischer modernistischer Trends wie des komplexen und mathematisch strengen Serialismus angesehen. Es gibt eine absichtlich spärliche Verwendung traditioneller Elemente von Form und Stil in minimalistischer Musik. Es kehrt zu den Wurzeln zurück, zu den Grundelementen der Musik: Melodie, Modalität und Rhythmus.Ein wichtiger Vorläufer der radikalen Einfachheit des Minimalismus waren die jüngsten avantgardistischen Trends in der Musik, insbesondere die Musik John Cage. Cages 4’33 “ zum Beispiel treibt den Reduktionismus auf die Spitze und könnte als die ultimative minimalistische Komposition angesehen werden – der Performer spielt keine einzige Note, so dass alltägliche Klänge das Hörerlebnis des Stücks formulieren können. Ein weiterer Aspekt, den der Minimalismus der Avantgarde entnahm, war das Aleatorische: Unvorhersehbarkeit in der Performance schaffen, indem Konventionen wie Rhythmus und Tempo aufgegeben werden. Aleatorische Techniken werden besonders in der Musik von La Monte Young eingesetzt. Nehmen wir zum Beispiel Youngs „The Melodic Version Of The Second Dream Of The High-Tension Line Stepdown Transformer“ aus The Four Dreams Of China (ja, ein Schluck von einem Titel). Das Werk wird von acht gedämpften Trompeten gespielt, die vier verschiedene, wiederkehrende Töne in einem spontanen, improvisierten Stil spielen.

La Monte Young, „The Melodic Version Of The Second Dream Of The High-Tension Line Stepdown Transformer“ Aus The Four Dreams Of China, aufgeführt vom Theatre of Eternal Music Brass Ensemble

La Monte Young ist wahrscheinlich der am wenigsten bekannte Vertreter der minimalistischen Avantgarde, aber es wird allgemein angenommen, dass er den Satz mit seinen „Long-Tone“ -Stücken ins Leben gerufen hat. Während eines Doktoranden in Berkeley im Jahr 1958 reichte Young ein Werk für seine Kompositionsklasse ein, die er Trio for Strings nannte. Aber es ist nicht irgendein herkömmliches Trio: Es ist lang, eintönig und besteht nur aus drei Noten. Sein Professor weigerte sich, ihm eine Note für die Arbeit zu geben. Dahinter steckt jedoch ein Gedanke: Die Ein- und Ausgänge der drei Töne werden so getaktet, dass unterschiedliche harmonische Effekte entstehen, die in und aus der Textur entstehen.Youngs Trio für Streicher spiegelt viel von seiner späteren Musik wider, die sich auf eine kleine Anzahl von Tonhöhen konzentriert, die über lange Zeiträume aufrechterhalten werden. Seine Komposition 1960 Nr. 7 zum Beispiel besteht nur aus den Noten B und F #, die angewiesen sind, „lange gehalten zu werden.“ Young ist die Schildkröte: Seine Träume und Reisen (1964) ist eine Art Improvisation, bei der Instrumentalisten und Sänger über eine Drohne eines Synthesizers mit verschiedenen Obertönen ein- und ausgehen.Da es in Youngs spärlichen Partituren nicht viel zu hören gibt, richtet sich die Aufmerksamkeit des Zuhörers auf winzigere Änderungen in Tonhöhe und Klangfarbe, die auftreten, wenn ein Musiker versucht, eine Tonhöhe auf seinem Instrument aufrechtzuerhalten. Youngs Musik fällt dadurch auf, dass sie bewusst die Tendenz der klassischen Musik ignoriert, eine teleologische Erzählung mit einer klaren Öffnung, Entwicklung, Höhepunkt und Auflösung zu sein. In Youngs Musik wird zielorientierte Direktionalität durch eine offene Stasis ersetzt.

https://www.youtube.com/watch?v=-No6_12i_BE

La Monte Young, Trio für Streicher, gespielt vom Trio Basso.

Es war der Mangel an Struktur und an Youngs Streichertrio, der wahrscheinlich dazu beitrug, dass sein Professor sich weigerte, ihm eine Note für das Projekt zu geben. Das Stück wurde jedoch von einem Kommilitonen namens Terry Riley, unserem zweiten Avantgarde-Komponisten, bewundert. Riley, der einmal in einem Ensemble von Young aufgetreten war, verzweigte sich von Young, indem er Muster mit mehr Wiederholung als mit erhaltenden Tönen erforschte. Riley ist bekannt für seine Experimente mit Bandschleifen, kurzen Segmenten von gespleißtem Band, die, wenn sie durch ein Tonbandgerät eingespeist werden, immer wieder die gleichen Klänge wiedergeben. Sein Tonbandstück Mescalin Mix (1960-62) stapelt viele solcher Bandschleifen über einen regelmäßigen Puls und schafft eine gruselige Collage aus interagierenden Phrasen und Äußerungen.Rileys bekanntestes Werk In C (1964) wendet einen ähnlichen Prozess auf Live-Instrumente an. Das Stück besteht aus 53 melodischen Zellen in nummerierter Reihenfolge, wobei die gesamte Partitur auf eine Seite passt. Das Stück kann von jeder Gruppe von Instrumenten durchgeführt werden, mit einem Darsteller einen rhythmischen Motor auf der Note C. Bereitstellung Wie die Darsteller durch jede Zelle bewegen, die Anzahl der Wiederholungen in jedem Teil und die Koordination der Teile sind unbestimmt gelassen. Das klangliche Ergebnis ist eine unvorhersehbare und sich ständig verändernde Landschaft von mehrschichtigen Klängen über einen hypnotischen Puls, mit einer allmählichen Verschiebung von Konsonanz zu Dissonanz und zurück, wenn bestimmte Noten eingeführt werden und aus den Zellen verschwinden. Rileys Technik, Materialzellen zu wiederholen, nennt man Modularismus: Ein wiederholtes, zellartiges Motiv als Grundlage für ein ganzes Werk zu verwenden – mit anderen Worten, die Wiederholung auf ein extremes Maß zu bringen.

Terry Riley, In C, aufgeführt von der VENI Academy.

Steve Reich, unser dritter Avantgarde-Komponist, entwickelte aus dieser Idee des Modularismus eine prozessorientierte musikalische Sprache mit subtil wechselnden Elementen, die sich im Laufe der Zeit verändern. Viele von Reichs Kompositionen verwenden eine Technik namens Phasenverschiebung, bei der Musiker dasselbe Material spielen, aber wie ein eng beieinander liegender Kanon „phasenverschoben“ sind, wobei jeder Teil zu einem etwas anderen Zeitpunkt beginnt und sogar mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten voneinander abläuft.

Wie Riley wurden Reichs erste musikalische Erkundungen auf Band gemacht. Sein erstes Tonbandstück mit Phasenverschiebung, It’s Gonna Rain, beginnt mit einer sich wiederholenden Schleife einer Aufnahme eines Predigers auf einer New Yorker Straße. Reich verdoppelt die Schleife, so dass zwei Kopien gleichzeitig abgespielt werden, jedoch mit leicht unterschiedlichen Geschwindigkeiten. Eine Schleife bewegt sich allmählich vor der anderen, wodurch sich die Schleifen allmählich in und aus dem Rhythmus verschieben, wie beim Drehen eines musikalischen Kaleidoskops. Ein weiteres frühes Bandstück von Reich ist sein Come Out (1966). Wieder beginnt Reich mit einer Bandschleife einer gesprochenen Phrase („Komm raus, um sie zu zeigen“). Diesmal wächst die Textur jedoch von zwei auf vier auf acht gleichzeitige Schleifen, die jeweils leicht phasenverschoben sind. Die Worte des Sprechers werden unverständlich, es bleiben viele Vokale und Konsonanten übrig.

Steve Reich, It’s Gonna Rain

Reich wandte sein phasenverschiebendes Konzept später auf akustische Instrumente an. Seine Piano Phase (1967) zum Beispiel erzeugt diesen Effekt nicht mit Band, sondern mit zwei Klavieren. Beide Klaviere beginnen damit, dieselbe einfache Melodielinie unisono zu wiederholen, aber ein Klavier beschleunigt allmählich, bis es dem anderen Klavier einen vollen Schlag voraus ist. Jede Aufführung dieser Phase wird etwas anders sein, da die Anzahl der Wiederholungen; Geschwindigkeit der Übergänge; und folglich liegt die Länge des Stücks bei den Darstellern. Es ist faszinierend zu beobachten, wie aus den immer wieder wechselnden Wechselwirkungen zwischen den beiden Melodien von Piano Phase neue Rhythmen entstehen. In den 1970er Jahren drängte Reich noch weiter in diesen Rhythmusbereich. Ein Großteil seiner Musik wurde perkussionsorientiert, mit überlagerten Schichten von Polyrhythmen, die in vielerlei Hinsicht Stile des afrikanischen Trommelns parallelisieren. (Ein Beispiel dafür ist sein Trommeln von 1970-1).

Steve Reich, Piano Phase

Reich gründete sein eigenes Ensemble und verdiente seinen Lebensunterhalt mit Auftritten, Tourneen und Aufnahmen seiner Werke. Dieses Ensemble zog eine breite Palette von Zuhörern an, nicht nur aus der klassischen Welt, aber diejenigen, die an Jazz gewöhnt sind, Rock, und Popmusik. Philip Glass, unser letztes Mitglied der Avantgarde, war Reich insofern ähnlich, als er sich auch aus dem musikalischen Establishment herauskristallisierte, indem er sein eigenes Ensemble gründete. Glass zeichnet sich jedoch durch seine eher kreisläufigen Mittel aus, um zum Minimalismus zu gelangen. Er war in Juilliard, als Young, Reich und Rileys frühe Auftritte in New York stattfanden, und ging dann, um Komposition in Paris bei Nadia Boulanger zu studieren. Dort wurde Glass von nicht-westlicher Musik beeinflusst, insbesondere durch die Zusammenarbeit mit dem großen indischen Sitaristen Ravi Shankar. Glass wurde Shankars Assistent beim Soundtrack für den Film Chappaqua von 1966, und seine Arbeit seit den 1960er Jahren wurde stark von der klassischen Hindustani-Musik geprägt. Verschiedene Facetten dieses Stils – einschließlich kreisförmiger rhythmischer Organisation, Melodiösität und einfacher harmonischer Verläufe, die einen Schwerpunkt auf Konsonanz legen – ähneln ähnlichen Trends im Minimalismus.

Ravi Shankar feat Philip Glass, Ragas In Moll aus Passagen

Philip Glass hatte bei Julliard bei Steve Reich studiert und nach seinen Reisen in Europa und Indien wieder Kontakt zu ihm aufgenommen. Beeinflusst von Reichs rhythmischer phasenverschiebender Musik, Glass begann seine Musik auf das zu vereinfachen, was er als Musik mit sich wiederholenden Strukturen bezeichnete. Beispiele in diesem Stil sind Strung Out (1967) und Music in 12 Parts (1971-4), ein massives vierstündiges Stück für Stimmen, elektrische Orgeln, Flöten und Saxophone. Glass ‚Musik ist ziemlich eigenwillig und für einen mit seiner Arbeit vertrauten Hörer oft sofort erkennbar. Seine Stücke, die auf einer Mischung aus sich zyklisch wiederholenden triadischen Mustern aufbauen, repräsentieren einen einzigartigen Zusammenfluss von indischer Musik, Minimalismus und Glass ‚eigener expressiver Sensibilität, gleichzeitig emotional aufgeladen und in melancholischer Zurückhaltung zurückgehalten.

https://youtu.be/8f8Zp-i6Lis

Philip Glass, Music in 12 Parts (Part 1)

Young, Riley, Reich und Glass traten alle zur gleichen Zeit in die Musikszene ein und hoben sich vom klassischen Musik-Establishment durch Musik ab, die neue hypnotische Hörerlebnisse schuf, wobei sich die Komplexität rhythmischer und melodischer Interaktionen aus einer radikalen Einfachheit der Materialien ergibt. Wie wir jedoch gesehen und gehört haben, unterscheiden sich die einzelnen Komponisten durch individuelle stilistische Unterschiede voneinander. Youngs Minimalismus betont Drohnen und statische Klänge, und während Drohnen auch für Rileys Musik von zentraler Bedeutung waren, entwickelte er rhythmischere zyklische Muster auf der Stasis. Reichs Einbeziehung von Phasenverschiebungen und additiven / subtraktiven rhythmischen Prozessen schuf einen Minimalismus, der nicht auf Stase, sondern auf Zeit und Bewegung basierte, und Glass führte diesen Stil durch seine Studien mit Ravi Shankar und seiner einzigartigen harmonischen Sprache weiter.

„Männer“-imalism: Jenseits der Avantgarde

Angesichts dieser individuellen Unterschiede ist es erwähnenswert, dass alle vier Mitglieder der Avantgarde ihr Unbehagen darüber zum Ausdruck gebracht haben, unter dem Label des Minimalismus zusammengefasst zu werden, ein Vorbote dafür, wie Minimalismus bald in viele verschiedene Richtungen ausbrechen würde. Mit der Geschichte der Young-Riley-Reich-Glass- „Avantgarde“ geht die Musikgeschichte auch an vielen Komponisten vorbei, die nicht perfekt in die vorgeschriebene Form passen und durch die Ritzen der Anerkennung rutschen. Die Art und Weise, wie Musikhistoriker eine Avantgarde-Gruppe herausgegriffen haben, gibt uns einen einführenden Überblick über die Elemente des frühen Minimalismus. Es schafft jedoch auch eine exklusive, eng männliche Erzählung des Minimalismus und vernachlässigt die vielen Komponistinnen, die an den Grenzen der zentralen New Yorker Minimalismusszene arbeiteten. Entscheidende weibliche Figuren wie Pauline Oliveros, Joan La Barbara, Meredith Monk, Eliane Radigue und Laurie Spiegel haben sich über die Grenzen des Minimalismus hinaus erweitert, indem sie sich mit radikalen Experimenten in Elektronik, computerbasierter Musik und Performancekunst befasst haben und einen eigenen Beitrag verdienen.