“wat je hoort hangt af van hoe je je oor focust. We hebben het niet over het uitvinden van een nieuwe taal, maar over het uitvinden van nieuwe percepties van bestaande talen.”- Philip Glass

als je de laatste tijd op alle klassieke Portland hebt afgestemd, ben je misschien Muziek tegengekomen die je oren niet verwachtten te horen van een klassieke Radiozender. Op een recente woensdagochtend deelde Christa Wessel Philip Glass ‘ Piano Etude No. 6 van een nieuwe CD van Víkingur Ólafsson. Op een late donderdagavond behandelde Andrea Murray ons met Max Richter ‘ s over de aard van daglicht. Hoewel beide werken als “klassieke” stukken kunnen worden betiteld, vallen ze op door de manier waarop ze de populaire cultuur en entertainment doordringen – zowel glas als Richter hebben uitgebreid gecomponeerd voor films en televisie.

de stukken van Richter en glas kunnen worden beschreven als voorbeelden uit een beweging en genre in de klassieke muziek die bekend staat als “minimalisme.”Het minimalisme begon in het midden van de jaren zestig aan de experimentele rand van de klassieke muziek. Nu is het minimalisme een internationaal fenomeen geworden dat de richting van nieuwe muziek in de VS en daarbuiten diepgaand heeft beïnvloed, wat heeft geleid tot de claim van het minimalisme als de “gemeenschappelijke muzikale taal” van de late 20e en vroege 21e eeuw.

Philip Glass, Études, No. 6, uitgevoerd door Víkingur Ólafsson

minimalisme is ook een goed voorbeeld van hoe labels en categorieën in muziek en kunst inherent kunnen worden beperkt, waardoor het moeilijk is om te zien hoe trends groeien, veranderen, zichzelf herdefiniëren in de tijd. Door het absorberen van een verscheidenheid aan invloeden, en op zijn beurt het beïnvloeden van zo veel gebieden van onze muzikale cultuur, minimalisme breekt de muren vaak gesmeed tussen “hoge” en “lage” kunst in de klassieke muziek. Minimalisme heeft de hoeken van bijna elk onderdeel van de muzikale cultuur bereikt, van filmmuziek tot popalbums, jazz riffs tot hedendaagse klassieke soundscapes. En is verder gegroeid dan zijn eigen label: geëvolueerd in de tijd, vertakt, steeds iets aantoonbaar meer “maximaal” dan minimaal.

Max Richter, “On the Nature of Daylight,” uitgevoerd door het Ataneres Ensemble

Wat gebeurt er als een muziek de grenzen lijkt te overschrijden van wat “klassiek” is? Wat gebeurt er als een muziek probeert af te sluiten riff gemaakt tussen componist en publiek in vroeg-20ste eeuwse modernistische Muziek? Wat gebeurt er als een muziek de kern van hoe we luisteren opnieuw conceptualiseert, het publiek herenigt met geluid als een viscerale ervaring en emotionele invloed? Dit is het verhaal van minimalistische muziek.

De oorsprong van het minimalisme en de vier “voorhoede” componisten

de reis die het minimalisme heeft afgelegd is lang, maar laten we bij het begin beginnen. De oorspronkelijke minimalistische beweging was niet beperkt tot muziek, raken bijna elke kunstvorm, met inbegrip van de beeldende kunst, literatuur, film. Het minimalisme ontstond in de late jaren 1950 en vroege jaren 1960 in New York en San Francisco door een reeks ondergrondse activiteiten in de cinema, muziek, schilderkunst en beeldhouwkunst. Er waren sterke banden tussen vroege minimalistische componisten en kunstenaars, waarbij uitvoeringen vaak plaatsvonden in kunstgaleries en hokken in plaats van traditionele concertzalen. En net als bij minimalistische kunst reageerden minimalistische componisten tegen de complexiteit, dichtheid en pure moeilijkheid van recente modernistische Muziek.

een charismatische groep van vier componisten wordt doorgaans aangeduid als de “voorhoede” componisten van minimalistische muziek. Ze werden allemaal geboren binnen enkele jaren na elkaar – La Monte Young (1935), Terry Riley (1935), Steve Reich (1936), en Philip Glass (1937). Een eclectische reeks muzikale ideeën beïnvloedde deze eerste groep, waardoor het moeilijk was om de beweging zelf in allesbehalve brede termen te beschrijven. We kunnen echter een aantal overeenkomsten noemen. De kern van minimalisme is het reduceren van materialen tot een minimum. Procedures zijn vereenvoudigd, en vaak is wat er in de muziek gebeurt meteen duidelijk voor een luisteraar. Minimalistische muziek is typisch voorzien van herhaling, diatonische toonladders en harmonieën, een raster van vaste beats, zonder een verandering in tempo (waardoor het vergelijkbaar is met bepaalde genres van barokmuziek), en monochroom of terrasvormige dynamiek (in tegenstelling tot de expressieve vloeibaarheid van de romantische en modernistische tijdperken).

alle vier van deze voorhoedecomponisten werden opgevoed in de Westerse klassieke traditie en studeerden muziek aan verschillende prestigieuze klassieke muziekscholen. Deze componisten onderscheiden zich echter door de manier waarop ze kunst creëerden die buiten het establishment stond-beïnvloed door andere, niet-Westerse stijlen, waaronder Indiase raga en Afrikaans drumwerk. Minimalistische muziek wordt vaak gezien als een afwijzing van Europese modernistische trends zoals het complexe en wiskundig-strikte serialisme. Er is een opzettelijk schaars gebruik van traditionele elementen van vorm en stijl in minimalistische muziek. Het keert terug naar de roots, de basiselementen van muziek: melodie, modaliteit en ritme.een belangrijke voorloper van de radicale eenvoud van het minimalisme waren recente avant-garde trends in de muziek, met name de muziek John Cage. Cage’s 4 ’33”, bijvoorbeeld, nemen reductionisme tot het uiterste, en kunnen worden gezien als de ultieme minimalistische compositie-de uitvoerder speelt geen enkele noot, waardoor alledaagse geluiden om de auditieve ervaring van het stuk te formuleren. Een ander aspect dat minimalisme uit de avant-garde haalde, was het aleatorische: het creëren van onvoorspelbaarheid in de performance door conventies als ritme en tempo te verlaten. Aleatorische technieken worden vooral gebruikt in de muziek van La Monte Young. Neem bijvoorbeeld Young ‘s” the Melodic Version Of The Second Dream Of The High-Tension Line Stepdown Transformer ” uit The Four Dreams Of China (yes, a mouthful of a title). Het werk wordt gespeeld door acht gedempte trompetten, die vier verschillende, terugkerende tonen spelen in een spontane, geïmproviseerde stijl.La Monte Young, “the Melodic Version Of The Second Dream Of The High-Tension Line Stepdown Transformer” uit The Four Dreams Of China, uitgevoerd door het Theatre of Eternal Music Brass Ensemble. Terwijl een afgestudeerde student aan Berkeley in 1958, Young ingediend een werk voor zijn compositie klasse noemde hij Trio voor strijkers. Maar het is niet zomaar een conventioneel Trio: het is lang, eentonig en bestaat uit slechts drie noten. Zijn professor weigerde hem een cijfer te geven voor het werk. Er is echter gedacht achter: de in-en uitgangen van de drie tonen worden versneld om verschillende harmonische effecten te creëren die in en uit de textuur naar voren komen.

Young ‘ s trio voor strijkers weerspiegelt veel van zijn latere muziek, die zich concentreert op een klein aantal toonhoogtes die gedurende lange tijd worden gehouden. Zijn compositie 1960 No. 7, bijvoorbeeld, bestaat alleen uit de noten B en F#, geïnstrueerd ” to be held for a long time.”Jong is de schildpad: Zijn Dreams and Journeys (1964) is een soort improvisatie, waarbij instrumentalisten en zangers in en uit komen op verschillende harmonischen over een drone door een synthesizer.

met weinig om naar te luisteren in Young ‘ s schaarse partituren, is de aandacht van de luisteraar gericht op meer minuscule veranderingen in toonhoogte en timbre die zich voordoen als een muzikant probeert een toonhoogte op zijn instrument te behouden. Young ‘ s muziek valt op in het feit dat hij bewust voorbijgaat aan de neiging van klassieke muziek om een teleologisch verhaal te zijn met een duidelijke opening, ontwikkeling, climax en resolutie. In Young ‘ s muziek wordt doelgerichte richting vervangen door een openlijke stasis.

https://www.youtube.com/watch?v=-No6_12i_BE

La Monte Young, Trio voor strijkers, uitgevoerd door het trio Basso.het was het gebrek aan structuur en narrative Young ‘ s Trio voor strijkers dat waarschijnlijk bijdroeg aan zijn professor die weigerde hem een cijfer voor het project te geven. Het stuk werd echter bewonderd door een medestudent genaamd Terry Riley, onze tweede voorhoedecomponist. Riley, die ooit had opgetreden in een ensemble van Young ‘ s, vertakt uit Young door het verkennen van patronen met meer herhaling dan het ondersteunen van tonen. Riley staat bekend om zijn experimenten met tape loops, korte segmenten van gesplitste tape die bij invoer via een bandrecorder steeds weer dezelfde geluiden afspelen. Zijn tape stuk Mescalin Mix (1960-62) stapelt veel van dergelijke tape loops over een regelmatige puls, het creëren van een griezelige collage van interagerende zinnen en uitingen.Riley ‘ s bekendste werk, in C (1964), past een soortgelijk proces toe op live instrumenten. Het stuk bestaat uit 53 melodische cellen in genummerde volgorde, waarbij de hele partituur op één pagina past. Het stuk kan worden uitgevoerd door een groep instrumenten, met een uitvoerder die een ritmische motor op de noot C. Als de uitvoerders bewegen door elke cel, het aantal herhalingen in elk deel en de coördinatie van de delen worden overgelaten onbepaald. Het sonische resultaat is een onvoorspelbaar en steeds veranderend landschap van gelaagde geluiden over een hypnotische puls, met een geleidelijke verschuiving van consonantie naar dissonantie en terug als bepaalde noten worden geïntroduceerd en verdwijnen uit de cellen. Riley ‘ s techniek van het herhalen van cellen van materiaal wordt modularisme genoemd: het gebruik van een herhaald, celachtig motief als basis voor een heel werk-met andere woorden, het nemen van herhaling tot in extreme mate.

Terry Riley, in C, uitgevoerd door de VENI Academy.Steve Reich, onze derde voorhoedecomponist, ontwikkelde dit idee van modularisme en gebruikte het om een procesgeoriënteerde muzikale taal te creëren van subtiel verschuivende elementen die in de loop van de tijd veranderen. Veel van Reichs composities maken gebruik van een techniek die phase-shifting heet, waarbij muzikanten hetzelfde materiaal maar “uit fase” met elkaar spelen als een dicht op elkaar gelegen canon, waarbij elk deel begint op een iets andere tijd en zelfs met verschillende snelheden van elkaar verloopt.net als Riley werden Reichs eerste muzikale ontdekkingen op tape Gemaakt. Zijn eerste tape met faseverschuiving, It ‘ S Gonna Rain, begint met een repetitieve lus van een opname van een predikant in een straat in New York. Reich verdubbelt de lus zodat twee exemplaren tegelijk spelen, maar met iets verschillende snelheden. De ene lus gaat geleidelijk voor op de andere, waardoor de lussen geleidelijk in en uit het ritme met elkaar verschuiven, zoals het draaien van een muzikale caleidoscoop. Een andere vroege tape stuk van Reich ‘ s is zijn Come Out (1966). Opnieuw begint Reich met een tape-lus van een gesproken zin (“come out to show them”). Deze keer groeit de textuur echter van twee, naar vier, naar acht gelijktijdige lussen, elk iets uit fase met elkaar. De woorden van de spreker worden onbegrijpelijk, er blijft een mengeling van klinkers en medeklinkers over.Steve Reich, It ‘ S Gonna Rain Reich paste later zijn faseverschuivingsconcept toe op akoestische instrumenten. Zijn Piano Phase (1967), bijvoorbeeld, herschept dit effect met behulp van niet tape, maar twee piano ‘ s. Beide piano ‘ s beginnen met het herhalen van dezelfde eenvoudige melodische lijn in koor, maar de ene piano versnelt geleidelijk tot het een volle beat is voor de andere piano. Elke uitvoering van Piano fase zal iets anders zijn, als het aantal herhalingen; snelheid van de overgangen; en, bijgevolg, de lengte van het stuk zijn aan de uitvoerders. Het is fascinerend om te zien hoe nieuwe ritmes ontstaan uit de steeds wisselende interacties tussen de twee melodieën van de Pianofase. In de jaren 1970, Reich duwde in dit gebied van ritme nog verder. Veel van zijn muziek werd percussie-georiënteerd, met lagen van polyritmes die in veel opzichten parallelle stijlen van Afrikaans drummen. (Een voorbeeld hiervan is zijn drumwerk van 1970-1).Steve Reich, Piano Phase, vormde zijn eigen ensemble en heeft zijn brood verdiend door op te treden, te toeren en zijn werken op te nemen. Dit ensemble trok een breed scala van luisteraars, niet alleen uit de klassieke wereld, maar degenen die gewend zijn aan jazz, rock en popmuziek. Philip Glass, ons laatste lid van de voorhoede, was vergelijkbaar met Reich in die zin dat hij ook uit het muzikale establishment sloeg door zijn eigen ensemble te vormen. Glas onderscheidt zich echter door zijn meer omweg middel om tot minimalisme te komen. Hij was op Juilliard toen Young, Reich en Riley ‘ s vroege optredens plaatsvonden in New York, en vertrok toen om compositie te studeren in Parijs met Nadia Boulanger. Het was daar dat Glass werd beïnvloed door niet-westerse muziek, met name door het werken met de grote Indiase sitarist Ravi Shankar. Glass werd Shankar ‘ s assistent op de soundtrack voor de film Chappaqua uit 1966, en zijn werk sinds de jaren 1960 werd zwaar gevormd door Hindoestaanse klassieke muziek. Verschillende facetten van deze stijl– waaronder circulaire ritmische organisatie, melodie en eenvoudige harmonische progressies die de nadruk leggen op consonantie – parallel soortgelijke trends in het minimalisme.Ravi Shankar feat Philip Glass, Ragas In Minor Scale from Passages Philip Glass had gestudeerd aan Julliard met Steve Reich en maakte opnieuw contact met hem na zijn reizen in Europa en India. Beïnvloed door Reichs ritmische faseverschuivende muziek, begon Glass zijn muziek te vereenvoudigen tot wat hij beschreef als ‘muziek met repetitieve structuren. Voorbeelden in deze stijl zijn Strung Out (1967) en Music in 12 Parts (1971-4), een massief stuk van vier uur voor stemmen, elektrische orgels, fluiten en saxofoons. Glass ‘ muziek is vrij eigenzinnig en vaak direct herkenbaar voor een luisteraar die bekend is met zijn werk. Zijn stukken, gebouwd op een fundering van cyclisch herhalende triadische patronen, vertegenwoordigen een unieke samenvloeiing van Indiase muziek, minimalisme en Glass ‘ eigen expressieve gevoeligheid, tegelijk emotioneel geladen en in melancholische terughoudendheid tegengehouden.

https://youtu.be/8f8Zp-i6Lis

Philip Glass, Music in 12 Parts (Part 1)

Young, Riley, Reich en Glass verschenen allemaal rond dezelfde tijd op de muziekscene, waarbij ze zich onderscheiden van het klassieke muziek establishment door muziek die nieuwe hypnotische luisterervaringen creëerde, waarbij opkomende complexiteiten in ritmische en melodische interacties ontstaan uit een radicale eenvoud van materialen. Zoals we echter hebben gezien en gehoord, onderscheiden individuele stilistische verschillen elke componist van elkaar. Young ’s minimalisme benadrukt drones en statische geluiden, en terwijl drones waren ook centraal in Riley’ s muziek, ontwikkelde hij meer ritmische cyclische patronen op de top van de stasis. Reich ‘ s integratie van faseverschuiving en additieve / subtractieve ritmische processen creëerde een minimalisme niet gebaseerd op stasis, maar op tijd en beweging, en Glass nam deze stijl verder door zijn studies met Ravi Shankar en zijn unieke harmonische taal.

“Men” – imalisme: Afgezien van de voorhoede

deze individuele verschillen in beschouwing genomen, is het de moeite waard om op te merken dat alle vier de leden van de voorhoede uiting hebben gegeven aan hun onbehagen om te worden gegroepeerd onder het label van het minimalisme, een voorbode van de manier waarop het minimalisme al snel in vele verschillende richtingen zou uitbreken. In het creëren van het verhaal van de jonge-Riley-Reich-glas “vanguard,” muziekgeschiedenis eindigt ook het passeren van veel componisten die niet perfect passen bij de voorgeschreven mal, glippen door de scheuren van de herkenning. De manier waarop muziekhistorici een voorhoedegroep hebben uitgekozen, geeft ons een inleidend overzicht van de elementen van het vroege minimalisme. Echter, het creëert ook een exclusief, eng Mannelijk verhaal van het minimalisme, het verwaarlozen van de vele vrouwelijke componisten die werkten aan de grenzen van de Central New York minimalism scene. Cruciale vrouwelijke figuren als Pauline Oliveros, Joan La Barbara, Meredith Monk, Eliane Radigue en Laurie Spiegel breidden zich uit over de grenzen van het minimalisme door zich te verdiepen in radicale experimenten in elektronica, computergebaseerde muziek en performance art, en verdienen een eigen post.