„to, co usłyszysz, zależy od tego, jak skupisz się na uchu. Nie mówimy tu o wynalezieniu nowego języka, ale o wynalezieniu nowego postrzegania istniejących języków.”- Philip Glass

Jeśli ostatnio dostroiłeś się do wszystkich klasycznych Portland, być może natknąłeś się na muzykę, której uszy nie spodziewały się usłyszeć od klasycznej stacji radiowej. W ostatni środowy poranek Christa Wessel udostępniła Etiudę fortepianową nr 6 Philipa Glassa z nowej płyty Víkingura Ólafssona. Pewnej późnej czwartkowej nocy Andrea Murray potraktowała nas Maxem Richterem o naturze światła dziennego. Choć oba te utwory można uznać za utwory” klasyczne”, wyróżniają się one przenikaniem kultury popularnej i rozrywki – zarówno Glass, jak i Richter skomponowali wiele dla filmów i telewizji.

utwory Richtera i Glass można opisać jako przykłady z ruchu i gatunku w muzyce klasycznej znanego jako „minimalizm.”Minimalizm rozpoczął się w połowie lat 60.na eksperymentalnych obrzeżach muzyki klasycznej. Obecnie minimalizm stał się międzynarodowym zjawiskiem, które głęboko wpłynęło na kierunek nowej muzyki w Stanach Zjednoczonych i poza nimi, prowadząc do twierdzenia o minimalizmie jako „wspólnym języku muzycznym” końca XX i początku XXI wieku.

Philip Glass, Études, No. 6, w wykonaniu Víkingura Ólafssona

minimalizm jest również doskonałym przykładem tego, jak etykiety i kategorie w muzyce i sztuce mogą być z natury ograniczone, co utrudnia dostrzeżenie, jak trendy rosną, zmieniają się, redefiniują się w czasie. Absorbując różnorodność wpływów, a z kolei wpływając na tak wiele obszarów naszej kultury muzycznej, minimalizm przełamuje mury powszechnie wykute między sztuką ” wysoką „i” niską ” w muzyce klasycznej. Minimalizm dotarł do zakątków niemal każdej części kultury muzycznej, od muzyki filmowej po popowe albumy, jazzowe riffy po współczesne Klasyczne pejzaże dźwiękowe. I wyrosła poza własną markę: ewoluowała w czasie, rozgałęziała się, stając się czymś prawdopodobnie bardziej „maksymalnym” niż minimalnym.

Max Richter, „On the Nature of Daylight” w wykonaniu zespołu Ataneres

Co się dzieje, gdy muzyka wydaje się przekraczać granice tego, co „Klasyczne”? Co się dzieje, gdy muzyka próbuje zamknąć riff stworzony między kompozytorem a publicznością w muzyce modernistycznej z początku XX wieku? Co się dzieje, gdy muzyka re-conceptualizuje sedno tego, jak słuchamy, łącząc publiczność z dźwiękiem jako doświadczeniem trzewnym i emocjonalnym? To historia muzyki minimalistycznej.

pochodzenie minimalizmu i czterech „awangardowych” kompozytorów

podróż, jaką odbył minimalizm, jest długa, ale zacznijmy od początku. Oryginalny minimalistyczny ruch nie ograniczał się do muzyki, dotykając niemal każdej formy sztuki, w tym sztuk wizualnych, literatury, filmu. Minimalizm powstał na przełomie lat 50.i 60. XX wieku w Nowym Jorku i San Francisco, w wyniku działalności podziemnej w kinie, muzyce, malarstwie i rzeźbie. Istniały silne powiązania między wczesnymi minimalistycznymi kompozytorami i artystami, a występy odbywały się często w galeriach sztuki i loftach, a nie w tradycyjnych salach koncertowych. I podobnie jak w sztuce minimalistycznej, minimalistyczni Kompozytorzy reagowali na złożoność, gęstość i samą trudność najnowszej muzyki modernistycznej.

charyzmatyczna grupa czterech kompozytorów jest zazwyczaj określana jako „awangardowi” kompozytorzy muzyki minimalistycznej. Wszyscy urodzili się w ciągu kilku lat od siebie-La Monte Young (ur. 1935), Terry Riley (ur. 1935), Steve Reich (ur. 1936) i Philip Glass (ur. 1937). Eklektyczny wachlarz pomysłów muzycznych wpłynął na tę początkową grupę, co utrudniało opisanie samego ruchu w jakikolwiek inny sposób niż szeroko rozumiany. Możemy jednak wymienić pewne podobieństwa. Podstawą minimalizmu jest redukcja materiałów do minimum. Procedury są uproszczone, a często to, co dzieje się w muzyce, jest natychmiast widoczne dla słuchacza. Muzyka minimalistyczna charakteryzuje się zazwyczaj powtarzalnością, diatonicznymi skalami i harmoniami, siatką stabilnych bitów, bez zmiany tempa (upodabniając ją do niektórych gatunków muzyki barokowej), dynamiką monochromatyczną lub szeregową (w przeciwieństwie do ekspresyjnej płynności epok romantycznych i modernistycznych).

wszyscy czterej z tych awangardowych kompozytorów wychowali się w zachodniej tradycji klasycznej, studiując muzykę w różnych prestiżowych szkołach muzyki klasycznej. Kompozytorzy Ci wyróżniają się jednak sposobem, w jaki tworzyli sztukę, która stała poza establishmentem – będąc pod wpływem innych, nie-zachodnich stylów, w tym indyjskiej Ragi i afrykańskiej perkusji. Muzyka minimalistyczna jest często postrzegana jako odrzucenie europejskich trendów modernistycznych, takich jak złożony i matematycznie ścisły serializm. W muzyce minimalistycznej celowo rzadko wykorzystuje się tradycyjne elementy formy i stylu. Powraca do korzeni, podstawowych elementów muzyki: melodii, modalności i rytmu.

kluczowym poprzednikiem radykalnej prostoty minimalizmu były najnowsze awangardowe trendy w muzyce, zwłaszcza muzyka Johna Cage ’ a. Na przykład 4’33” Cage ’ a sięgają skrajności redukcjonizmu i można je uznać za ostateczną minimalistyczną kompozycję – wykonawca nie gra ani jednej nuty, pozwalając codziennym dźwiękom formułować dźwiękowe doświadczenie utworu. Kolejnym aspektem minimalizmu zaczerpniętym z awangardy była aleatoryka: tworzenie nieprzewidywalności w wykonaniu poprzez rezygnację z Konwencji rytmu i tempa. Techniki aleatoryczne są szczególnie stosowane w muzyce La Monte Younga. Weźmy na przykład „melodyjną wersję drugiego snu High-Tension Line Stepdown Transformer” Younga z The Four Dreams Of China (tak, kęs tytułu). Utwór jest grany przez osiem wyciszonych trąbek, które grają cztery wyraźne, powtarzające się tony w spontanicznym, improwizowanym stylu.

La Monte Young, „melodyjna Wersja drugiego snu High-Tension Line Stepdown Transformer” z The Four Dreams Of China, wykonywana przez Theater of Eternal Music Brass Ensemble

La Monte Young jest prawdopodobnie najmniej znanym z awangardy minimalistycznej, ale ogólnie uważa się, że zapoczątkował ruch swoimi utworami „długotonnymi”. Podczas studiów na Uniwersytecie w Berkeley w 1958 roku Young zgłosił do swojej klasy kompozycji utwór o nazwie Trio for Strings. Nie jest to jednak zwykłe Trio: jest długie, monotonne i składa się tylko z trzech dźwięków. Jego profesor odmówił przyznania mu oceny za pracę. Za tym jednak kryje się myśl: wejścia i wyjścia trzech tonów są w tempie, aby stworzyć różne efekty harmoniczne, które pojawiają się w fakturze i poza nią.

Trio smyczkowe Younga odzwierciedla wiele jego późniejszej muzyki, która skupia się na niewielkiej liczbie dźwięków utrzymywanych przez długi czas. Jego kompozycja 1960 nr 7, na przykład, składa się tylko z nut B I F#, poinstruowany ” trzymać przez długi czas.”Żółw Młody: Jego marzenia i Podróże (1964) to rodzaj improwizacji, w której instrumentaliści i śpiewacy wchodzą i wychodzą na różnych harmonicznych nad dronem przez syntezator.

mając niewiele do słuchania w rzadkich partiach Younga, Uwaga słuchacza jest skierowana na bardziej minutowe zmiany wysokości i barwy, które zdarzają się, gdy muzyk próbuje utrzymać wysokość na swoim instrumencie. Muzyka Younga jest uderzająca, ponieważ celowo lekceważy skłonność muzyki klasycznej do bycia narracją teleologiczną z wyraźnym otwarciem, rozwojem, kulminacją i rozdzielczością. W muzyce Younga kierunkowość ukierunkowana na cele zostaje zastąpiona jawną stazą.

https://www.youtube.com/watch?v=-No6_12i_BE

La Monte Young, Trio na smyczki, w wykonaniu Trio Basso.

To właśnie brak struktury i narracji Trio smyczkowe Younga prawdopodobnie przyczynił się do tego, że jego profesor odmówił mu oceny za projekt. Utwór był jednak podziwiany przez kolegę, Terry ’ ego Rileya, naszego drugiego kompozytora awangardowego. Riley, który kiedyś występował w zespole Younga, oddzielił się od Younga, eksplorując wzorce z większą powtarzalnością niż podtrzymywanie tonów. Riley jest znany ze swoich eksperymentów z pętlami taśmowymi, krótkimi odcinkami splecionej taśmy, które po podaniu przez Magnetofon odtwarzają te same dźwięki w kółko. Jego utwór Mescalin Mix (1960-62) układa wiele takich pętli na regularnym pulsie, tworząc przerażający kolaż interakcji ze sobą fraz i wypowiedzi.

najbardziej znane dzieło Riley, In C (1964), stosuje podobny proces do żywych instrumentów. Utwór składa się z 53 komórek melodycznych w numerowanej kolejności, Cała partytura mieści się na jednej stronie. Utwór może być wykonywany przez dowolną grupę instrumentów, z jednym wykonawcą zapewniającym silnik rytmiczny na nucie C. gdy wykonawcy poruszają się po każdej komórce, liczba powtórzeń w każdej części i koordynacja partii pozostają nieokreślone. Efektem dźwiękowym jest nieprzewidywalny i ciągle zmieniający się krajobraz warstwowych dźwięków nad impulsem hipnotycznym, ze stopniowym przechodzeniem od spółgłoski do dysonansu iz powrotem, gdy pewne nuty są wprowadzane i znikają z komórek. Technika Rileya polegająca na powtarzaniu komórek materiału nazywana jest modularyzmem: wykorzystywaniem powtarzającego się, przypominającego komórki motywu jako podstawy całego dzieła – innymi słowy, przyjmowaniem powtórzeń w ekstremalnym stopniu.

Terry Riley w C w wykonaniu Akademii VENI.

Steve Reich, nasz trzeci awangardowy kompozytor, rozwinął tę ideę modularyzmu, wykorzystując ją do stworzenia zorientowanego na proces języka muzycznego subtelnie zmieniających się elementów, które zmieniają się w czasie. Wiele kompozycji Reicha wykorzystuje technikę zwaną przesunięciem fazowym, w której muzycy grają ten sam materiał, ale „poza fazą” ze sobą, jak blisko rozstawiony kanon, z każdą częścią zaczynającą się w nieco innym czasie, a nawet przebiegającą z inną prędkością od siebie.

podobnie jak Riley, początkowe muzyczne poszukiwania Reicha były nagrywane na taśmie. Jego pierwsza taśma z przesunięciem fazowym, It ’ s Gonna Rain, zaczyna się od powtarzającej się pętli nagrania kaznodziei na Nowojorskiej ulicy. Reich podwaja pętlę tak, że dwie kopie grają jednocześnie, ale z nieco inną prędkością. Jedna pętla stopniowo przesuwa się przed drugą, powodując, że pętle stopniowo przesuwają się ze sobą w rytm, jak obracanie muzycznego kalejdoskopu. Kolejną wczesną taśmą Reicha jest jego Come Out (1966). Ponownie Reich zaczyna się od pętli taśmy z wypowiedzianą frazą („come out to show them”). Tym razem jednak Tekstura rozrasta się od dwóch, do czterech, do ośmiu równoległych pętli, z których każda jest nieco poza fazą. Słowa mówcy stają się niezrozumiałe, pozostaje masa samogłosek i spółgłosek.

Steve Reich, It ’ s Gonna Rain

Reich zastosował później swoją koncepcję przesunięcia fazowego do instrumentów akustycznych. Na przykład jego Faza fortepianowa (1967) odtwarza ten efekt nie taśmą, a dwoma fortepianami. Oba fortepiany zaczynają się od powtarzania tej samej prostej linii melodycznej w zgodzie, ale jeden fortepian stopniowo przyspiesza, aż jest pełny beat przed drugim fortepianie. Każde wykonanie fazy Fortepianowej będzie nieco inne, ponieważ liczba powtórzeń; szybkość przejść; i w konsekwencji długość utworu zależy od wykonawców. Fascynujące jest obserwowanie, jak nowe rytmy wyłaniają się z nieustannie zmieniających się interakcji między dwiema melodiami Piano Phase. W latach 70. Reich wcisnął się w ten obszar rytmu jeszcze bardziej. Większość jego muzyki stała się zorientowana na perkusję, z nałożonymi warstwami polirytmów, które pod wieloma względami równoległy styl afrykańskiego bębnienia. (Przykładem tego jest jego perkusja z lat 1970-1).

Steve Reich, Piano Phase

Reich założył własny zespół i zarabiał na życie występując, koncertując i nagrywając swoje utwory. Zespół ten przyciągnął szerokie grono słuchaczy, nie tylko ze świata klasycznego, ale tych, którzy są przyzwyczajeni do muzyki jazzowej, rockowej i popowej. Philip Glass, ostatni członek vanguard, był podobny do Reicha w tym, że również wycofał się z establishmentu muzycznego, tworząc własny zespół. Glass wyróżnia się jednak bardziej okrężnymi sposobami dojścia do minimalizmu. Był w Juilliard, kiedy wczesne występy Younga, Reicha i Rileya miały miejsce w Nowym Jorku, a następnie wyjechał studiować kompozycję w Paryżu u Nadii Boulanger. To właśnie tam Glass stał się pod wpływem muzyki nie-Zachodniej, szczególnie poprzez współpracę z wielkim indyjskim sitarystą Ravi Shankarem. Glass został asystentem Shankara przy ścieżce dźwiękowej do filmu Chappaqua z 1966 roku, a jego twórczość od lat 60.stała się silnie ukształtowana przez Hindustani muzykę klasyczną. Różne aspekty tego stylu – w tym okrągła organizacja rytmiczna, melodyjność i proste progresje harmoniczne, które kładą nacisk na współbrzmienie-równoległe podobne tendencje w minimalizmie.

Ravi Shankar feat Philip Glass, Ragas in moll Scale from Passages

Philip Glass studiował w Julliard u Steve ’ a Reicha i nawiązał z nim kontakt po jego podróżach po Europie i Indiach. Pod wpływem rytmicznej muzyki zmieniającej fazę Reicha, Glass zaczął upraszczać swoją muzykę do tego, co opisał jako ” muzykę o powtarzalnych strukturach.”Przykłady w tym stylu to Strung Out (1967) i Music in 12 Parts (1971-4), masywny czterogodzinny utwór na głosy, organy elektryczne, flety i saksofony. Muzyka Glass jest dość idiosynkratyczna i często od razu rozpoznawalna dla słuchacza zaznajomionego z jego twórczością. Jego utwory, zbudowane na fundamentach cyklicznie powtarzających się triadycznych wzorów, stanowią unikalne połączenie muzyki indyjskiej, minimalizmu i własnej ekspresyjnej wrażliwości Glass ’ a, jednocześnie naładowanej emocjonalnie i powstrzymanej w melancholijnej powściągliwości.

https://youtu.be/8f8Zp-i6Lis

Philip Glass, Music in 12 Parts (Part 1)

Young, Riley, Reich i Glass pojawili się na scenie muzycznej w tym samym czasie, wyróżniając się od establishmentu muzyki klasycznej poprzez muzykę, która stworzyła nowe hipnotyczne wrażenia słuchowe, w których wyłaniające się zawiłości w rytmicznych i melodycznych interakcjach wynikają z radykalnej prostoty materiałów. Jak jednak widzieliśmy i słyszeliśmy, poszczególne różnice stylistyczne odróżniają każdego kompozytora od siebie. Minimalizm Younga kładzie nacisk na Drony i statyczne dźwięki, a podczas gdy drony były również centralne dla muzyki Riley, rozwijał bardziej rytmiczne, cykliczne wzory na szczycie stazy. Zastosowanie przez Reicha przesunięć fazowych i addytywnych / subtraktywnych procesów rytmicznych stworzyło minimalizm oparty nie na zastoju, ale na czasie i ruchu, a Glass wziął ten styl dalej dzięki studiom z Ravi Shankarem i jego unikalnym językiem harmonicznym.

” Men ” – imalizm: Poza awangardą

warto zauważyć, że wszyscy czterej członkowie awangardy wyrazili niepokój z powodu zgrupowania pod szyldem minimalizmu, co jest zapowiedzią sposobu, w jaki minimalizm wkrótce pojawi się w wielu różnych kierunkach. Tworząc historię młodej-Riley-Reich-Glass „vanguard”, historia muzyki przechodzi również przez wielu kompozytorów, którzy nie pasują do przepisanej formy, prześlizgując się przez szczeliny uznania. Sposób, w jaki historycy muzyki wyróżnili grupę awangardową, pozwala nam na wstępny przegląd elementów wczesnego minimalizmu. Tworzy jednak również ekskluzywną, wąsko męską narrację minimalizmu, pomijając wiele kobiet-kompozytorek, które pracowały na pograniczach centralnej nowojorskiej sceny minimalizmu. Ważne postaci kobiece, takie jak Pauline Oliveros, Joan La Barbara, Meredith Monk, Eliane Radigue i Laurie Spiegel, wykraczają poza granice minimalizmu, zagłębiając się w radykalne eksperymenty w dziedzinie elektroniki, muzyki komputerowej i sztuki performance i zasługują na samodzielne stanowisko.

Weźmy na przykład Midori Takadę, kobietę kompozytorkę i perkusistkę w Japonii, która wydała serię płyt – najpierw z zespołem Mkwaju, potem samodzielnie – w latach 80. Takada gra imponującą gamę instrumentów i znalezionych przedmiotów – od marimb i gongów po okaryny i butelki Coca-Coli – używając warstw overdubów, aby stworzyć własny zespół. Jej prace przywołują wiele aspektów minimalizmu. W jej albumie z 1983 roku Through the Looking Glass, warstwowe tekstury i przeplatające się rytmiczne wzory przywołują Steve ’ a Reicha, z klimatycznym i hipnotycznym odczuciem podobnym do utworów Younga i Rileya opartych na dronach. Ostatecznie jednak Takada tworzy kontemplacyjny i kapryśny dźwięk, który jest unikalny tylko dla niej.

Midori Takada, ” Mr. Marzenie Henriego Rousseau” from Through The Looking Glass

minimalizm jako nowy sposób słuchania

czy mimo braku bezpośredniego związku z oryginalną awangardą można nazwać dzieło Takady „minimalizmem”? Zamiast kojarzyć styl minimalistyczny z pewnym pokoleniem kompozytorów lub niektórymi nazwanymi technikami kompozytorskimi, bardziej pomocne może być postrzeganie minimalizmu jako muzyki zachęcającej do pewnego sposobu słuchania.

często słyszy się muzykę minimalistyczną określaną jako hipnotyczną lub medytacyjną. W muzyce Glass cykliczne powtarzanie akordów tworzy poruszający gobelin dźwięków, pogrążając słuchaczy z otwartymi uszami w zmienionym stanie psychicznym. Nie musisz zwracać uwagi na każdą nutę, gdy przechodzi, aby poczuć efekt muzyki. W rzeczywistości często nie można, ze zbyt wieloma warstwami rytmicznymi i melodycznymi, aby wybrać jedną linię z reszty faktury. W ten sposób słuchanie muzyki minimalistycznej jest jak słuchanie deszczu – nie słychać każdej kropli w izolacji, a uszy zanurzają się w symfonii interakcji.

kluczem jest tu to, że muzyka minimalistyczna jest nieteologiczna. Większość muzyki klasycznej podąża za linearną, łukowatą fabułą, z harmonią i melodią, które poruszają się we wzorach budowania antycypacji i napięcia, do szczytu i uwolnienia. Muzyka minimalistyczna, jak zauważa muzykolog Susan McClary, wydaje się nie mieć czasu przeszłego ani przyszłego, a teraźniejszość –to, co dzieje się tutaj – wydaje się rozwijać w nieskończoność. Niekoniecznie istnieje Odczuwalna potrzeba” dotarcia ” gdziekolwiek. W tej przestrzeni słuchacz podróżuje między warstwami chwili obecnej. Gdyby melodia była osią x, a harmonia osią y w płaszczyźnie Muzycznej, to przesuwające się rytmy i wyłaniające się fakturalne zagęszczenie minimalizmu tworzy nową oś x, dodatkowy trzeci wymiar doświadczenia muzycznego.

Steve Reich, Kontrapunkt wiolonczelowy w wykonaniu Rose Bellini

słuchanie muzyki minimalistycznej jest jak bycie w środku procesu. W eseju „Muzyka jako proces stopniowy” Reich opisuje swoją muzykę jako proces, który raz skonfigurowany i załadowany, działa sam. Kompozytor odsuwa się od materiałów i pozwala bloom uzyskać efekt dźwiękowy większy niż jakikolwiek indywidualny twórca, Stojący sam na sam niemal jak siła natury. Doświadczenie muzyki minimalistycznej jest INNE niż tylko chodzenie do gotowego obrazu, to podróż, którą musisz przejść od początku do końca, aby uzyskać pełny efekt utworu. Słuchanie bardzo stopniowych zmian między powtarzającymi się partiami pozwala na doświadczanie interakcji między melodiami, rytmami i harmoniami, na każdym etapie ich relacji.

gdzie stąd poszedł minimalizm, jako muzyka radykalnie zorientowana na proces? Przeczytaj część drugą, aby zapoznać się z resztą historii minimalizmu.

1. Allan, Jennifer Lucy. „The Trouble With Menimalism: Rescuing Histories From The Cutting Room Floor.”Quietus. 20 Mar 2018. Www. [Dostęp 2 Maja 2018] http://thequietus.com/articles/24245-minimalism-sexism
2. 9. W. W. Norton & Druk.
3. Davis, Elizabeth. „Przedstawiamy Philip Glass: Dzielna, ale niezwykle wpływowa postać w muzyce współczesnej.”Royal Opera House. 29 września 2014 r. Www. 15.04.2018. http://www.roh.org.uk/news/introducing-philip-glass-a-divisive-but-hugely-influential-figure-in-contemporary-music
4. Dayal, Geeta. „Ambient pioneer Midori Takada:” wszystko na tej ziemi ma dźwięk.”The Guardian. 24 Mar 2017. Www. 15.04.2018. https://www.theguardian.com/music/2017/mar/24/midori-takada-interview-through-the-looking-glass-reissue
5. „Kurs Postminimalizmu.”KyleGann.com.Web. 29.03.10, 00: 00 http://www.kylegann.com/AshgatePostminimalism.html
6. „A Forest from the Seeds of Minimalism: An Essay on Postminimal and Totalist Music.”Program Festiwalu minimalizmu Berliner Gesellschaft fur Neue Musik, 1998. Www. 29.03.10, 00: 00 http://www.kylegann.com/postminimalism.html
7. „Adventures in motion and pitches: how minimalism shook up classical music.”The Guardian. 2 Mar 2018. Www. 29.03.10, 00: 00 https://www.theguardian.com/music/2018/mar/02/minimalism-music-revolution-charles-hazelwood
8. maj, Tomasz. „Transforming America’ s Music: a Milestone Year of Adams, Glass, and Reich.”8 lut 2017. Www. 15.04.2018. https://live.stanford.edu/blog/february-2017/transforming-americas-music-milestone-year-adams-glass-and-reich
9. „Muzyka minimalistyczna: od czego zacząć.”Classic FM. 29 lis 2012 Www. 29.03.10, 00: 00 http://www.classicfm.com/discover-music/periods-genres/modern/minimalism-guide/
10. serwis, Tom. „Minimalizm w wieku 50 lat: jak mniej stało się więcej.”The Guardian. 24 lis 2011 Www. 15.04.2018. https://www.theguardian.com/music/2011/nov/24/minimalism-at-50
11. „Szkło rozbija sufit: minimalizm w naszej kulturze powtarzania.”Huffington Post. 19 gru 2013. Www. 15.04.2018. https://www.huffingtonpost.com/yayoi-uno-everett/glass-breaks-the-ceilingm_b_4466034.html