“What you hear depends on how you focus your ear. Não estamos falando de inventar uma nova linguagem, mas sim de inventar novas percepções das línguas existentes.”- Philip Glass
Se você sintonizou todas as Portland clássicas recentemente, você pode ter encontrado alguma música que seus ouvidos não esperavam ouvir de uma estação de rádio clássica. Numa quarta-feira de manhã, Christa Wessel partilhou o Etude de Piano nº 6 de Philip Glass a partir de um novo CD de Víkingur Ólafsson. Uma quinta-feira à noite, Andrea Murray tratou-nos com o Max Richter’s sobre a natureza da luz do dia. Apesar de ambos os trabalhos poderem ser considerados peças “clássicas”, destacam – se pela forma como permeiam a cultura popular e o entretenimento-tanto vidro como Richter compuseram extensivamente para filmes e televisão.as peças de Richter e Glass podem ser descritas como exemplos de um movimento e gênero na música clássica conhecida como “minimalismo”. O minimalismo começou em meados da década de 1960 nos arredores experimentais da música clássica. Agora, o minimalismo tornou-se um fenômeno internacional que influenciou profundamente a direção da nova música nos EUA e além, levando à afirmação do minimalismo como a “linguagem musical comum” do final do século XX e início do século XXI.Philip Glass, Études, No. 6, realizada por Víkingur Ólafsson
o Minimalismo é também um excelente exemplo de como rótulos e categorias, a música e a arte pode ser limitado, o que torna difícil ver como as tendências de crescer, mudar, redefinindo-se ao longo do tempo. Ao absorver uma diversidade de influências, e, por sua vez, influenciando tantas áreas da nossa cultura musical, o minimalismo quebra as paredes comumente forjadas entre a arte “alta” e “baixa” na música clássica. O minimalismo chegou aos cantos de quase todas as partes da cultura musical, desde partituras de filmes até álbuns pop, riffs de jazz até paisagens sonoras clássicas contemporâneas. E cresceu além de seu próprio rótulo: evoluiu ao longo do tempo, ramificando-se, tornando-se algo indiscutivelmente mais “maximal” do que mínimo.
Max Richter, “On the Nature of Daylight,” performed by the Ataneres Ensemble
What happens when a music appears to transgress the boundaries of what is “classical”? O que acontece quando uma música tenta fechar riff criado entre compositor e público na música modernista do início do século XX? O que acontece quando uma música re-conceitualiza o próprio núcleo de como escutamos, reunindo o público com o som como uma experiência visceral e afetivo emocional? Esta é a história da música minimalista.
A Origem do Minimalismo e os quatro compositores de “vanguarda”
A Jornada minimalista tem tomado é longa, mas vamos começar pelo início. O movimento minimalista original não se restringia à música, tocando quase todas as formas de arte, incluindo artes visuais, Literatura, Cinema. O minimalismo originou-se em uma série de atividades underground no cinema, música, pintura e escultura no final dos anos 1950 e início dos anos 1960, centrado em Nova York e São Francisco. Havia fortes ligações entre os primeiros compositores minimalistas e artistas, com performances muitas vezes ocorrendo em galerias de arte e lofts, em vez de locais de concertos tradicionais. E similares à arte minimalista, compositores minimalistas estavam reagindo contra a complexidade, densidade e pura dificuldade da música modernista recente.
um grupo carismático de quatro compositores são tipicamente rotulados nos compositores “vanguard” da música minimalista. Eles nasceram dentro de alguns anos um do outro – La Monte Young (b. 1935), de Terry Riley (b. 1935), Steve Reich (b. 1936), e Philip Glass (b. 1937). Um conjunto eclético de ideias musicais influenciou este grupo inicial, tornando difícil descrever o movimento em si em tudo menos termos amplos. Podemos, No entanto, mencionar algumas semelhanças. O núcleo do Minimalismo é a redução dos materiais ao mínimo. Os procedimentos são simplificados, e muitas vezes o que acontece na música é imediatamente aparente para um ouvinte. A música minimalista apresenta tipicamente repetições, escalas diatônicas e harmonias, uma grade de batidas estáveis, sem uma mudança de ritmo (tornando-a semelhante a certos gêneros da música barroca), e dinâmica monocromática ou em terraços (ao contrário da fluidez expressiva das eras românticas e modernistas).
A “vanguarda” da música minimalista. La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich e Philip Glass.)
notavelmente, todos estes quatro compositores de vanguarda foram criados na tradição clássica ocidental, estudando música em várias prestigiadas escolas de música clássica. No entanto, estes compositores destacam – se pela forma como criaram a arte que estava fora do Estabelecimento-sendo influenciado por outros estilos não-ocidentais, incluindo a Raga indiana e a bateria Africana. A música minimalista é muitas vezes vista como uma rejeição das tendências modernistas europeias, como o serialismo complexo e matematicamente rigoroso. Há um uso intencionalmente escasso de elementos tradicionais de forma e estilo na música minimalista. Ele retorna às raízes, os elementos básicos da música: melodia, modalidade e ritmo.
um antecessor chave para a simplicidade radical do minimalismo foram recentes tendências vanguardistas na música, especialmente a música John Cage. Cage’s 4 ’33”, por exemplo, leva o reducionismo ao extremo, e pode ser visto como a composição minimalista final – o performer não toca uma única nota, permitindo sons diários para formular a experiência auditiva da peça. Outro aspecto minimalismo tirado da vanguarda foi o Aleatório: criar imprevisibilidade no desempenho, abandonando convenções como ritmo e tempo. As técnicas aleatórias são usadas especialmente na música de La Monte Young. Tomemos, por exemplo, a “versão melódica do Segundo Sonho do transformador de linha de Alta Tensão” de Young dos quatro sonhos da China (sim, uma boca cheia de um título). O trabalho é interpretado por oito trompetes silenciados, que tocam quatro tons distintos, recorrentes em um estilo espontâneo e improvisado.
La Monte Young, “O Melódico Versão Do Segundo Sonho, O de Alta-Tensão de Linha Stepdown Transformador” Das Quatro Sonhos Da China, realizado pelo Teatro da Eterna Música Brass Ensemble
La Monte Young é, provavelmente, o menos conhecido dos minimalista de vanguarda, mas ele é geralmente considerado, lançou o movimento com seu longa “tom” de peças. Enquanto estudante de pós-graduação em Berkeley em 1958, Young apresentou um trabalho para sua aula de composição, ele chamou Trio para Cordas. Mas não é apenas um Trio convencional: é longo, monótono, e consiste em apenas três notas. O professor recusou-se a dar-lhe uma nota para o trabalho. Há pensamento por trás dele, no entanto: as entradas e Saídas dos três tons são espaçados para criar diferentes efeitos harmônicos que emergem dentro e fora da textura.o Trio de strings de Young reflete muito de sua música posterior, que centra-se em um pequeno número de lançamentos sustentados por longos períodos de tempo. Sua composição 1960 No. 7, por exemplo, consiste apenas das notas B E F#, instruídas ” para ser realizada por um longo tempo.”O jovem é a tartaruga: Seus sonhos e Viagens (1964) é um tipo de improvisação, onde instrumentistas e cantores entram e saem em várias harmonias sobre um drone por um sintetizador.
com pouco para ouvir nas partituras de Young, a atenção do ouvinte é direcionada para mais pequenas mudanças no tom e timbre que acontecem quando um músico tenta manter um tom em seu instrumento. A música de Young é impressionante porque deliberadamente desconsidera a tendência da música clássica para ser uma narrativa teleológica com uma abertura clara, desenvolvimento, clímax e resolução. Na música de Young, a direcionalidade orientada a objetivos é substituída por uma estase overt.
https://www.youtube.com/watch?v=-No6_12i_BE
La Monte Young, Trio para Cordas, realizado pelo Trio Basso.
foi a falta de estrutura e Trio de narrative Young para cordas que provavelmente contribuiu para seu professor se recusou a dar-lhe uma nota para o projeto. A peça foi, no entanto, admirada por um colega estudante chamado Terry Riley, o nosso segundo compositor de vanguarda. Riley, que já havia se apresentado em um conjunto de Young, ramificou-se de Young explorando padrões com mais repetição do que sustentando tons. Riley é conhecido por seus experimentos com laços de fita, pequenos segmentos de fita que, quando alimentados através de um gravador, tocam os mesmos sons vezes sem conta. Seu pedaço de fita Mescalin Mix (1960-62) acumula muitos laços de fita sobre um pulso regular, criando uma colagem assustadora de frases interagindo e declarações.o trabalho mais conhecido de Riley, em C (1964), aplica um processo semelhante aos instrumentos vivos. A peça consiste em 53 células melódicas em sequência numerada, toda a partitura encaixada numa página. A peça pode ser executada por qualquer grupo de instrumentos, com um executante fornecendo um motor rítmico na nota C. À medida que os artistas se movem através de cada célula, o número de repetições em cada parte e a coordenação das partes são deixadas indeterminadas. O resultado sônico é uma paisagem imprevisível e em constante mudança de sons em camadas sobre um pulso hipnótico, com uma mudança gradual da consonância para a dissonância e para trás, à medida que certas notas são introduzidas e desaparecem das células. A técnica de Riley de repetir células de material é chamada de modularismo: usando um motivo repetido, como célula como a base para um trabalho inteiro – em outras palavras, levando a repetição a um grau extremo.Terry Riley, in C, performed by the VENI Academy.Steve Reich, nosso terceiro compositor de vanguarda, cresceu sobre esta ideia de modularismo, usando-a para criar uma linguagem musical orientada a processos de elementos sutilmente variáveis que mudam ao longo do tempo. Muitas das composições de Reich usam uma técnica chamada mudança de fase, onde os músicos tocam o mesmo material, mas” fora de fase ” uns com os outros como um cânone bem espaçado, com cada parte começando em um momento ligeiramente diferente e até mesmo procedendo a velocidades diferentes um do outro.como Riley, as primeiras explorações musicais de Reich foram gravadas. A sua primeira gravação a usar mudanças de fase, vai chover, começa com uma repetição repetitiva de uma gravação de um pregador numa rua de Nova Iorque. Reich duplica o loop de modo que duas cópias estão jogando ao mesmo tempo, mas em velocidades ligeiramente diferentes. Um loop gradualmente se move à frente do outro, fazendo com que os loops gradualmente se movam dentro e fora do ritmo uns com os outros, como transformar um caleidoscópio musical. Outro pedaço de fita de Reich é seu “Come Out” (1966). Novamente, Reich começa com um loop de fita de uma frase falada (“saia para mostrar a eles”). Desta vez, no entanto, a textura cresce de dois, para quatro, para oito ciclos simultâneos, cada um ligeiramente fora de fase um com o outro. As palavras do orador tornam-se incompreensíveis, permanece uma mistura de vogais e consoantes.Steve Reich, It’s Gonna Rain
Reich later applied his phase-shifting concept to acoustic instruments. Sua fase de Piano (1967), por exemplo, recria este efeito usando Não fita, mas dois pianos. Ambos os pianos começam por repetir a mesma linha melódica simples em uníssono, mas um piano gradualmente acelera até que seja uma batida completa à frente do outro piano. Cada performance de fase de Piano será ligeiramente diferente, como o número de repetições; velocidade das transições; e, consequentemente, o comprimento da peça depende dos artistas. É fascinante observar como novos ritmos emergem das interações sempre em mudança entre as duas melodias da fase de Piano. Na década de 1970, Reich empurrou para esta área de ritmo ainda mais. Grande parte de sua música tornou-se orientada para a percussão, com camadas sobrepostas de polirritmos que, em muitos aspectos, estilos paralelos de bateria Africana. (Um exemplo disso é sua bateria de 1970-1).Steve Reich, fase de Piano, formou seu próprio conjunto e ganhou a vida tocando, excursionando e gravando suas obras. Este conjunto atraiu uma grande variedade de ouvintes, não apenas do mundo clássico, mas aqueles acostumados ao jazz, rock e música pop. Philip Glass, o nosso último membro da vanguarda, era semelhante ao Reich, na medida em que também foi expulso do Estabelecimento musical, formando o seu próprio conjunto. Glass destaca-se, no entanto, através de seus meios mais rotundas de chegar ao minimalismo. Ele estava em Juilliard quando Young, Reich, e as primeiras performances de Riley estavam acontecendo em Nova York, e então saiu para estudar composição em Paris com Nadia Boulanger. Foi lá que o vidro se tornou influenciado pela música não-Ocidental, particularmente através do trabalho com o grande sitarista indiano Ravi Shankar. Glass tornou-se assistente de Shankar na trilha sonora do Filme de 1966 Chappaqua, e seu trabalho desde a década de 1960 tornou-se fortemente moldado pela música clássica Hindustani. Várias facetas deste estilo-incluindo a organização rítmica circular, melodiosidade e progressões harmônicas simples que colocam uma ênfase na consonância – paralelas tendências similares no minimalismo.Ravi Shankar feat Philip Glass, Ragas In Minor Scale from Passages Philip Glass had studied at Julliard with Steve Reich and made contact with him again after his travels in Europe and India. Influenciado pela música rítmica de Reich, Glass começou a simplificar sua música até o que ele descreveu como “música com estruturas repetitivas”. Exemplos neste estilo incluem Strung Out (1967) e música em 12 partes (1971-4), uma peça massiva de quatro horas para vozes, órgãos elétricos, flautas e saxofones. A música de Glass é bastante idiossincrática e muitas vezes imediatamente reconhecível por um ouvinte familiarizado com seu trabalho. Suas peças, construídas sobre uma base de padrões triádicos repetidos ciclicamente, representam uma confluência única de música indiana, minimalismo e sensibilidade expressiva própria de vidro, ao mesmo tempo emocionalmente carregada e retida em contenção melancólica.
https://youtu.be/8f8Zp-i6Lis
Philip Glass, Música em 12 Partes (Parte 1)
Jovens, Riley, Reich, e o Vidro todo surgiu no cenário musical em torno do mesmo tempo, diferenciar-se da música clássica estabelecimento através da música que criou novos hipnóticos ouvir experiências, em que consiste a emergente complexidades rítmicas e melódicas medicamentosas decorrentes de uma radical simplicidade dos materiais. Como vimos e ouvimos, no entanto, as diferenças estilísticas individuais distinguem cada compositor umas das outras. O Minimalismo de Young enfatiza drones e sons estáticos, e enquanto drones também eram centrais para a música de Riley, ele desenvolveu padrões cíclicos mais rítmicos em cima da estase. A incorporação de Reich de mudanças de fase e processos rítmicos aditivos / subtrativos criou um minimalismo baseado não em estase, mas em tempo e movimento, E Glass levou este estilo mais longe através de seus estudos com Ravi Shankar e sua linguagem harmônica única.”Homens” – imalismo: Para além da vanguarda considerada por estas diferenças individuais, vale a pena notar que todos os quatro membros da vanguarda expressaram inquietação ao serem agrupados sob o rótulo de minimalismo, um prenúncio da forma como o minimalismo iria rapidamente surgir em muitas direções diferentes. Ao criar a história da jovem-Riley-Reich-Glass “vanguard”, a história da música também acaba passando por muitos compositores que não se encaixam perfeitamente no molde prescrito, escapando através das rachaduras de reconhecimento. A forma como os historiadores da música têm destacado um grupo de vanguarda ajuda a fornecer-nos uma visão introdutória dos elementos do minimalismo inicial. No entanto, também cria uma narrativa masculina exclusiva de minimalismo, negligenciando as muitas compositoras que trabalhavam nas fronteiras da cena minimalista Central de Nova Iorque. Figuras femininas cruciais como Pauline Oliveros, Joan La Barbara, Meredith Monk, Eliane Radigue, e Laurie Spiegel expandiram-se para além das fronteiras do minimalismo, mergulhando em experiências radicais em eletrônica, música computadorizada e arte de performance, e são merecedores de um post por conta própria.
Midori Takada.
Considere, por exemplo, Midori Takada, uma compositora e percussionista no Japão que lançou uma série de discos – primeiro com o conjunto Mkwaju, depois por conta própria – na década de 1980. Takada toca uma impressionante gama de instrumentos e encontrou objetos – de marimbas e gongs a ocarinas e garrafas de Coca-Cola – usando camadas de overdubs para criar um conjunto próprio. Seu trabalho lembra vários aspectos do minimalismo. Em seu álbum de 1983 através do “Looking Glass”, texturas em camadas e padrões rítmicos entrelaçados lembram Steve Reich, com uma sensação atmosférica e hipnótica semelhante às obras de Young e Riley baseadas em drones. No final, no entanto, Takada cria um som contemplativo e caprichoso que é único para ela sozinha.Midori Takada, “Mr. O sonho de Henri Rousseau “from Through the Looking Glass
Minimalism as a New Way of Listening
Can we call takada’s work” minimalism ” despite a lack of direct association with the original vanguard? Ao invés de associar o estilo minimalista com uma certa geração de compositores ou certas técnicas de composição denominadas, seria mais útil ver o minimalismo como uma música que encoraja uma certa forma de ouvir.é comum ouvir música minimalista descrita como hipnótica ou meditativa. Na música de Glass, a repetição cíclica de acordes cria uma tapeçaria móvel de sons, mergulhando ouvintes abertos em um estado psicológico alterado. Você não precisa prestar atenção a cada nota à medida que passa para sentir o efeito da música. Na verdade, você muitas vezes não pode, com muitas camadas rítmicas e melódicas para escolher uma linha do resto da textura. Desta forma, ouvir música minimalista é muito parecido com ouvir a chuva – você não ouve cada gota em isolamento, ao contrário, seus ouvidos ficam imersos em uma sinfonia de interações.
A chave aqui é que a música minimalista é não-teleológica. A maioria da música clássica segue um enredo linear, em forma de arco, com harmonia e melodia que se movem em padrões de antecipação e tensão de construção, para um pico e lançamento. A música minimalista, como observa a musicóloga Susan McClary, parece não ter tempo passado ou futuro, com o presente –o que está acontecendo aqui – parecendo se desdobrar para sempre. Não há necessariamente uma necessidade sentida de “chegar” em qualquer lugar. Neste espaço, o ouvinte é taxa para viajar entre as camadas do momento presente. Se a melodia fosse o eixo x e a harmonia fosse o eixo y em um plano musical, os ritmos de mudança e a densidade textual emergente do minimalismo cria um novo eixo x, uma terceira dimensão adicionada à experiência da música.Steve Reich, contraponto de violoncelo, realizado por Rose Bellini
ouvir música minimalista é como estar dentro de um processo. Em seu ensaio “música como um processo Gradual”, Reich descreve sua música como um processo que uma vez estabelecido e carregado, funciona por si mesmo. O compositor recua para trás dos materiais e deixa florescer um resultado sonic que é mais vasto do que qualquer criador individual, de pé em seu próprio quase como uma força da natureza. A experiência da música minimalista é diferente de apenas caminhar até uma pintura acabada, é uma jornada que você deve passar do início ao fim para obter o efeito completo da peça. Ouvir as mudanças muito graduais entre as partes repetitivas permite ao ouvinte experimentar interações entre melodias, ritmos e harmonias, em cada etapa de como elas se relacionam entre si.para onde foi o minimalismo a partir daqui, como uma música radicalmente orientada para o processo? Leia a segunda parte para o resto da história do minimalismo.Allan, Jennifer Lucy. “The Trouble With Menimalism: Rescuing Histories From The Cutting Room Floor.” quitacao. 20 Mar 2018. Site. Accessed 2 May 2018. http://thequietus.com/articles/24245-minimalism-sexism