”se mitä kuulet riippuu siitä, miten tarkennat korvasi. Emme puhu uuden kielen keksimisestä, vaan uusien käsitysten keksimisestä olemassa olevista kielistä.”- Philip Glass

Jos olet viime aikoina virittänyt kaiken klassisen Portlandin, olet saattanut törmätä musiikkiin, jota korvasi eivät odottaneet kuulevansa klassiselta radioasemalta. Äskettäin keskiviikkoaamuna Christa Wessel jakoi Philip Glassin Pianoetuden nro 6 Víkingur Ólafssonin uudelta CD: ltä. Eräänä myöhäisenä torstai-iltana Andrea Murray esitti meille Max Richterin päivänvalon luonteesta. Vaikka molempia teoksia voitaisiin pitää ”klassisina” teoksina, ne erottuvat siitä tavasta, jolla ne läpäisevät populaarikulttuurin ja viihteen – sekä Glass että Richter ovat säveltäneet runsaasti elokuvia ja televisiota varten.

Richterin ja Glassin kappaleita voi kuvailla esimerkkeinä klassisen musiikin liikkeestä ja lajityypistä, joka tunnetaan nimellä ”Minimalismi.”Minimalismi alkoi 1960-luvun puolivälissä klassisen musiikin kokeellisilla laitamilla. Nyt minimalismista on tullut kansainvälinen ilmiö, joka on vaikuttanut syvällisesti uuden musiikin suuntaan Yhdysvalloissa ja sen ulkopuolella, mikä johtaa minimalismin väitteeseen 1900-luvun lopun ja 2000-luvun alun ”yhteisenä musiikillisena kielenä”.

Philip Glass, Études, No. 6, esittäjä Víkingur Ólafsson

minimalismi on myös malliesimerkki siitä, miten musiikin ja taiteen Leimat ja Kategoriat voivat olla luonnostaan rajallisia, jolloin on vaikea nähdä, miten trendit kasvavat, muuttuvat ja määrittelevät itsensä uudelleen ajan myötä. Omaksumalla erilaisia vaikutteita ja vaikuttamalla vuorostaan niin moniin musiikkikulttuurimme alueisiin Minimalismi murtaa klassisen musiikin ”korkean” ja ”matalan” taiteen väliset muurit. Minimalismi on saavuttanut lähes jokaisen musiikkikulttuurin osa-alueen, elokuvasävelmistä popalbumeihin, jazz-riffeistä nykyajan klassisiin äänimaisemiin. Ja on kasvanut yli oman leimansa: kehittynyt ajan myötä, haarautuu, tulossa jotain todennäköisesti enemmän ”maksimaalinen” kuin minimaalinen.

Max Richterin ”on the Nature of Daylightin” esittämä ataneres Ensemblen

Mitä tapahtuu, kun musiikki näyttää rikkovan ”klassisen”rajoja? Mitä tapahtuu, kun musiikki yrittää sulkea säveltäjän ja yleisön välille syntyneen riffin 1900-luvun alun modernistisessa musiikissa? Mitä tapahtuu, kun musiikki uudelleenkonseptualisoi kuuntelemisen ytimen, yhdistäen kuulijat äänen kanssa sisäkkäisenä kokemuksena ja emotionaalisena vaikutuksena? Tämä on minimalistisen musiikin tarina.

minimalismin alkuperä ja neljä ”Vanguard” – säveltäjää

minimalismin tekemä matka on pitkä, mutta aloitetaan alusta. Alkuperäinen minimalistinen liike ei rajoittunut musiikkiin, vaan kosketti lähes kaikkia taidemuotoja, kuten kuvataidetta, kirjallisuutta ja elokuvaa. Minimalismi sai alkunsa liuta underground toimintaa elokuva, musiikki, maalaus ja kuvanveisto 1950-luvun lopulla ja 1960-luvun alussa, keskittynyt New York ja San Francisco. Varhaisten minimalististen säveltäjien ja taiteilijoiden välillä oli vahvoja yhteyksiä, ja esitykset tapahtuivat usein taidegallerioissa ja ullakoilla perinteisten konserttipaikkojen sijaan. Minimalistisen taiteen tapaan myös minimalistiset säveltäjät reagoivat viimeaikaisen modernistisen musiikin monimutkaisuutta, tiheyttä ja silkkaa vaikeutta vastaan.

karismaattinen neljän säveltäjän ryhmä leimataan tyypillisesti minimalistisen musiikin ”vanguardiksi”. He kaikki syntyivät useiden vuosien sisällä toisistaan-La Monte Young (s. 1935), Terry Riley (s. 1935), Steve Reich (s. 1936) ja Philip Glass (s. 1937). Eklektinen joukko musiikillisia ideoita vaikutti tähän alkuperäiseen ryhmään, minkä vuoksi itse liikettä on vaikea kuvata muuten kuin laveasti. Voimme kuitenkin nimetä joitakin yhtäläisyyksiä. Ydin minimalismia on vähentää materiaalien minimiin. Menettelytavat yksinkertaistuvat, ja usein kuulijalle on heti selvää, mitä musiikissa tapahtuu. Minimalistisessa musiikissa on tyypillisesti toistoa, diatonisia asteikkoja ja harmonioita, tasaisia biittejä, ilman tempon muutosta (tehden siitä samankaltaisen tiettyjen barokkimusiikin tyylilajien kanssa), sekä yksiväristä tai rivitalousdynamiikkaa (toisin kuin romantiikan ja modernismin aikakausien ilmeikäs sujuvuus).

kaikki neljä vanguard-säveltäjää kasvatettiin länsimaisessa klassisessa perinteessä opiskellen musiikkia useissa arvostetuissa klassisen musiikin oppilaitoksissa. Nämä säveltäjät erottuvat kuitenkin siitä tavasta, jolla he loivat taidetta, joka oli establishmentin ulkopuolella – saaden vaikutteita muista, ei-länsimaisista tyyleistä, kuten Intialaisesta ragasta ja afrikkalaisesta rummutuksesta. Minimalistinen musiikki nähdään usein eurooppalaisen modernismin suuntausten, kuten monimutkaisen ja matemaattisesti tiukan sarjallisuuden, hylkäämisenä. Minimalistisessa musiikissa käytetään tarkoituksellisen vähän perinteisiä muodon ja tyylin elementtejä. Se palaa juurille, musiikin peruselementteihin: melodiaan, modaliteettiin ja rytmiin.

keskeinen minimalismin radikaalin yksinkertaisuuden edeltäjä olivat viimeaikaiset avantgardistiset suuntaukset musiikissa, erityisesti John Cagen musiikissa. Esimerkiksi Cagen 4 ’33” vie reduktionismin äärimmilleen, ja sitä voisi pitää äärimmäisenä minimalistisena sävellyksenä – esiintyjä ei soita yhtäkään nuottia, jolloin arkiset äänet voivat muotoilla kappaleen äänikokemuksen. Toinen avantgardesta omaksuttu aspekti Minimalismi oli aleatorinen: se loi esitykseen arvaamattomuutta hylkäämällä rytmin ja tempon kaltaiset konventiot. Aleatorisia tekniikoita käytetään erityisesti La Monte Youngin musiikissa. Otetaan esimerkiksi Youngin ”the Melodic Version of The Second Dream of the High-Tension Line Stepdown Transformer” The Four Dreams Of China (yes, a mouthful of a title). Teoksessa soittavat kahdeksan vaimeaa trumpettia, jotka soittavat neljä erillistä, toistuvaa säveltä spontaaniin, improvisoituun tyyliin.

La Monte Young, ”Theatre of Eternal Music Brass Ensemblen

La Monte Young” The Four Dreams of the Four Dream of the high-Tension Line Stepdown Transformerin melodinen versio ”the Four Dreams Of China” on luultavasti vähiten tunnettu minimalistisesta vanguardista, mutta hänen katsotaan yleisesti käynnistäneen liikkeen ”pitkäsävyisillä” kappaleillaan. Vaikka jatko-opiskelija Berkeley vuonna 1958, Young esitti työn hänen sävellys Luokka hän kutsui Trio jousille. Se ei kuitenkaan ole mikä tahansa tavanomainen Trio: se on pitkä, yksitoikkoinen ja koostuu vain kolmesta sävelestä. Hänen professorinsa kieltäytyi antamasta hänelle arvosanaa työstä. On ajatellut sen takana, kuitenkin: merkinnät ja uloskäynnit kolme sävyjä tahtiin luoda erilaisia harmonisia vaikutuksia, jotka nousevat sisään ja ulos tekstuuri.

Youngin Trio jousille heijastaa paljon hänen myöhempää musiikkiaan, joka keskittyy pieneen määrään pitkiksi ajoiksi jatkuvia soittosoittoja. Esimerkiksi hänen sävellyksensä 1960 nro 7 koostuu vain sävelistä B ja F#, jotka on ohjeistettu ” pidettäväksi pitkään.”Young’ s the Tortoise: Hänen unelmansa ja matkansa (1964) on eräänlainen improvisaatio, jossa instrumentalistit ja laulajat tulevat sisään ja ulos erilaisilla harmonioilla lennokin päällä syntetisaattorin avulla.

Youngin harvoissa partituureissa ei ole paljon kuunneltavaa, joten kuuntelijan huomio suuntautuu useampiin sävelkorkeuden ja soinnin minuuttimuutoksiin, jotka tapahtuvat muusikon yrittäessä ylläpitää sävelkorkeutta soittimellaan. Youngin musiikki on siinä mielessä silmiinpistävää, että se jättää tietoisesti huomiotta klassisen musiikin taipumuksen olla teleologinen kerronta, jolla on selkeä avaus, kehitys, kliimaksi ja resoluutio. Youngin musiikissa päämäärätietoisuus vaihtuu avoimeen staasiin.

https://www.youtube.com/watch?v=-No6_12i_BE

La Monte Young, Trio basson esittämä Trio jousille.

se oli rakenteen ja kerronnan puute Youngin Trio jousille, joka todennäköisesti vaikutti siihen, että hänen professorinsa kieltäytyi antamasta hänelle arvosanaa projektista. Teosta ihaili kuitenkin opiskelutoveri Terry Riley, toinen vanguard-säveltäjämme. Riley, joka oli aikoinaan esiintynyt Youngin yhtyeessä, haarautui Youngista tutkimalla kuvioita, joissa oli enemmän toistoa kuin kantavia sävyjä. Riley tunnetaan kokeiluistaan nauhasilmukoilla, lyhyillä nauhasilmukoilla, jotka nauhurin kautta syötettyinä toistavat samoja ääniä yhä uudelleen. Hänen teippikappaleensa Meskalin Mix (1960-62) kasaa monta tällaista nauhasilmukkaa säännöllisen pulssin päälle, luoden kammottavan kollaasin vuorovaikuttavista lauseista ja lauseista.

Rileyn tunnetuin teos ” C ” (1964) soveltaa samankaltaista prosessia eläviin soittimiin. Teos koostuu 53 melodisesta solusta numerojärjestyksessä, koko partituuri mahtuu yhdelle sivulle. Kappaleen voi esittää millä tahansa soitinryhmällä siten, että yksi esittäjä antaa rytmismoottorin nuotille C. kun Esittäjät liikkuvat jokaisen solun läpi, toistojen määrä kussakin osassa ja osien koordinaatio jäävät määrittelemättömiksi. Sonic tulos on arvaamaton ja alati muuttuva maisema kerroksellinen ääniä yli hypnoottinen pulssi, jossa asteittainen siirtyminen konsonanssi dissonanssi ja takaisin, kun tietyt sävelet otetaan käyttöön ja katoavat soluista. Rileyn tekniikkaa materiaalin solujen toistamiseksi kutsutaan modularismiksi: toistuvan, solumaisen motiivin käyttäminen kokonaisen teoksen pohjana-toisin sanoen toiston vieminen äärimmilleen.

Terry Riley, C, esitti VENI Academy.

Steve Reich, kolmas vanguard-säveltäjämme, kehitti tätä modularismin ajatusta ja käytti sitä luodakseen prosessikeskeisen musiikkikielen, joka koostuu hienovaraisesti siirtyvistä elementeistä, jotka muuttuvat ajan myötä. Monet Reichin sävellyksistä käyttävät vaihesiirtymäksi kutsuttua tekniikkaa, jossa muusikot soittavat samaa materiaalia, mutta ”pois vaiheesta” keskenään kuin lähekkäin oleva kaanon, jonka jokainen osa alkaa hieman eri aikaan ja etenee jopa eri nopeuksilla toisistaan.

Rileyn tavoin Reichin ensimmäiset musiikilliset tutkimusmatkat tehtiin nauhalle. Hänen ensimmäinen vaihesiirtoa käyttävä nauhakappaleensa It ’ s Gonna Rain alkaa toistuvalla nauhoituksella saarnaajasta newyorkilaisella kadulla. Reich tuplaa silmukan niin, että kaksi kopiota soi yhtä aikaa, mutta hieman eri nopeuksilla. Yksi silmukka siirtyy vähitellen toisen edelle, jolloin silmukat siirtyvät vähitellen rytmistä toiseen, kuin kääntäisivät musiikillista kaleidoskooppia. Toinen Reichin varhainen nauhakappale on hänen Come Out (1966). Jälleen Reich alkaa nauhasilmukalla puhutusta lauseesta (”come out to show them”). Tällä kertaa tekstuuri kuitenkin kasvaa kahdesta, neljästä kahdeksaan samanaikaiseen silmukkaan, joista jokainen on hieman eri vaiheessa toistensa kanssa. Puhujan sanat muuttuvat käsittämättömiksi, jäljelle jää vokaalien ja konsonanttien sekamelska.

Steve Reich, It ’ s Gonna Rain

Reich sovelsi myöhemmin vaihesiirtokonseptiaan akustisiin soittimiin. Esimerkiksi hänen Pianovaiheessaan (1967) tätä efektiä ei luoda nauhalla, vaan kahdella pianolla. Molemmat pianot alkavat toistamalla samaa yksinkertaista melodista linjaa yksiäänisesti, mutta yksi piano kiihtyy vähitellen, kunnes se on täyttä tahtia edellä toista pianoa. Jokainen suorituskyky Piano vaihe on hieman erilainen, koska toistojen määrä; nopeus siirtymät; ja näin ollen teoksen pituus on esiintyjistä kiinni. On kiehtovaa seurata, miten Pianovaiheen kahden melodian alati vaihtuvista vuorovaikutuksista syntyy uusia rytmejä. 1970-luvulle tultaessa Reich painoi tätä rytmin aluetta vielä pidemmälle. Suuri osa hänen musiikistaan muuttui lyömäsoitinsuuntautuneeksi, ja polyrytmikerrokset olivat monin tavoin rinnakkaisia afrikkalaisen rummutuksen tyyleille. (Esimerkki tästä on hänen rummutus 1970-1).

Steve Reich, Pianovaihe

Reich muodosti oman yhtyeensä ja on hankkinut elantonsa esiintymällä, kiertämällä ja levyttämällä teoksiaan. Tämä kokoonpano veti sisään laajan joukon kuuntelijoita, ei vain klassisesta maailmasta, vaan myös jazziin, rockiin ja popmusiikkiin tottuneita. Philip Glass, viimeinen etujoukon jäsen, oli Reichin kaltainen siinä mielessä, että hän myös löi itsensä irti musikaalisesta vakiintumisesta muodostamalla oman yhtyeensä. Glass erottuu kuitenkin joukosta minimalismiin pyrkivillä liikenneympyröisemmillä keinoillaan. Hän oli Juilliardissa, kun Young, Reich ja Riley esiintyivät alkuaikoina New Yorkissa, minkä jälkeen hän lähti opiskelemaan sävellystä Pariisiin Nadia Boulangerin johdolla. Siellä Glass sai vaikutteita ei-länsimaisesta musiikista, erityisesti työskentelemällä suuren intialaisen sitaristin Ravi Shankarin kanssa. Glass toimi Shankarin avustajana vuoden 1966 elokuvan ”Chappaqua” soundtrackilla, ja hänen 1960-luvulta lähtien tekemänsä työ muovautui voimakkaasti Hindustanin klassisen musiikin vaikutuksesta. Tämän tyylin eri puolet– kuten pyöreä rytminen organisaatio, melodisuus ja yksinkertaiset harmoniset progressiot, jotka painottavat konsonanssia – rinnastavat samankaltaiset suuntaukset minimalismiin.

Ravi Shankar feat Philip Glass, Ragat Molliasteikossa kappaleista

Philip Glass oli opiskellut Julliardissa Steve Reichin johdolla ja tutustunut tähän uudelleen hänen Euroopan ja Intian matkojensa jälkeen. Reichin rytmikkään vaihesiirtomusiikin vaikutuksesta Glass alkoi yksinkertaistaa musiikkiaan niin, että hän kuvaili sitä ” musiikiksi, jossa on toistuvia rakenteita.”Esimerkkejä tästä tyylistä ovat Strung Out (1967) ja Music in 12 Parts (1971-4), massiivinen nelituntinen teos äänille, sähköuruille, huiluille ja saksofoneille. Glassin musiikki on melko omalaatuista ja usein heti tunnistettavaa hänen teoksiinsa perehtyneelle kuuntelijalle. Hänen teoksensa, jotka rakentuvat syklisesti toistuvien triadisten kuvioiden pohjalle, edustavat ainutlaatuista intialaisen musiikin, minimalismin ja Glassin Oman ekspressiivisen herkkyyden yhtymäkohtaa, yhtä aikaa tunteellisesti latautuneena ja melankolisen pidättyväisenä.

https://youtu.be/8f8Zp-i6Lis

Philip Glass, Music in 12 Parts (Part 1)

Young, Riley, Reich ja Glass nousivat kaikki musiikkimaailmaan samoihin aikoihin erottuen klassisen musiikin vakiintumisesta musiikilla, joka loi uusia hypnoottisia kuuntelukokemuksia, joissa rytmisen ja melodisen vuorovaikutuksen kompleksisuus syntyy materiaalien radikaalista yksinkertaisuudesta. Kuten olemme nähneet ja kuulleet, yksittäiset tyylilliset erot kuitenkin erottavat jokaisen säveltäjän toisistaan. Youngin Minimalismi korostaa lennokkeja ja staattisia ääniä, ja vaikka lennokit olivat myös keskeisiä Rileyn musiikissa, hän kehitti staasin päälle rytmikkäämpiä syklisiä kuvioita. Reichin vaihesiirtojen ja additiivisten/subtraktiivisten rytmisten prosessien sisällyttäminen loi minimalismin, joka ei perustu staasiin, vaan aikaan ja liikkeeseen, ja Glass vei tätä tyyliä eteenpäin Ravi Shankarin ja hänen ainutlaatuisen harmonisen kielensä avulla.

”miehet” – imalismi:

näiden yksilöllisten eroavaisuuksien lisäksi on syytä huomata, että kaikki neljä etujoukon jäsentä ovat ilmaisseet tyytymättömyytensä siihen, että heidät on ryhmitelty minimalismin nimeen, mikä enteilee tapaa, jolla Minimalismi pian puhkeaisi moneen eri suuntaan. Nuoren Riley-Reich-lasisen ”Vanguardin” tarinaa luotaessa musiikin historia päätyy myös ohittamaan monet säveltäjät, jotka eivät täysin sovi määrättyyn muottiin, lipuen tunnustuksen raoista. Tapa, jolla musiikkihistorioitsijat ovat nostaneet esiin vanguard-ryhmän, auttaa meitä saamaan johdantokuvan varhaisen minimalismin elementeistä. Se luo kuitenkin myös minimalismin eksklusiivisen, kapeasti miehisen kerronnan, joka jättää huomiotta monet New Yorkin keskeisen minimalismin rajamailla työskennelleet naissäveltäjät. Tärkeät naishahmot kuten Pauline Oliveros, Joan la Barbara, Meredith Monk, Eliane Radigue ja Laurie Spiegel laajenivat minimalismin rajojen ulkopuolelle uppoutumalla radikaaleihin kokeiluihin elektroniikassa, tietokonepohjaisessa musiikissa ja performanssitaiteessa, ja ansaitsevat paikan omillaan.

otetaan esimerkiksi japanilainen Midori Takada, naispuolinen säveltäjä ja lyömäsoittaja, joka julkaisi 1980 – luvulla useita levyjä – ensin mkwaju Ensemblen kanssa, sitten yksin. Takada soittaa vaikuttava valikoima välineitä ja löytyi esineitä – Marimbat ja kumistimet ocarinat ja Coca-Cola pullot – käyttämällä kerroksia overdubs luoda kokonaisuus Oman. Hänen teoksensa tuovat mieleen lukuisia minimalismin piirteitä. Vuonna 1983 ilmestyneellä Through the Looking Glass-albumillaan kerrokselliset tekstuurit ja lomittuvat rytmikuviot tuovat mieleen Steve Reichin, jonka tunnelmallinen ja hypnoottinen tunnelma muistuttaa Youngin ja Rileyn drone-pohjaisia teoksia. Lopulta Takada kuitenkin luo mietiskelevän ja oikullisen äänen, joka on ainutlaatuinen vain hänelle itselleen.

Midori Takada, ” Mr. Henri Rousseaun unelma ” from Through the Looking Glass

Minimalismi uutena Kuuntelutapana

voimmeko kutsua Takadan teosta ”minimalismiksi”, vaikka se ei ole suoraan yhteydessä alkuperäiseen Vanguardiin? Sen sijaan, että minimalistinen tyyli yhdistettäisiin tiettyyn säveltäjäsukupolveen tai tiettyihin nimettyihin sävellystekniikoihin, voisi olla hyödyllisempää pitää minimalismia musiikkina, joka kannustaa tietynlaiseen kuuntelutapaan.

on tavallista kuulla hypnoottiseksi tai meditatiiviseksi kuvailtua minimalistista musiikkia. Glassin musiikissa sointujen syklinen toistaminen luo liikkuvaa äänten kudelmaa, joka syöksee avokorvaiset kuulijat muuttuneeseen psykologiseen tilaan. Sinun ei tarvitse kiinnittää huomiota jokaiseen nuottiin, koska se kulkee tuntea musiikin vaikutus. Itse asiassa, et usein voi, liikaa rytminen ja melodinen kerroksia poimia yksi rivi muusta tekstuuri. Näin minimalistisen musiikin kuuntelu muistuttaa paljon sateen kuuntelemista-et kuule jokaista pisaraa eristyksissä, vaan korvasi uppoutuvat vuorovaikutussinfoniaan.

olennaista tässä on se, että minimalistinen musiikki on ei-teleologista. Suurin osa klassisesta musiikista seuraa lineaarista, kaarimaista tarinaa, jossa harmonia ja melodia liikkuvat ennakoinnin ja jännitteen rakennuskuvioissa huippuunsa ja vapautumiseen. Kuten musiikkitieteilijä Susan McClary toteaa, minimalistisessa musiikissa ei näytä olevan mennyttä eikä tulevaa aikamuotoa, ja nykyisyys –se, mitä täällä tapahtuu – näyttää avautuvan ikuisesti. Ei ole välttämättä koettu tarvetta ”saapua” mihinkään. Tässä tilassa kuulijalle on maksu matkustaa nykyhetken kerrosten keskellä. Jos melodia olisi x-akseli ja harmonia Y-akseli musiikillisessa tasossa, minimalismin liikkuvat rytmit ja emergentti teksturaalinen tiheys luovat uuden x-akselin, joka lisää kolmannen ulottuvuuden musiikin kokemukseen.

Steve Reich, Sello kontrapunkti, jonka esittää Rose Bellini

minimalistisen musiikin kuuntelu on kuin olisi prosessin sisällä. Esseessään ”Music as a graduate Process” Reich kuvailee musiikkiaan prosessiksi, joka kerran käynnistettynä ja ladattuna kulkee itsestään. Säveltäjä astuu takaisin materiaalien ja antaa bloom sonic tulos, joka on suurempi kuin yksikään yksittäinen luoja, seisoo yksinään lähes kuin luonnonvoima. Kokemus minimalistisesta musiikista on erilainen kuin vain kävely valmiiseen maalaukseen, se on matka, jonka läpi on kuljettava alusta loppuun saadakseen teoksen täyden vaikutuksen. Kun kuulija kuulee hyvin vähittäiset muutokset toistuvien osien välillä, hän voi kokea melodioiden, rytmien ja harmonioiden välisen vuorovaikutuksen sen jokaisessa vaiheessa, miten ne liittyvät toisiinsa.

mihin katosi Minimalismi, radikaalisti prosessipainotteisena musiikkina? Lue toinen osa minimalismin tarinan loppuosasta.

1. Allan, Jennifer Lucy. ”The Trouble With Menimalism: Rescuing Histories From The Cutting Room Floor.”The Quietus. Maaliskuuta 2018. Web. Accessed 2 Toukokuuta 2018. http://thequietus.com/articles/24245-minimalism-sexism
2. Burkholder, J. Peter, Grout, Donald Jay, ja Palisca, Claude V. länsimaisen musiikin historia. 9. New York: W. W. Norton & Company, 2014. Tulostaa.
3. Davis, Elizabeth. ”Esittelyssä Philip Glass: Jakava mutta valtavan vaikutusvaltainen hahmo nykymusiikissa.”Royal Opera House. Syyskuuta 2014. Web. Accessed 15 Huhtikuu 2018. http://www.roh.org.uk/news/introducing-philip-glass-a-divisive-but-hugely-influential-figure-in-contemporary-music
4. Dayal, Geeta. ”Ambient pioneer Midori Takada:’ kaikella tällä maapallolla on ääni.’” huoltaja. Maaliskuuta 2017. Web. Accessed 15 Huhtikuu 2018. https://www.theguardian.com/music/2017/mar/24/midori-takada-interview-through-the-looking-glass-reissue
5. Gann, Kyle. ”Postminimalismin kurssi.”KyleGann.com. Web. Accessed 29 Maaliskuu 2018. http://www.kylegann.com/AshgatePostminimalism.html
6. Gann, Kyle. ”A Forest from the Seeds of Minimalism: An Essay on Postminimal and Totalist Music.”Berliner Gesellschaft fur Neue Musik-Minimalistifestivaalin ohjelma, 1998. Web. Accessed 29 Maaliskuu 2018. http://www.kylegann.com/postminimalism.html
7. Hazelwood, Charles. ”Adventures in motion and pitches: how minimalism shook up classical music.” huoltaja. Maaliskuuta 2018. Web. Accessed 29 Maaliskuu 2018. https://www.theguardian.com/music/2018/mar/02/minimalism-music-revolution-charles-hazelwood
8. toukokuuta, Thomas. ”Transforming America’ s Music: a Milestone Year of Adams, Glass, and Reich. Helmikuuta 2017. Web. Accessed 15 Huhtikuu 2018. https://live.stanford.edu/blog/february-2017/transforming-americas-music-milestone-year-adams-glass-and-reich
9. ” minimalistinen musiikki: mistä aloittaa.”Classic FM. Marraskuuta 2012. Web. Accessed 29 Maaliskuu 2018. http://www.classicfm.com/discover-music/periods-genres/modern/minimalism-guide/
10. palvelu, Tom. ”Minimalismi at 50: how less became more.” huoltaja. Marraskuuta 2011. Web. Accessed 15 Huhtikuu 2018. https://www.theguardian.com/music/2011/nov/24/minimalism-at-50
11. Uno Everett, Yayoi. ”Lasi rikkoo Katon: minimalismia kulttuurissamme toistoa. Huffington Post. Joulukuuta 2013. Web. Accessed 15 Huhtikuu 2018. https://www.huffingtonpost.com/yayoi-uno-everett/glass-breaks-the-ceilingm_b_4466034.html