”vad du hör beror på hur du fokuserar ditt öra. Vi pratar inte om att uppfinna ett nytt språk, utan snarare uppfinna nya uppfattningar om befintliga språk.”- Philip Glass

Om du har stämt in i alla klassiska Portland nyligen kan du ha stött på lite musik som dina öron inte förväntade sig att höra från en klassisk radiostation. På en ny onsdagsmorgon delade Christa Wessel Philip Glass Piano Etude nr 6 från en ny CD av v Xhamster. En sen torsdagskväll behandlade Andrea Murray oss med Max Richters om dagsljusets Natur. Medan båda dessa verk kan hävdas vara” klassiska ” bitar, sticker de ut för hur de genomsyrar populärkultur och underhållning – både Glass och Richter har komponerat mycket för filmer och TV.

Richter och Glassstycken kan beskrivas som exempel från en rörelse och genre i klassisk musik som kallas ”minimalism.”Minimalism började i mitten av 1960-talet i den experimentella utkanten av klassisk musik. Nu har minimalism blivit ett internationellt fenomen som djupt har påverkat riktningen för ny musik i USA och därefter, vilket leder till påståendet om minimalism som det ”gemensamma musikaliska språket” i slutet av 20 och början av 21-talet.

Philip Glass, Brasilitudes, Nej. 6, framförd av v Exceptionellkingur Otuklafsson

Minimalism är också ett utmärkt exempel på hur etiketter och kategorier inom musik och konst i sig kan begränsas, vilket gör det svårt att se hur trender växer, förändras och omdefinierar sig över tiden. Genom att absorbera en mångfald av influenser, och i sin tur påverka så många områden i vår musikaliska kultur, minimalism bryter ner väggarna ofta smidda mellan ”hög” och ”låg” konst i klassisk musik. Minimalism har nått hörnen i nästan alla delar av musikalisk kultur, från filmmusik till popalbum, jazzriff till samtida klassiska ljudlandskap. Och har vuxit bortom sin egen etikett: utvecklats över tiden, förgrenar sig, blir något utan tvekan mer” maximalt ” än minimalt.

Max Richter, ”On the nature of Daylight”, framförd av Ataneres Ensemble

vad händer när en musik verkar överskrida gränserna för vad som är”klassiskt”? Vad händer när en musik försöker stänga riff skapad mellan kompositör och publik i början av 20-talets modernistiska Musik? Vad händer när en musik omkonceptualiserar själva kärnan i hur vi lyssnar, återförenar publiken med ljud som en visceral upplevelse och känslomässig påverkan? Det här är historien om minimalistisk musik.

minimalismens ursprung och de fyra” Vanguard ” – kompositörerna

resan minimalism har tagit är lång, men låt oss börja från början. Den ursprungliga minimalistiska rörelsen var inte begränsad till musik och berörde nästan alla konstformer, inklusive bildkonst, litteratur, film. Minimalism har sitt ursprung i en massa underjordisk aktivitet i bio, musik, måleri och skulptur i slutet av 1950-talet och början av 1960-talet, centrerad i New York och San Francisco. Det fanns starka band mellan tidiga minimalistiska kompositörer och artister, med föreställningar som ofta äger rum i konstgallerier och loft snarare än traditionella konsertlokaler. Och i likhet med minimalistisk konst reagerade minimalistiska Kompositörer mot komplexiteten, densiteten och den stora svårigheten med den senaste modernistiska musiken.

en karismatisk grupp av fyra kompositörer är vanligtvis märkta på” vanguard ” – kompositörer av minimalistisk musik. De föddes alla inom flera år efter varandra – La Monte Young (f. 1935), Terry Riley (f. 1935), Steve Reich (f. 1936) och Philip Glass (f. 1937). En eklektisk uppsättning musikaliska ideer påverkade denna första grupp, vilket gjorde det svårt att beskriva själva rörelsen i allt annat än breda termer. Vi kan dock nämna några gemensamma drag. Kärnan till minimalism är minskningen av material till ett minimum. Förfarandena förenklas, och ofta är det som händer i musiken omedelbart uppenbart för en lyssnare. Minimalistisk musik har vanligtvis repetition, diatoniska skalor och harmonier, ett rutnät med stadiga slag, utan tempoförändring (vilket gör att det liknar vissa genrer av barockmusik) och monokrom eller terrasserad dynamik (till skillnad från den uttrycksfulla flytbarheten i de romantiska och modernistiska epokerna).

i synnerhet växte alla fyra av dessa vanguard-Kompositörer upp i den västerländska klassiska traditionen och studerade musik på olika prestigefyllda klassiska musikskolor. Men dessa kompositörer sticker ut för hur de skapade konst som stod utanför anläggningen – påverkas av andra, icke-västerländska stilar inklusive Indisk raga och afrikansk trumma. Minimalistisk musik ses ofta som ett avslag på Europeiska modernistiska trender som den komplexa och matematiskt strikta Serialismen. Det finns en avsiktligt gles användning av traditionella element av form och stil i minimalistisk musik. Den återgår till rötterna, de grundläggande elementen i musik: melodi, modalitet och rytm.

en viktig föregångare till minimalismens radikala enkelhet var de senaste avantgardistiska trenderna inom musik, särskilt musiken John Cage. Cages 4 ’33”, till exempel, tar reduktionism till det yttersta, och kan ses som den ultimata minimalistiska kompositionen – artisten spelar inte en enda ton, vilket gör att vardagliga ljud kan formulera den ljudliga upplevelsen av stycket. En annan aspekt minimalism tog från avantgarde var aleatoric: skapa oförutsägbarhet i prestanda genom att överge konventioner som rytm och tempo. Aleatoriska tekniker används särskilt i musiken från La Monte Young. Ta till exempel Youngs ”den melodiska versionen av den andra drömmen om Högspänningslinjen Stepdown Transformer” från de fyra drömmarna i Kina (ja, en munfull Titel). Verket spelas av åtta dämpade trumpeter, som spelar fyra distinkta, återkommande toner i en spontan, improviserad stil.

La Monte Young, ”den melodiska versionen av den andra drömmen om Högspänningslinjen Stepdown Transformer” från de fyra drömmarna i Kina, framförd av Theatre of Eternal Music Brass Ensemble

La Monte Young är förmodligen den minst kända av den minimalistiska förtruppen, men han anses allmänt ha lanserat rörelsen med sina ”långfärgade” bitar. Medan en doktorand vid Berkeley 1958 lämnade Young in ett arbete för sin kompositionsklass som han kallade Trio för strängar. Men det är inte bara någon konventionell Trio: den är lång, monotont och består av endast tre toner. Hans professor vägrade att ge honom betyg för arbetet. Det finns dock tankar bakom det: inmatningarna och utgångarna i de tre tonerna är tempo för att skapa olika harmoniska effekter som dyker upp i och ut ur strukturen.

Youngs Trio för strängar återspeglar mycket av hans senare musik, som centrerar på ett litet antal platser som hålls under långa perioder. Hans komposition 1960 nr 7 består till exempel bara av anteckningarna B och F#, instruerade ”att hållas länge.”Ung är sköldpaddan: Hans drömmar och resor (1964) är en typ av improvisation, där instrumentalister och sångare kommer in och ut på olika övertoner över en drone av en synthesizer.

med inte mycket att lyssna på i Youngs glesa poäng riktas lyssnarens uppmärksamhet till mer små förändringar i tonhöjd och timbre som händer när en musiker försöker upprätthålla en tonhöjd på sitt instrument. Youngs musik är slående i att medvetet bortser klassisk musik tendens att vara en teleologisk berättelse med en tydlig öppning, utveckling, klimax, och upplösning. I Youngs Musik ersätts målorienterad riktning med en öppen stasis.

https://www.youtube.com/watch?v=-No6_12i_BE

La Monte Young, Trio för strängar, framförd av Trion Basso.

det var bristen på struktur och berättande Youngs Trio för strängar som sannolikt bidrog till att hans professor vägrade att ge honom betyg för projektet. Verket beundrades dock av en medstudent som heter Terry Riley, vår andra Vanguard-kompositör. Riley, som en gång hade uppträtt i en ensemble av Youngs, förgrenade sig från Young genom att utforska mönster med mer repetition än att upprätthålla toner. Riley är känd för sina experiment med bandslingor, korta segment av skarvad tejp som när de matas genom en bandspelare spelar samma ljud om och om igen. Hans bandstycke Mescalin Mix (1960-62) staplar upp många sådana bandöglor över en vanlig puls och skapar ett läskigt collage av interaktiva fraser och uttalanden.Rileys mest kända verk, i C (1964), tillämpar en liknande process för levande instrument. Stycket består av 53 melodiska celler i numrerad sekvens, hela poängen passar på en sida. Stycket kan utföras av vilken grupp av instrument som helst, med en artist som ger en rytmisk motor på noten C. När artisterna rör sig genom varje cell lämnas antalet repetitioner i varje del och samordningen av delar obestämd. Det soniska resultatet är ett oförutsägbart och ständigt föränderligt landskap av skiktade ljud över en hypnotisk puls, med en gradvis övergång från konsonans till dissonans och tillbaka när vissa toner introduceras och försvinner från cellerna. Rileys teknik att upprepa celler av material kallas modularism: att använda ett upprepat, cellliknande motiv som grund för ett helt arbete – med andra ord att ta repetition i extrem grad.

Terry Riley, i C, framförd av VENI Academy.

Steve Reich, vår tredje vanguard-kompositör, växte på denna uppfattning om modularism och använde den för att skapa ett processorienterat musikaliskt språk av subtilt skiftande element som förändras över tiden. Många av Reichs kompositioner använder en teknik som kallas fasförskjutning, där musiker spelar samma material men ”ur fas” med varandra som en kanon med nära avstånd, där varje del börjar vid en något annorlunda tid och till och med fortsätter med olika hastigheter från varandra.precis som Riley gjordes Reichs första musikaliska utforskningar på band. Hans första bandstycke för att använda fasförskjutning, It ’ s Gonna Rain, börjar med en repetitiv slinga av en inspelning av en predikant på en New York-gata. Reich fördubblar slingan så att två kopior spelas på en gång, men med lite olika hastigheter. En slinga rör sig gradvis framför den andra, vilket gör att slingorna gradvis växlar in och ut ur rytmen med varandra, som att vrida ett musikaliskt kalejdoskop. En annan tidig bandbit av Reichs är his Come Out (1966). Återigen börjar Reich med en bandslinga av en talad fras (”kom ut för att visa dem”). Den här gången växer emellertid strukturen från två, till fyra, till åtta samtidiga slingor, var och en något ur fas med varandra. Talarens ord blir oförståeligt, en mos av vokaler och konsonanter förblir.

Steve Reich, It ’ s Gonna Rain

Reich tillämpade senare sitt fasförskjutningskoncept på akustiska instrument. Hans Pianofas (1967) återskapar till exempel denna effekt med inte tejp utan två pianon. Båda pianon börjar med att upprepa samma enkla melodiska linje unisont, men ett piano gradvis hastigheter upp tills det är en full takt före den andra piano. Varje föreställning av Piano fas kommer att vara något annorlunda, eftersom antalet repetitioner; hastigheten på övergångarna; och följaktligen är längden på stycket upp till artisterna. Det är fascinerande att se hur nya rytmer dyker upp ur de ständigt skiftande interaktionerna mellan de två melodierna i Pianofasen. In på 1970-talet drev Reich ytterligare in i detta rytmområde. Mycket av hans musik blev slagverksorienterad, med överlagrade lager av polyrytmer som på många sätt parallella stilar av afrikansk trumma. (Ett exempel på detta är hans trumma 1970-1).

Steve Reich, Piano Phase

Reich bildade sin egen ensemble och har försörjt sig genom att framföra, turnera och spela in sina verk. Denna ensemble drog i ett brett spektrum av lyssnare, inte bara från den klassiska världen, men de som är vana vid jazz, rock, och popmusik. Philip Glass, vår sista medlem av vanguard, liknade Reich genom att han också slog ut ur den musikaliska etableringen genom att bilda sin egen ensemble. Glas sticker dock ut genom hans mer rondellmedel för att komma fram till minimalism. Han var på Juilliard när Young, Reich och Rileys tidiga föreställningar hände i New York och lämnade sedan för att studera komposition i Paris med Nadia Boulanger. Det var där som Glass blev påverkat av icke-västerländsk musik, särskilt genom att arbeta med den stora indiska sitaristen Ravi Shankar. Glass blev Shankars assistent på soundtracket för 1966-filmen Chappaqua, och hans arbete sedan 1960-talet blev starkt format av Hindustani klassisk musik. Olika aspekter av denna stil– inklusive cirkulär rytmisk organisation, melodiöshet och enkla harmoniska progressioner som lägger tonvikt på konsonans – parallella liknande trender i minimalism.

Ravi Shankar feat Philip Glass, Ragas i mindre skala från passager

Philip Glass hade studerat på Julliard med Steve Reich och tagit kontakt med honom igen efter sina resor i Europa och Indien. Influerad av Reichs rytmiska fasskiftande Musik, Glass började förenkla sin musik ner till vad han beskrev som ’musik med repetitiva strukturer.’Exempel i denna stil inkluderar Strung Out (1967) och Music in 12 Parts (1971-4), ett massivt fyra timmars stycke för röster, elektriska organ, flöjter och saxofoner. Glass musik är ganska idiosynkratisk och ofta omedelbart igenkännlig för en lyssnare som är bekant med sitt arbete. Hans verk, byggda på en grund av cykliskt upprepande triadiska mönster, representerar en unik sammanflöde av indisk musik, minimalism och Glass egen uttrycksfulla känsla, på en gång känslomässigt laddad och hålls tillbaka i melankolisk återhållsamhet.

https://youtu.be/8f8Zp-i6Lis

Philip Glass, musik i 12 delar (Del 1)

Young, Riley, Reich och Glass kom alla fram på musikscenen ungefär samtidigt och stod ut från den klassiska musiketableringen genom musik som skapade nya hypnotiska lyssningsupplevelser, där framväxande komplexiteter i rytmiska och melodiska interaktioner uppstår ur en radikal enkelhet av material. Som vi har sett och hört skiljer emellertid individuella stilistiska skillnader varje kompositör från varandra. Youngs minimalism betonar drönare och statiska ljud, och medan drönare också var centrala för Rileys Musik utvecklade han mer rytmiska cykliska mönster ovanpå stasis. Reichs införlivande av fasförskjutning och additiva/subtraktiva rytmiska processer skapade en minimalism baserad inte i stasis utan tid och rörelse, och Glass tog denna stil vidare genom sina studier med Ravi Shankar och hans unika harmoniska språk.

”män” -imalism: Utöver förtruppen

dessa individuella skillnader beaktas, är det värt att notera att alla fyra medlemmarna i förtruppen har uttryckt oro över att vara grupperade under etiketten minimalism, en förskuggning på hur minimalism snart skulle bryta ut i många olika riktningar. När man skapar berättelsen om det unga Riley-Reich-glaset ”vanguard” hamnar musikhistorien också över många kompositörer som inte passar perfekt i den föreskrivna formen och glider genom igenkänningens sprickor. Det sätt som musikhistoriker har utpekat en vanguard-grupp hjälper oss att ge oss en inledande översikt över tidiga minimalismens element. Men det skapar också en exklusiv, snävt manlig berättelse om minimalism, och försummar de många kvinnliga kompositörerna som arbetade vid gränserna för den centrala New York-minimalismscenen. Avgörande kvinnliga figurer som Pauline Oliveros, Joan La Barbara, Meredith Monk, Eliane Radigue och Laurie Spiegel expanderade bortom minimalismens gränser genom att fördjupa sig i radikala experiment inom elektronik, datorbaserad musik och performance, och förtjänar ett inlägg på egen hand.