» Hva du hører avhenger av hvordan du fokuserer øret. Vi snakker ikke om å finne opp et nytt språk, men heller oppfinne nye oppfatninger av eksisterende språk.»- Philip Glass

hvis du har stilt Inn Alle Klassiske Portland nylig, kan du ha kommet over noen musikk ørene ikke var ventet å høre fra en klassisk radiostasjon. På en nylig onsdag morgen delte Christa Wessel Philip Glass ‘ Piano Etude no. 6 Fra en NY CD av V@kingur Ólafsson. En sen torsdag kveld, Andrea Murray behandlet Oss Med Max Richters På Natur Dagslys. Mens begge disse verkene kan hevdes å være «klassiske» stykker, skiller De seg ut for måten de gjennomsyrer populærkultur og underholdning – Både Glass og Richter har komponert mye for film og fjernsyn.richter Og Glass stykker kan beskrives som eksempler fra en bevegelse og sjanger i klassisk musikk kjent som » minimalisme.»Minimalisme startet på midten av 1960-tallet i den eksperimentelle utkanten av klassisk musikk. Nå har minimalisme blitt et internasjonalt fenomen som har dypt påvirket retningen til ny musikk i USA og utover, noe som fører til kravet om minimalisme som det «vanlige musikalske språket» i slutten av det 20.og tidlig 21. århundre.

Philip Glass, É, Nr. 6, fremført av Ví

Minimalisme er også et godt eksempel på hvordan etiketter og kategorier i musikk og kunst kan være iboende begrenset, noe som gjør det vanskelig å se hvordan trender vokser, endres, omdefinerer seg over tid. Ved å absorbere et mangfold av påvirkninger, og i sin tur påvirke så mange områder av vår musikalske kultur, bryter minimalismen ned veggene som ofte er smidd mellom » høy » og » lav » kunst i klassisk musikk. Minimalisme har nådd hjørnene av nesten alle deler av musikalsk kultur, fra filmmusikk til pop album, jazz riff til moderne klassiske lydlandskap. Og har vokst utover sin egen etikett: utviklet seg over tid, forgrening ut, blir noe uten tvil mer «maksimal» enn minimal.

Max Richter, «On The Nature Of Daylight», fremført av Ataneres Ensemble

Hva skjer når en musikk ser ut til å overskride grensene for hva som er «klassisk»? Hva skjer når en musikk forsøker å lukke riff skapt mellom komponist og publikum i tidlig 20. århundre modernistisk musikk? Hva skjer når en musikk re-conceptualizes selve kjernen i hvordan vi lytter, gjenforene publikum med lyd som en visceral opplevelse og følelsesmessig påvirkning? Dette er historien om minimalistisk musikk.

Minimalismens Opprinnelse og De Fire «Vanguard» Komponistene

reisen minimalismen har tatt er lang, men la oss begynne med begynnelsen. Den opprinnelige minimalistiske bevegelsen var ikke begrenset til musikk, og berørte nesten alle kunstformer, inkludert visuell kunst, litteratur, film. Minimalisme oppsto i en rekke underjordiske aktiviteter i kino, musikk, maleri og skulptur på slutten av 1950-tallet og tidlig på 1960-tallet, sentrert I New York og San Francisco. Det var sterke bånd mellom tidlige minimalistiske komponister og kunstnere, med forestillinger som ofte fant sted i kunstgallerier og loft i stedet for tradisjonelle konsertsteder. Og i likhet med minimalistisk kunst reagerte minimalistiske komponister mot kompleksiteten, tettheten og ren vanskelighet av nyere modernistisk musikk.en karismatisk gruppe på fire komponister er vanligvis merket som» vanguard » komponister av minimalistisk musikk. De ble alle født innen flere år av hverandre-La Monte Young (f. 1935), Terry Riley (f. 1935), Steve Reich (f. 1936) og Philip Glass (f. 1937). Et variert utvalg av musikalske ideer påvirket denne første gruppen, noe som gjorde det vanskelig å beskrive bevegelsen selv i alt annet enn brede termer. Vi kan imidlertid nevne noen fellestrekk. Kjernen til minimalisme er reduksjon av materialer til et minimum. Prosedyrer forenkles, og ofte er det som foregår i musikken umiddelbart tydelig for en lytter. Minimalistisk musikk har typisk repetisjon, diatoniske skalaer og harmonier, et rutenett av stødige beats, uten endring i tempo (noe som gjør det lik visse sjangere Av Barokkmusikk), og monokrom eller terrassedynamikk (i motsetning til den uttrykksfulle fluiditeten til De Romantiske og modernistiske epoker).

Alle fire av disse vanguard-komponistene vokste Opp I Den Vestlige klassiske tradisjonen, og studerte musikk ved ulike prestisjetunge klassiske musikkskoler. Derimot, disse komponistene skiller seg ut for måten de skapte kunst som sto utenfor etableringen – blir påvirket av andre, ikke-Vestlige stiler, inkludert Indisk raga og Afrikansk tromming. Minimalistisk musikk blir ofte sett på som en avvisning Av Europeiske modernistiske trender som den komplekse Og matematisk strenge Serialismen. Det er en bevisst sparsom bruk av tradisjonelle elementer av form og stil i minimalistisk musikk. Den vender tilbake til røttene, de grunnleggende elementene i musikk: melodi, modalitet og rytme.en viktig forgjenger til minimalismens radikale enkelhet var nyere avantgarde-trender innen musikk, spesielt Musikken John Cage. Cages 4 ‘ 33 » tar for eksempel reduksjonisme til det ekstreme, og kan ses som den ultimate minimalistiske komposisjonen-utøveren spiller ikke en eneste tone, slik at hverdagslyder kan formulere lydopplevelsen av stykket. Et annet aspekt minimalismen tok fra avantgarden var det aleatoriske: å skape uforutsigbarhet i ytelse ved å forlate konvensjoner som rytme og tempo. Aleatoric teknikker er spesielt ansatt I musikken Til La Monte Young. Ta For Eksempel Youngs «The Melodic Version Of The Second Dream Of The High-Tension Line Stepdown Transformer» fra The Four Dreams Of China (ja, en munnfull av en tittel). Verket spilles av åtte dempede trompeter, som spiller fire distinkte, tilbakevendende toner i en spontan, improvisert stil.

La Monte Young, «Den Melodiske Versjonen Av The Second Dream Of The High-Tension Line Stepdown Transformer» fra The Four Dreams Of China, fremført av Theatre of Eternal Music Brass Ensemble

La Monte Young er trolig den minst kjente av den minimalistiske fortroppen, men han er generelt ansett for å ha lansert bevegelsen med sine» long-tone » stykker. Mens Han studerte ved Berkeley i 1958, sendte Young inn et arbeid for sin komposisjonsklasse han kalte Trio For Strykere. Men det er ikke bare en konvensjonell Trio: den er lang, monotont og består av bare tre notater. Hans professor nektet å gi ham karakter for arbeidet. Det er tenkt bak det, men: oppføringene og utgangene til de tre tonene er tempo for å skape forskjellige harmoniske effekter som kommer inn og ut av tekstur.

Youngs Trio for Strykere reflekterer mye av hans senere musikk, som sentrerer seg inn på et lite antall tonehøyder som opprettholdes i lange perioder. Hans Sammensetning 1960 Nr. 7 består for eksempel bare av notatene B og F#, instruert «å bli holdt i lang tid.»Young’ s The Tortoise»: Hans Dreams and Journeys (1964) er en type improvisasjon, hvor instrumentalister og sangere kommer inn og ut på ulike harmonier over en drone av en synthesizer.Med ikke mye Å lytte etter I Youngs sparsomme score, er lytterens oppmerksomhet rettet mot flere små endringer i tonehøyde og klang som skjer når en musiker forsøker å opprettholde en tonehøyde på instrumentet. Youngs musikk er slående ved at den bevisst ser bort fra den klassiske musikkens tendens til å være en teleologisk fortelling med en klar åpning, utvikling, klimaks og oppløsning. I Youngs musikk erstattes målrettet retning med en åpen stasis.

https://www.youtube.com/watch?v=-No6_12i_BE

La Monte Young, Trio For Strykere, fremført Av Trio Basso.

det var mangelen På struktur Og fortellende Youngs Trio For Strenger som sannsynligvis bidro til at professoren nektet å gi ham karakter for prosjektet. Stykket ble, derimot, beundret av En medstudent Ved navn Terry Riley, vår andre vanguard komponist. Riley, som en gang hadde utført I Et ensemble Av Youngs, forgrenet Seg Fra Young ved å utforske mønstre med mer repetisjon enn å opprettholde toner. Riley er kjent for sine eksperimenter med tape looper, korte segmenter av spleiset tape som når matet gjennom en båndopptaker spille de samme lydene om og om igjen. Hans tape stykke Mescalin Mix (1960-62) hauger opp mange slike tape looper over en vanlig puls, skaper en skummel collage av samspill setninger og ytringer.Rileys mest kjente verk, I C (1964), bruker en lignende prosess for å leve instrumenter. Stykket består av 53 melodiske celler i nummerert rekkefølge, hele partituret passer på en side. Stykket kan utføres av en hvilken som helst gruppe instrumenter, med en utøver som gir en rytmisk motor På notatet C. når utøverne beveger seg gjennom hver celle, blir antall repetisjoner i hver del og koordinering av deler ubestemt. Det soniske resultatet er et uforutsigbart og stadig skiftende landskap av lagdelte lyder over en hypnotisk puls, med et gradvis skifte fra konsonans til dissonans og tilbake som visse notater blir introdusert og forsvinner fra cellene. Rileys teknikk for å gjenta celler av materiale kalles modularisme: ved å bruke et gjentatt, cellelignende motiv som grunnlag for et helt arbeid-med andre ord, ta repetisjon i ekstrem grad.

Terry Riley, I C, utført AV VENI Academy.Steve Reich, vår tredje vanguard-komponist, vokste på denne ideen om modularisme, og brukte den til å skape et prosessorientert musikalsk språk av subtilt skiftende elementer som endres over tid. Mange Av Reichs komposisjoner bruker en teknikk som kalles faseskift, hvor musikere spiller det samme materialet, men «ute av fase» med hverandre som en tett linjeavstandskanon, hvor hver del starter på en litt annen tid og til og med går i forskjellige hastigheter fra hverandre.

Som Riley ble Reichs første musikalske utforskninger gjort på tape. Hans første tape stykke å bruke faseskift, It ‘ S Gonna Rain, begynner med en repeterende sløyfe av et opptak av en predikant På En new York street. Reich dobler sløyfen slik at to kopier spilles på en gang, men med litt forskjellige hastigheter. En sløyfe beveger seg gradvis foran den andre, slik at løkkene gradvis skifter inn og ut av rytme med hverandre, som å snu et musikalsk kalejdoskop. Et annet tidlig båndstykke Av Reich er Hans Come Out (1966). Igjen Begynner Reich med en båndsløyfe av en muntlig setning («kom ut for å vise dem»). Denne gangen vokser tekstur fra to til fire til åtte samtidige løkker, hver litt ut av fase med hverandre. Ordene til høyttaleren blir uforståelige, en mos av vokaler og konsonanter forblir.

Steve Reich, It ‘ S Gonna Rain

Reich brukte senere sitt faseskiftende konsept til akustiske instrumenter. Hans Pianofase (1967) gjenskaper for eksempel denne effekten ved å bruke ikke tape, men to pianoer. Begge pianoer begynner med å gjenta den samme enkle melodiske linjen i samklang, men ett piano går gradvis opp til det er et fullt slag foran det andre pianoet. Hver forestilling Av Piano Fase vil være litt annerledes, som antall repetisjoner; hastigheten på overgangene; og følgelig er lengden på stykket opp til utøverne. Det er fascinerende å observere hvordan nye rytmer dukker opp fra De stadig skiftende samspillet mellom De To melodiene I Pianofasen. Inn i 1970-tallet presset Reich inn i dette rytmeområdet enda lenger. Mye av hans musikk ble perkusjonsorientert, med lag av polyrytmer som på mange måter parallelle stiler Av Afrikansk tromming. (Et eksempel på dette er Hans Tromming av 1970-1).

Steve Reich, Piano Phase

Reich dannet sitt eget ensemble og har levd av å utføre, turnere og spille inn sine verk. Dette ensemblet trakk i et bredt spekter av lyttere, ikke bare fra den klassiske verden, men de vant til jazz, rock og popmusikk. Philip Glass, vårt siste medlem av fortroppen, var lik Reich i at han også slo ut av den musikalske etablering ved å danne sitt eget ensemble. Glass skiller seg ut, men gjennom hans mer rundkjøring betyr å komme til minimalisme. Han var på Juilliard Da Young, Reich og Rileys tidlige opptredener skjedde I New York, og dro deretter for å studere komposisjon i Paris med Nadia Boulanger. Det Var Der Glass ble påvirket av ikke-Vestlig musikk, spesielt gjennom å jobbe med Den Store Indiske sitaristen Ravi Shankar. Glass ble shankars assistent På soundtracket Til Filmen Chappaqua Fra 1966, og hans arbeid siden 1960-tallet ble tungt formet av Hindustani klassisk musikk. Ulike fasetter av denne stilen– inkludert sirkulær rytmisk organisasjon, melodiøsitet og enkle harmoniske progresjoner som legger vekt på konsonans-parallelle lignende trender i minimalisme.

Ravi Shankar feat Philip Glass, Ragas I Mindre Skala fra Passasjer

Philip Glass hadde studert Ved Julliard Med Steve Reich og tok kontakt med Ham igjen etter sine reiser I Europa og India. Påvirket Av Reichs rytmiske faseskiftende musikk begynte Glass å forenkle sin musikk ned til det Han beskrev som ‘musikk med repeterende strukturer. Eksempler på denne stilen er Strung Out (1967) Og Music in 12 Parts (1971-4), et massivt fire timers stykke for stemmer, elektriske orgler, fløyter og saksofoner. Glass musikk er ganske idiosynkratisk og ofte umiddelbart gjenkjennelig for en lytter kjent med sitt arbeid. Hans stykker, bygget på grunnlag av syklisk gjentatte triadiske mønstre, representerer en unik sammenfletting Av Indisk musikk, minimalisme og Glass egen uttrykksfulle følsomhet, samtidig følelsesmessig ladet og holdt tilbake i melankolsk tilbakeholdenhet.

https://youtu.be/8f8Zp-i6Lis

Philip Glass, Musikk i 12 Deler (Del 1)

Young, Riley, Reich, Og Glass alle dukket opp på musikkscenen rundt samme tid, stående ut fra klassisk musikk etablering gjennom musikk som skapte nye hypnotiske lytteopplevelser, hvor emergent kompleksiteten i rytmiske og melodiske interaksjoner oppstår ut av en radikal enkelhet av materialer. Som vi har sett og hørt, skiller individuelle stilistiske forskjeller hver komponist fra hverandre. Youngs minimalisme legger vekt på droner og statiske lyder, og mens droner også var sentrale for rileys musikk, utviklet han mer rytmiske sykliske mønstre på toppen av stasen. Reichs inkorporering av faseskift og additive/subtraktive rytmiske prosesser skapte en minimalisme basert ikke på stasis, men tid og bevegelse, Og Glass tok denne stilen videre gjennom sine studier Med Ravi Shankar og hans unike harmoniske språk.

«Menn» – imalisme: Utover Vanguard

disse individuelle forskjellene vurderes, er det verdt å merke seg at alle fire medlemmer av vanguard har uttrykt uro med å bli gruppert under etiketten minimalisme, en foreshadow til måten minimalisme snart ville bryte ut i mange forskjellige retninger. Ved å skape historien Om Young-Riley-Reich-Glass «vanguard», ender musikkhistorien også opp med å passere over mange komponister som ikke passer perfekt til den foreskrevne formen, og glir gjennom sprekker av anerkjennelse. Måten musikkhistorikere har utpekt en vanguard-gruppe, bidrar til å gi oss en innledende oversikt over tidlig minimalismes elementer. Men det skaper også en eksklusiv, snevert mannlig fortelling om minimalisme, forsømmer de mange kvinnelige komponister som jobbet på grensene til Den sentrale new York minimalisme scenen. Viktige kvinnelige figurer Som Pauline Oliveros, Joan La Barbara, Meredith Monk, Eliane Radigue og Laurie Spiegel utvidet seg utover minimalismens grenser ved å dype inn i radikale eksperimenter innen elektronikk, databasert musikk og performance, og fortjener et innlegg alene.