” Quello che senti dipende da come ti concentri l’orecchio. Non stiamo parlando di inventare una nuova lingua, ma piuttosto di inventare nuove percezioni delle lingue esistenti.”- Philip Glass

Se ti sei sintonizzato su Tutti i Portland classici di recente, potresti aver trovato della musica che le tue orecchie non si aspettavano di sentire da una stazione radio classica. In un recente mercoledì mattina, Christa Wessel ha condiviso il Piano Etude No. 6 di Philip Glass da un nuovo CD di Víkingur Ólafsson. Una tarda notte di giovedì, Andrea Murray ci ha trattato con Max Richter su La natura della luce del giorno. Mentre entrambi questi lavori potrebbero essere considerati pezzi “classici”, si distinguono per il modo in cui pervadono la cultura popolare e l’intrattenimento – sia Glass che Richter hanno composto ampiamente per film e televisione.

I pezzi di Richter e Glass possono essere descritti come esempi di un movimento e di un genere nella musica classica noto come “minimalismo.”Il minimalismo è iniziato a metà degli anni 1960 alla periferia sperimentale della musica classica. Ora, il minimalismo è diventato un fenomeno internazionale che ha profondamente influenzato la direzione della nuova musica negli Stati Uniti e oltre, portando alla rivendicazione del minimalismo come “linguaggio musicale comune” dei secoli 20th e 21st.

Philip Glass, Études, No. 6, eseguita da Víkingur Ólafsson

Il minimalismo è anche un ottimo esempio di come etichette e categorie nella musica e nell’arte possano essere intrinsecamente limitate, rendendo difficile vedere come le tendenze crescono, cambiano, ridefinendosi nel tempo. Assorbendo una diversità di influenze, e a sua volta influenzando così tante aree della nostra cultura musicale, il minimalismo abbatte i muri comunemente forgiati tra arte “alta” e “bassa” nella musica classica. Il minimalismo ha raggiunto gli angoli di quasi ogni parte della cultura musicale, dalle partiture cinematografiche agli album pop, dai riff jazz ai paesaggi sonori classici contemporanei. Ed è cresciuta oltre la propria etichetta: si è evoluta nel tempo, si è ramificata, diventando qualcosa di probabilmente più “massimo” che minimo.

Max Richter, “On the Nature of Daylight”, eseguito dall’Ataneres Ensemble

Cosa succede quando una musica sembra trasgredire i confini di ciò che è “classico”? Cosa succede quando una musica tenta di chiudere il riff creato tra compositore e pubblico nella musica modernista del primo-20 ° secolo? Cosa succede quando una musica ri-concettualizza il nucleo stesso del modo in cui ascoltiamo, riunendo il pubblico con il suono come esperienza viscerale e influenza emotiva? Questa è la storia della musica minimalista.

L’origine del minimalismo e i quattro compositori “all’avanguardia”

Il percorso intrapreso dal minimalismo è lungo, ma partiamo dall’inizio. Il movimento minimalista originale non era limitato alla musica, toccando quasi ogni forma d’arte, comprese le arti visive, la letteratura, il cinema. Il minimalismo ha avuto origine in una serie di attività underground nel cinema, nella musica, nella pittura e nella scultura tra la fine degli anni ’50 e l’inizio degli anni’ 60, centrate a New York e San Francisco. C’erano forti legami tra i primi compositori e artisti minimalisti, con spettacoli che spesso si svolgono in gallerie d’arte e loft piuttosto che in sale da concerto tradizionali. E simile all’arte minimalista, i compositori minimalisti stavano reagendo contro la complessità, la densità e la pura difficoltà della recente musica modernista.

Un gruppo carismatico di quattro compositori sono tipicamente etichettati come compositori “all’avanguardia” della musica minimalista. Sono tutti nati a pochi anni di distanza l’uno dall’altro – La Monte Young (n. 1935), Terry Riley (n. 1935), Steve Reich (n. 1936), e Philip Glass (n. 1937). Una serie eclettica di idee musicali influenzò questo gruppo iniziale, rendendo difficile descrivere il movimento stesso in termini tutt’altro che ampi. Possiamo, tuttavia nominare alcuni punti in comune. Il nucleo del minimalismo è la riduzione dei materiali al minimo. Le procedure sono semplificate e spesso ciò che accade nella musica è immediatamente evidente a un ascoltatore. La musica minimalista presenta tipicamente ripetizioni, scale e armonie diatoniche, una griglia di battiti costanti, senza cambiamenti di tempo (che la rendono simile a certi generi della musica barocca) e dinamiche monocrome o terrazzate (a differenza della fluidità espressiva dell’epoca romantica e modernista).

In particolare, tutti e quattro questi compositori d’avanguardia sono stati cresciuti nella tradizione classica occidentale, studiando musica in varie prestigiose scuole di musica classica. Tuttavia, questi compositori si distinguono per il modo in cui hanno creato l’arte che si trovava al di fuori dello stabilimento – essere influenzati da altri stili non occidentali, tra cui il raga indiano e il drumming africano. La musica minimalista è spesso vista come un rifiuto delle tendenze moderniste europee come il serialismo complesso e matematicamente rigoroso. C’è un uso volutamente sparso di elementi tradizionali di forma e stile nella musica minimalista. Ritorna alle radici, agli elementi base della musica: melodia, modalità e ritmo.

Un predecessore chiave per la semplicità radicale del minimalismo erano recenti tendenze d’avanguardia nella musica, in particolare la musica John Cage. Il 4 ‘ 33 ” di Cage, ad esempio, porta il riduzionismo all’estremo, e potrebbe essere visto come l’ultima composizione minimalista – l’esecutore non suona una sola nota, permettendo ai suoni di tutti i giorni di formulare l’esperienza sonora del pezzo. Un altro aspetto che il minimalismo ha preso dalle avanguardie è stato l’aleatorico: creare imprevedibilità nella performance abbandonando convenzioni come ritmo e tempo. Le tecniche aleatoriche sono particolarmente impiegate nella musica di La Monte Young. Prendiamo, ad esempio, “La versione melodica del secondo sogno della linea ad alta tensione Stepdown Transformer” di Young Da The Four Dreams Of China (sì, un boccone di un titolo). L’opera è suonata da otto trombe in sordina, che suonano quattro toni distinti e ricorrenti in uno stile spontaneo e improvvisato.

La Monte Young, “La versione melodica del Secondo sogno della linea ad alta tensione Stepdown Transformer” Da The Four Dreams Of China, eseguita dal Theatre of Eternal Music Brass Ensemble

La Monte Young è probabilmente il meno conosciuto dell’avanguardia minimalista, ma è generalmente considerato che abbia lanciato il movimento con i suoi pezzi “long-tone”. Mentre uno studente laureato a Berkeley nel 1958, Young ha presentato un lavoro per la sua classe di composizione ha chiamato Trio per archi. Ma non è solo un Trio convenzionale: è lungo, monotono, e si compone di sole tre note. Il suo professore si rifiutò di dargli un voto per il lavoro. C’è un pensiero dietro, tuttavia: le entrate e le uscite dei tre toni sono ritmate per creare diversi effetti armonici che emergono dentro e fuori dalla trama.

Il Trio per archi di Young riflette molto della sua musica successiva, che si concentra su un piccolo numero di tiri sostenuti per lunghi periodi di tempo. La sua composizione 1960 n. 7, ad esempio, consiste solo delle note B e F#, istruite “da tenere a lungo.”Young è la tartaruga: His Dreams and Journeys (1964) è un tipo di improvvisazione, in cui strumentisti e cantanti entrano ed escono su varie armoniche sopra un drone da un sintetizzatore.

Con non molto da ascoltare nelle partiture sparse di Young, l’attenzione dell’ascoltatore è diretta a cambiamenti più minuti di tono e timbro che avvengono mentre un musicista tenta di sostenere un tono sul proprio strumento. La musica di Young colpisce in quanto trascura deliberatamente la tendenza della musica classica ad essere una narrazione teleologica con una chiara apertura, sviluppo, culmine e risoluzione. Nella musica di Young, la direzionalità orientata agli obiettivi è sostituita da una stasi palese.

https://www.youtube.com/watch?v=-No6_12i_BE

La Monte Young, Trio per Archi, eseguito dal Trio Basso.

È stata la mancanza di struttura e narrativa del Trio di Young per archi che probabilmente ha contribuito al suo professore rifiutato di dargli un voto per il progetto. Il pezzo è stato, tuttavia, ammirato da un compagno di studi di nome Terry Riley, il nostro secondo compositore d’avanguardia. Riley, che una volta si era esibito in un ensemble di Young, si è ramificato da Young esplorando modelli con più ripetizioni che toni sostenuti. Riley è noto per i suoi esperimenti con tape loops, brevi segmenti di nastro impiombato che quando alimentato attraverso un registratore riprodurre gli stessi suoni più e più volte. Il suo pezzo di nastro Mescalin Mix (1960-62) accumula molti di questi loop su un impulso regolare, creando un raccapricciante collage di frasi e espressioni interagenti.

Il lavoro più noto di Riley, In C (1964), applica un processo simile agli strumenti dal vivo. Il pezzo è composto da 53 celle melodiche in sequenza numerata, l’intera partitura si adatta a una pagina. Il pezzo può essere eseguito da qualsiasi gruppo di strumenti, con un esecutore che fornisce un motore ritmico sulla nota C. Mentre gli esecutori si muovono attraverso ogni cella, il numero di ripetizioni in ogni parte e la coordinazione delle parti sono lasciati indeterminati. Il risultato sonoro è un panorama imprevedibile e in continua evoluzione di suoni stratificati su un impulso ipnotico, con un graduale spostamento dalla consonanza alla dissonanza e ritorno man mano che certe note vengono introdotte e scompaiono dalle cellule. La tecnica di Riley di ripetere le cellule di materiale è chiamata modularismo: usando un motivo ripetuto, simile a una cellula come base per un intero lavoro – in altre parole, prendendo la ripetizione ad un grado estremo.

Terry Riley, In Do, eseguito dalla VENI Academy.

Steve Reich, il nostro terzo compositore d’avanguardia, è cresciuto su questa idea di modularismo, usandola per creare un linguaggio musicale orientato al processo di elementi sottilmente mutevoli che cambiano nel tempo. Molte delle composizioni di Reich usano una tecnica chiamata phase-shifting, in cui i musicisti suonano lo stesso materiale ma “fuori fase” l’uno con l’altro come un canone ravvicinato, con ogni parte che inizia in un momento leggermente diverso e persino procede a velocità diverse l’una dall’altra.

Come Riley, le prime esplorazioni musicali di Reich furono fatte su nastro. Il suo primo pezzo di nastro ad usare il phase-shifting, It’s Gonna Rain, inizia con un ciclo ripetitivo di una registrazione di un predicatore in una strada di New York. Reich raddoppia il ciclo in modo che due copie stiano giocando contemporaneamente, ma a velocità leggermente diverse. Un ciclo si muove gradualmente davanti all’altro, causando i loop gradualmente si spostano dentro e fuori dal ritmo l’uno con l’altro, come trasformare un caleidoscopio musicale. Un altro primo pezzo di nastro di Reich è il suo Come Out (1966). Ancora una volta, Reich inizia con un ciclo di nastro di una frase pronunciata (”vieni fuori per mostrarli”). Questa volta, tuttavia, la trama cresce da due, a quattro, a otto loop simultanei, ciascuno leggermente fuori fase l’uno con l’altro. Le parole dell’oratore diventano incomprensibili, rimane una poltiglia di vocali e consonanti.

Steve Reich, It’s Gonna Rain

Reich in seguito applicò il suo concetto di phase-shifting agli strumenti acustici. Il suo Piano Phase (1967), ad esempio, ricrea questo effetto usando non nastro, ma due pianoforti. Entrambi i pianoforti iniziano ripetendo la stessa semplice linea melodica all’unisono, ma un pianoforte accelera gradualmente fino a quando non è un battito completo davanti all’altro pianoforte. Ogni esecuzione di Fase pianoforte sarà leggermente diverso, come il numero di ripetizioni; velocità delle transizioni; e, di conseguenza, la lunghezza del pezzo spetta agli artisti. È affascinante osservare come nuovi ritmi emergano dalle interazioni sempre mutevoli tra le due melodie di Piano Phase. Nel 1970, Reich spinto in questa zona di ritmo ancora di più. Gran parte della sua musica divenne percussiva-oriented, con strati sovrapposti di poliritmi che in molti modi stili paralleli di drumming africano. (Un esempio di questo è il suo Drumming del 1970-1).

Steve Reich, Piano Phase

Reich ha formato il suo ensemble e si è guadagnato da vivere eseguendo, girando e registrando le sue opere. Questo ensemble ha attirato in una vasta gamma di ascoltatori, non solo dal mondo classico, ma quelli abituati al jazz, rock, e la musica pop. Philip Glass, il nostro ultimo membro della vanguard, era simile a Reich in quanto ha anche colpito fuori l’establishment musicale formando il proprio ensemble. Glass si distingue, tuttavia, attraverso i suoi mezzi più rotondeggianti per arrivare al minimalismo. Era alla Juilliard quando Young, Reich e Riley si esibivano a New York, e poi se ne andò per studiare composizione a Parigi con Nadia Boulanger. Fu lì che Glass fu influenzato dalla musica non occidentale, in particolare lavorando con il grande sitarista indiano Ravi Shankar. Glass divenne l’assistente di Shankar nella colonna sonora del film Chappaqua del 1966, e il suo lavoro dal 1960 divenne fortemente plasmato dalla musica classica Hindustani. Varie sfaccettature di questo stile– tra cui l’organizzazione ritmica circolare, melodiosità e semplici progressioni armoniche che pongono l’accento sulla consonanza – parallele tendenze simili nel minimalismo.

Ravi Shankar feat Philip Glass, Ragas In scala minore da Passaggi

Philip Glass aveva studiato a Julliard con Steve Reich e ha preso contatto con lui di nuovo dopo i suoi viaggi in Europa e in India. Influenzato dalla musica ritmica di Reich, Glass iniziò a semplificare la sua musica fino a quella che descrisse come ” musica con strutture ripetitive.’Esempi in questo stile includono Strung Out (1967) e Music in 12 parti (1971-4), un enorme pezzo di quattro ore segnato per voci, organi elettrici, flauti e sassofoni. La musica di Glass è piuttosto idiosincratica e spesso immediatamente riconoscibile per un ascoltatore che ha familiarità con il suo lavoro. I suoi pezzi, costruiti su una base di schemi triadici che si ripetono ciclicamente, rappresentano una confluenza unica di musica indiana, minimalismo e sensibilità espressiva di Glass, allo stesso tempo emotivamente carica e trattenuta in malinconica moderazione.

https://youtu.be/8f8Zp-i6Lis

Philip Glass, Music in 12 Parts (Part 1)

Young, Riley, Reich e Glass emersero tutti sulla scena musicale nello stesso periodo, distinguendosi dall’establishment della musica classica attraverso la musica che creò nuove esperienze di ascolto ipnotiche, in cui emergenti complessità nelle interazioni ritmiche e melodiche nascono da una radicale semplicità dei materiali. Come abbiamo visto e sentito, tuttavia, le differenze stilistiche individuali distinguono ogni compositore l’uno dall’altro. Il minimalismo di Young enfatizza i droni e i suoni statici, e mentre i droni erano anche centrali nella musica di Riley, ha sviluppato modelli ciclici più ritmici in cima alla stasi. L’incorporazione di Reich di sfasamento e processi ritmici additivi / sottrattivi ha creato un minimalismo basato non sulla stasi, ma sul tempo e sul movimento, e Glass ha portato questo stile ulteriormente attraverso i suoi studi con Ravi Shankar e il suo linguaggio armonico unico.

“Uomini” – imalismo: Al di là della Vanguard

Queste differenze individuali considerate, vale la pena notare che tutti e quattro i membri della vanguard hanno espresso disagio nell’essere raggruppati sotto l’etichetta del minimalismo, un presagio del modo in cui il minimalismo sarebbe presto scoppiato in molte direzioni diverse. Nel creare la storia del Giovane Riley-Reich-Glass “vanguard”, la storia della musica finisce anche per passare sopra molti compositori che non si adattano perfettamente allo stampo prescritto, scivolando attraverso le fessure del riconoscimento. Il modo in cui gli storici della musica hanno individuato un gruppo di avanguardia ci aiuta a fornire una panoramica introduttiva degli elementi del minimalismo precoce. Tuttavia, crea anche una narrazione esclusiva e strettamente maschile del minimalismo, trascurando le molte donne compositrici che stavano lavorando alle frontiere della scena centrale del minimalismo di New York. Figure femminili cruciali come Pauline Oliveros, Joan La Barbara, Meredith Monk, Eliane Radigue e Laurie Spiegel si sono espanse oltre i confini del minimalismo approfondendo sperimentazioni radicali in elettronica, musica basata su computer e performance art, e meritano un posto da soli.

Si consideri, ad esempio, Midori Takada, una donna compositrice e percussionista in Giappone che ha pubblicato una serie di dischi – prima con il Mkwaju Ensemble, poi da sola – negli anni ‘ 80. Takada suona una gamma impressionante di strumenti e oggetti trovati – da marimbas e gong a ocarine e bottiglie di Coca-Cola – utilizzando strati di sovraincisioni per creare un ensemble tutto suo. Il suo lavoro richiama numerosi aspetti del minimalismo. Nel suo album del 1983 Through the Looking Glass, texture stratificate e pattern ritmici ad incastro richiamano Steve Reich, con una sensazione atmosferica e ipnotica simile ai lavori basati sui droni di Young e Riley. In definitiva, tuttavia, Takada crea un suono contemplativo e stravagante che è unico per lei.

Midori Takada, ” Sig. Il sogno di Henri Rousseau ” from Through the Looking Glass

Il minimalismo come nuovo modo di ascoltare

Possiamo chiamare il lavoro di Takada “minimalismo” nonostante una mancanza di associazione diretta con l’avanguardia originale? Piuttosto che associare lo stile minimalista a una certa generazione di compositori o a certe tecniche compositive nominate, potrebbe essere più utile vedere il minimalismo come una musica che incoraggia un certo modo di ascoltare.

È comune ascoltare musica minimalista descritta come ipnotica o meditativa. Nella musica di Glass, la ripetizione ciclica degli accordi crea un arazzo di suoni in movimento, immergendo gli ascoltatori dalle orecchie aperte in uno stato psicologico alterato. Non è necessario prestare attenzione ad ogni nota che passa per sentire l’effetto della musica. In effetti, spesso non puoi, con troppi strati ritmici e melodici per scegliere una linea dal resto della trama. In questo modo ascoltare musica minimalista è un po ‘ come ascoltare la pioggia – non si sente ogni goccia in isolamento, piuttosto, le orecchie si immergono in una sinfonia di interazioni.

La chiave qui è che la musica minimalista non è teleologica. La maggior parte della musica classica segue una trama lineare, ad arco, con armonia e melodia che si muovono in schemi di costruzione di anticipazione e tensione, fino a un picco e rilascio. La musica minimalista, come nota la musicologa Susan McClary, sembra non avere passato o futuro, con il presente – quello che sta succedendo proprio qui-che sembra svolgersi per sempre. Non c’è necessariamente un bisogno sentito di” arrivare ” da nessuna parte. In questo spazio, l’ascoltatore è a pagamento per viaggiare tra gli strati del momento presente. Se la melodia era l’asse x e l’armonia era l’asse y in un piano musicale, i ritmi mutevoli e la densità materica emergente del minimalismo creano un nuovo asse x, una terza dimensione aggiunta all’esperienza musicale.

Steve Reich, Violoncello Contrappunto, eseguito da Rose Bellini

Ascoltare musica minimalista è come essere dentro un processo. Nel suo saggio “La musica come processo graduale”, Reich descrive la sua musica come un processo che una volta impostato e caricato, funziona da solo. Il compositore fa un passo indietro rispetto ai materiali e lascia sbocciare un risultato sonoro più vasto di qualsiasi singolo creatore, in piedi da solo quasi come una forza della natura. L’esperienza della musica minimalista è diversa dal semplice camminare fino a un dipinto finito, è un viaggio che devi attraversare dall’inizio alla fine per ottenere il pieno effetto del pezzo. Ascoltare i cambiamenti molto graduali tra le parti ripetute consente all’ascoltatore di sperimentare interazioni tra melodie, ritmi e armonie, in ogni fase del modo in cui si relazionano tra loro.

Dove è andato il minimalismo da qui, come una musica radicalmente orientata al processo? Leggi la seconda parte per il resto della storia del minimalismo.

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