Zachodnie sztuki performatywneedytuj
począwszy od VI wieku p. n. e.w Grecji rozpoczął się Klasyczny okres sztuki performatywnej, zapoczątkowany przez tragicznych poetów, takich jak Sofokles. Poeci Ci pisali sztuki, które w niektórych przypadkach włączały taniec (zob. Eurypides). Okres hellenistyczny rozpoczął powszechne stosowanie komedii.
jednak w VI wieku naszej ery Zachodnie Sztuki sceniczne zostały w dużej mierze zakończone, wraz z początkiem ciemnych wieków. Między IX a XIV wiekiem Sztuka teatralna na Zachodzie ograniczała się do religijnych inscenizacji historycznych i sztuk moralnych, organizowanych przez Kościół z okazji Świąt i innych ważnych wydarzeń.
RenaissanceEdit
w XV wieku Sztuki sceniczne, wraz ze sztukami w ogóle, przyniosły ożywienie, gdy Renesans rozpoczął się we Włoszech i rozprzestrzenił się po Europie, niektóre z nich obejmowały taniec, który był wykonywany, a Domenico da Piacenza po raz pierwszy użył terminu ballo (in de Arte Saltandi et Choreas Ducendi) zamiast danza (taniec) dla swoich baletti lub balli. Termin ostatecznie stał się baletem. Pierwszym baletem per se jest Ballet Comique de la Reine Balthasara de Beaujoyeulxa (1581).
do połowy XVI wieku Commedia Dell’ Arte stała się popularna w Europie, wprowadzając improwizacja. W tym okresie wprowadzono również maskę Elżbietańską, w której występowała muzyka, taniec i wyszukane kostiumy, a także profesjonalne zespoły teatralne w Anglii. Sztuki Williama Szekspira pod koniec XVI wieku rozwinęły się z tej nowej klasy profesjonalnego wykonania.
w 1597 roku wystawiono pierwszą operę, Dafne, a w XVII wieku opera szybko stała się ulubioną rozrywką dla arystokracji w większości Europy, a ostatecznie dla dużej liczby ludzi żyjących w miastach i miasteczkach w całej Europie.
współczesny eraEdit
wprowadzenie łuku proscenium we Włoszech w XVII wieku ustanowiło tradycyjną formę teatralną, która utrzymuje się do dziś. Tymczasem w Anglii purytanie zabronili aktorstwa, co spowodowało wstrzymanie sztuk scenicznych, które trwało do 1660 roku. Następnie kobiety zaczęły pojawiać się zarówno w sztukach francuskich, jak i angielskich. Francuzi wprowadzili formalną naukę tańca pod koniec XVII wieku.
to również w tym czasie pierwsze sztuki wystawiano w koloniach amerykańskich.
w XVIII wieku wprowadzenie popularnej opery buffa przyniosło masom operę jako przystępną formę przedstawienia. Wesele Figara i Don Giovanniego Mozarta to punkty orientacyjne opery końca XVIII wieku.
na przełomie XIX i XX wieku Beethoven i ruch Romantyczny zapoczątkowali nową erę, która doprowadziła najpierw do spektakli wielkiej opery, a następnie do dramatów muzycznych Giuseppe Verdiego i Gesamtkunstwerk (total work of Art) oper Richarda Wagnera, prowadzących bezpośrednio do muzyki XX wieku.
wiek XIX był okresem rozwoju sztuk scenicznych dla wszystkich klas społecznych, postępu technicznego, takiego jak wprowadzenie światła gazowego do teatrów, burleski, tańca minstrela i Teatru Rozmaitości. W balecie kobiety robią wielki postęp w sztuce zdominowanej wcześniej przez mężczyzn.
Taniec Nowoczesny rozpoczął się pod koniec XIX wieku i na początku XX wieku w odpowiedzi na ograniczenia tradycyjnego baletu.
„System” Konstantego Stanisławskiego zrewolucjonizował aktorstwo na początku XX wieku i do dnia dzisiejszego ma duży wpływ na aktorów sceny i ekranu. Zarówno Impresjonizm, jak i współczesny realizm zostały wprowadzone na scenę w tym okresie.
pojawienie się baletów Siergieja Diagilewa Russes (1909-1929) zrewolucjonizowało balet i sztuki widowiskowe na całym świecie zachodnim, przede wszystkim poprzez nacisk Diagilewa na współpracę, która połączyła choreografów, tancerzy, scenografów/artystów, kompozytorów i muzyków, aby ożywić i zrewolucjonizować balet. Jest to niezwykle złożone.
wraz z wynalezieniem filmu pod koniec XIX wieku przez Thomasa Edisona i rozwojem przemysłu filmowego w Hollywood na początku XX wieku, film stał się dominującym medium performatywnym w XX i XXI wieku.
Rhythm and blues, kulturowy fenomen czarnej Ameryki, stał się widoczny na początku XX wieku; wpływając na szereg późniejszych stylów muzyki popularnej na całym świecie.
w latach trzydziestych Jean Rosenthal wprowadził nowoczesne oświetlenie sceniczne, zmieniając charakter sceny, ponieważ musical broadwayowski stał się fenomenem w Stanach Zjednoczonych.
po II wojnie światowej Sztuka teatralna została podkreślona przez odrodzenie się zarówno baletu, jak i opery w świecie zachodnim.XX wieku postmodernizm w sztukach performatywnych zdominował w dużym stopniu współczesny teatr uliczny w La Chaux-de-Fonds.
wschodnie sztuki teatralneedytuj
Bliski Wschódedytuj
najwcześniejsze odnotowane wydarzenie teatralne pochodzi z roku 2000 pne ze sztukami pasyjnymi starożytnego Egiptu. Ta historia boga Ozyrysa była wystawiana corocznie na festiwalach w całej cywilizacji, co stanowiło znany początek długiej relacji między teatrem a religią.
najbardziej popularnymi formami teatru w średniowiecznym świecie islamskim były Teatr Lalek (w tym lalki ręczne, sztuki cieni i produkcje marionetek) i żywe sztuki pasyjne znane jako ta ’ Ziya, gdzie aktorzy odtwarzają epizody z historii muzułmańskiej. W szczególności szyickie sztuki Islamskie obracały się wokół shaheed (męczeństwa) synów Alego Hasana ibn Alego i Husajna ibn Alego. Żywe świeckie sztuki były znane jako akhraja, zapisywane w średniowiecznej literaturze adab, choć były mniej powszechne niż lalkarstwo i Teatr ta ’ Ziya.
IranEdit
w Iranie istnieją inne formy wydarzeń teatralnych, takie jak Naghali (opowiadanie historii), ٰRu-Howzi, Siah-Bazi, Parde-Khani, Mareke giri.
IndiaEdit
Teatr Ludowy i dramaty można przypisać religijnemu rytualizmowi Ludów wedyjskich w II tysiącleciu p. n. e. Ten teatr ludowy mglistej przeszłości miesza się z tańcem, jedzeniem, rytualizmem, a także przedstawieniem wydarzeń z życia codziennego. Ostatni element sprawił, że powstał on z klasycznego teatru późniejszych czasów. Wielu historyków, zwłaszcza D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya itp. nawiązywali do rozpowszechnienia rytualizmu wśród plemion Indo-aryjskich, w których niektórzy członkowie plemienia zachowywali się tak, jakby byli dzikimi zwierzętami, a inni byli myśliwymi. Ci, którzy działali jako ssaki, takie jak kozy, bawoły, renifery, małpy itp. byli ścigani przez tych, którzy odgrywali rolę myśliwych.
Bharata Muni (fl. V–II wiek p. n. e.) był starożytnym indyjskim pisarzem, najbardziej znanym z pisania Natya Shastra of Bharata, teoretycznego Traktatu o indyjskich sztukach scenicznych, w tym teatrze, tańcu, aktorstwie i muzyce, który został porównany do poetyki Arystotelesa. Bharata jest często znany jako ojciec indyjskich sztuk teatralnych. Jego Natya Shastra wydaje się być pierwszą próbą systematycznego rozwijania techniki, a raczej sztuki dramatu. Natya Shastra mówi nam nie tylko o tym, co ma być przedstawione w dramacie, ale także o tym, jak ma być zrobione przedstawienie. Dramat, jak mówi Bharata Muni, jest naśladownictwem ludzi i ich uczynków (loka-vritti). Tak jak ludzie i ich czyny muszą być szanowane na scenie, tak dramat w sanskrycie znany jest również pod pojęciem roopaka, co oznacza portretowanie.
Ramajana i Mahabharata można uznać za pierwsze uznane sztuki, które powstały w Indiach. Te epiki były inspiracją dla najwcześniejszych indyjskich dramatystów i robią to do dziś. Indyjscy dramatyści, tacy jak Bhāsa w II wieku p. n. e., pisali sztuki, które były silnie inspirowane Ramajaną i Mahabharatą.
Kālidāsa w I wieku p. n. e.jest prawdopodobnie uważany za największego dramaturga starożytnych Indii. Trzy słynne Romantyczne sztuki napisane przez Kālidāsę to Mālavikāgnimitram (Mālavikā i Agnimitra), Vikramōrvaśīyam (odnoszące się do Vikrama i Urvashi) i Abhijñānaśākuntala (uznanie Shakuntali). Ostatni został zainspirowany historią w Mahabharacie i jest najbardziej znany. Jako pierwszy został przetłumaczony na język angielski i niemiecki. W porównaniu do Bhāsy, który czerpał z epiki, Kālidāsa może być uważany za oryginalnego dramaturga.
kolejnym wielkim dramaturgiem Indyjskim był Bhavabhuti (ok. VII w.). Mówi się, że napisał następujące trzy sztuki: Malati-Madhava, Mahaviracharita i Uttar Ramacharita. Wśród tych trzech, dwie ostatnie okładki między nimi, cała epopeja Ramajany. Potężny indyjski cesarz Harsha (606-648) jest uznawany za autora trzech sztuk: komedii Ratnavali, Priyadarsika i buddyjskiego dramatu Nagananda. W średniowieczu powstało wiele innych dramatów.
było wiele form sztuki performatywnej w południowej części Indii, Kerala jest takim stanem z różnymi takimi formami sztuki jak Koodiyattam, Nangyarkoothu, Kathakali, Chakyar koothu, Thirayattam i było wielu wybitnych artystów, takich jak Painkulam Raman Chakyar i inni.
ChinaEdit
istnieją odniesienia do rozrywek teatralnych w Chinach już od początku 1500 p. n. e. za czasów dynastii Shang; często zajmowali się muzyką, klaunami i pokazami akrobatycznymi.
dynastia Tang jest czasami znana jako „Wiek 1000 rozrywek”. W tej epoce cesarz Xuanzong założył szkołę aktorską znaną jako Dzieci ogrodu gruszek, aby produkować formę dramatu, która była przede wszystkim muzyczna.
w czasach dynastii Han lalkarstwo cieni po raz pierwszy pojawiło się jako uznana forma teatru w Chinach. Istniały dwie odrębne formy kukiełek cieni, kantońska Południowa i pekińska Północna. Oba style były zróżnicowane ze względu na sposób wykonywania lalek i umiejscowienie prętów na lalkach, w przeciwieństwie do rodzaju gry wykonywanej przez lalki. Oba style na ogół wystawiały sztuki przedstawiające wielką przygodę i fantazję, rzadko ta bardzo stylizowana forma teatru była wykorzystywana do propagandy politycznej. Kantońskie kukiełki cieni były większe z dwóch. Zostały zbudowane z grubej skóry, która tworzyła bardziej znaczące cienie. Bardzo rozpowszechniony był również kolor symboliczny; twarz czarna symbolizowała uczciwość, a czerwona odwagę. Pręty używane do sterowania kukiełkami Kantońskimi były przymocowane prostopadle do głów kukiełek. W ten sposób nie byli widziani przez publiczność, gdy powstał Cień. Kukiełki Pekińskie były delikatniejsze i mniejsze. Były one tworzone z cienkiej, półprzezroczystej skóry, zwykle pobieranej z brzucha osła. Malowane były żywymi farbami, przez co rzucały bardzo kolorowy cień. Cienkie pręty, które kontrolowały ich ruchy, były przymocowane do skórzanego kołnierza na szyi lalki. Pręty biegły równolegle do ciał lalki, a następnie obracały się pod kątem dziewięćdziesięciu stopni, aby połączyć się z szyją. Podczas gdy pręty te były widoczne podczas rzucania cienia, leżały poza cieniem marionetki; w ten sposób nie przeszkadzały w wyglądzie postaci. Pręty przymocowane na szyjkach, aby ułatwić korzystanie z wielu głów z jednym ciałem. Gdy głowy nie były używane, były przechowywane w muślinowej książce lub pudełku wyłożonym tkaniną. Głowy były zawsze usuwane w nocy. Było to zgodne ze starym przesądem, że jeśli pozostawione w stanie nienaruszonym, marionetki ożywają w nocy. Niektórzy lalkarze posunęli się tak daleko, że przechowywali głowy w jednej książce, A ciała w drugiej, aby jeszcze bardziej ograniczyć możliwość reanimacji lalek. Mówi się, że lalkarstwo cieni osiągnęło najwyższy punkt rozwoju artystycznego w XI wieku, zanim stało się narzędziem rządu.
w okresie dynastii Song było wiele popularnych sztuk z udziałem akrobatyki i muzyki. Te rozwinęły się w dynastii Yuan w bardziej wyrafinowaną formę o strukturze cztero – lub pięcioaktowej. Dramat Yuan rozprzestrzenił się w Chinach i urozmaicił liczne formy regionalne, z których najbardziej znaną jest Opera pekińska, która jest popularna do dziś.
ThailandEdit
w Tajlandii tradycją od średniowiecza była sztuka sceniczna oparta na wątkach zaczerpniętych z indyjskich Epik. W szczególności teatralna wersja Narodowego epopei Tajlandii Ramakien, Wersja indyjskiej Ramajany, pozostaje popularna w Tajlandii do dziś.
Kambodżyedytuj
w Kambodży inskrypcje datowane na VI wiek n. e.wskazują na obecność tancerzy w miejscowej świątyni i używanie lalek do przedstawień religijnych. W starożytnej stolicy Angkor Wat na ścianach świątyń i pałaców wyrzeźbiono opowieści z indyjskich eposów Ramayana i Mahabharata. Podobne płaskorzeźby znajdują się w Borobudur w Indonezji.
JapanEdit
w XIV wieku w Japonii istniały małe grupy aktorów, którzy wykonywali krótkie, czasem wulgarne komedie. Dyrektor jednej z tych firm, Kan ’ ami (1333-1384), miał syna, Zeami Motokiyo (1363-1443), który był uważany za jednego z najlepszych aktorów dziecięcych w Japonii. Kiedy zespół Kan ’ ami występował dla Ashikagi Yoshimitsu (1358-1408), japońskiego shōgunu, błagał Zeamiego, aby otrzymał dworskie wykształcenie dla swojej sztuki. Po tym, jak Zeami zastąpił swojego ojca, kontynuował występy i dostosowywał swój styl do dzisiejszego Noh. Mieszanka pantomimy i akrobatyki wokalnej, styl teatru Noh stał się jedną z najbardziej wyrafinowanych form teatralnych w Japonii.
Japonia, po długim okresie wojen domowych i politycznego chaosu, została zjednoczona i zaznała pokoju głównie za sprawą shōgun Tokugawa Ieyasu (1600-1668). Jednak zaniepokojony rosnącą liczbą chrześcijan w kraju z powodu prozelitycznych wysiłków chrześcijańskich misjonarzy, odciął kontakty z Japonii do Europy i Chin i zakazał chrześcijaństwa. Kiedy nastał pokój, rozkwit wpływów kulturowych i rosnąca Klasa Kupiecka wymagały własnej rozrywki. Pierwszą formą teatru, która rozkwitła, był Ningyō jōruri (potocznie nazywany Bunraku). Założyciel i główny współpracownik Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), przekształcił swoją formę teatru w prawdziwą formę sztuki. Ningyō jōruri jest wysoce stylizowaną formą teatru wykorzystującą lalki, dziś około 1/3 wielkości człowieka. Ludzie, którzy kontrolują lalki, przez całe życie trenują, aby stać się mistrzami lalek, kiedy mogą sterować głową i prawym ramieniem Lalki i wybrać Pokazywanie twarzy podczas spektaklu. Inni lalkarze, kontrolując mniej ważne kończyny lalki, zakrywają siebie i swoje twarze w czarnym garniturze, aby implikować ich niewidzialność. Dialog jest prowadzony przez jedną osobę, która używa różnych tonów głosu i sposobów mówienia, aby symulować różne postacie. Chikamatsu napisał Tysiące sztuk w ciągu swojego życia, z których większość jest używana do dziś.
Kabuki powstało krótko po Bunraku, legenda głosi, że była to aktorka o imieniu Okuni, która żyła około końca XVI wieku. Większość materiału kabuki pochodzi z Noh i Bunraku, a jego nieregularne ruchy taneczne są również efektem Bunraku. Jednak kabuki jest mniej formalne i bardziej odległe od Noh, ale bardzo popularne wśród japońskiej publiczności. Aktorzy są szkoleni w wielu różnych dziedzinach, takich jak taniec, śpiew, pantomima, a nawet akrobatyka. Kabuki były najpierw wykonywane przez młode dziewczęta, potem przez młodych chłopców, a pod koniec XVI wieku kompanie kabuki składały się ze wszystkich mężczyzn. Mężczyźni, którzy przedstawiali kobiety Na scenie, zostali specjalnie przeszkoleni, aby wydobywać istotę kobiety w subtelnych ruchach i gestach.
Historia afrykańskich sztuk scenicznychedit
Historia Sztuk Scenicznych w Amerykachedytuj
Historia sztuk performatywnych w Oceaniiedit