Western performing artsEdit
Från och med 6: e århundradet f.Kr. började den klassiska perioden av scenkonst i Grekland, inledd av de tragiska poeterna som Sophocles. Dessa poeter skrev pjäser som i vissa fall införlivade dans (se Euripides). Den hellenistiska perioden började den utbredda användningen av komedi.
men vid 6: e århundradet e.Kr. hade västerländsk scenkonst till stor del avslutats, när de mörka åldrarna började. Mellan den 9: e århundradet och 14: e århundradet, scenkonst i väst var begränsad till religiösa historiska enactments och moral spelar, anordnas av kyrkan för att fira heliga dagar och andra viktiga händelser.
RenaissanceEdit
i den 15: e århundradet scenkonst, tillsammans med konsten i allmänhet, såg en väckelse som renässansen började i Italien och spridda över hela Europa pjäser, av vilka några ingår dans, som utfördes och Domenico da Piacenza krediteras med den första användningen av termen ballo (i de Arte Saltandi et Choreas Ducendi) i stället för danza (dans) för hans baletti eller balli. Termen blev så småningom balett. Den första baletten i sig tros vara Balthasar de Beaujoyeulx ’ s Ballet Comique de la Reine (1581).
i mitten av 16-talet Commedia Dell’ Arte blev populär i Europa, införa användningen av improvisation. Denna period introducerade också Den elisabetanska masken, med musik, dans och detaljerade kostymer samt professionella teaterföretag i England. William Shakespeares pjäser i slutet av 16-talet utvecklats från denna nya klass av professionella prestationer.
i 1597, den första opera, Dafne utfördes och under hela 17-talet, opera skulle snabbt bli underhållning val för aristokratin i större delen av Europa, och så småningom för ett stort antal människor som bor i städer i hela Europa.
Modern eraEdit
introduktionen av prosceniumbågen i Italien under 17-talet etablerade den traditionella teaterformen som kvarstår till denna dag. Under tiden förbjöd puritanerna i England att agera och stoppade scenkonst som varade fram till 1660. Därefter började kvinnor dyka upp i både franska och engelska lekar. Fransmännen införde en formell dans instruktion i slutet av 17-talet.
det är också under denna tid som de första spelen utfördes i de amerikanska kolonierna.
under 18th century, införandet av den populära opera buffa förde opera till massorna som en tillgänglig form av prestanda. Mozarts äktenskapet Figaro och Don Giovanni är landmärken i slutet av 18th century opera.
Vid sekelskiftet 19th century, Beethoven och den romantiska rörelsen inledde en ny era som ledde först till glasögon grand opera och sedan till de musikaliska dramer av Giuseppe Verdi och Gesamtkunstwerk (totalt konstverk) av operor av Richard Wagner leder direkt till musik av 20-talet.
den 19: e århundradet var en period av tillväxt för scenkonst för alla samhällsklasser, tekniska framsteg såsom införandet av gaslight till teatrar, burlesk, minstrel dans, och variety theatre. I balett gör kvinnor stora framsteg i den tidigare mandominerade konsten.
Modern dans började i slutet av 19-talet och början av 20-talet som svar på de begränsningar av traditionell balett.
Konstantin Stanislavskis ”System” revolutionerade agerar i början av 20-talet, och fortsätter att ha ett stort inflytande på aktörer av scenen och skärmen till den aktuella dagen. Både impressionism och modern realism introducerades på scenen under denna period.
ankomsten av Sergei Diaghilevs Ballets Russes (1909-1929) revolutionerade baletten och scenkonsten i allmänhet i hela västvärlden, framför allt genom Diaghilevs betoning på samarbete, som förde koreografer, dansare, scenografer/artister, kompositörer och musiker tillsammans för att återuppliva och revolutionera baletten. Det är extremt komplext.
med uppfinningen av film i slutet av 19-talet av Thomas Edison och tillväxten av film industrin i Hollywood i början av 20-talet, film blev en dominerande prestanda medium under 20 och 21-talen.Rhythm and blues, ett kulturellt fenomen i svart Amerika, blev framträdande i början av 20-talet; påverkar en rad senare populära musikstilar internationellt.på 1930-talet introducerade Jean Rosenthal vad som skulle bli modern scenbelysning och förändrade scenens natur när Broadway-musikalen blev ett fenomen i USA.
PostwarEdit
scenkonst efter andra världskriget lyfts fram av återuppkomsten av både balett och opera i västvärlden.
Postmodernism inom scenkonst dominerade i stor utsträckning 1960-talet.
Eastern performing artsEdit
Mellanösternredigera
den tidigaste inspelade teaterhändelsen går tillbaka till 2000 f.Kr. med passionspelen i det antika Egypten. Denna berättelse om guden Osiris framfördes årligen på festivaler i hela civilisationen, markerar den kända början på ett långt förhållande mellan teater och religion.de mest populära formerna av teater i den medeltida islamiska världen var dockteater (som inkluderade handdockor, Skuggspel och marionettproduktioner) och levande passionspel som kallas ta ’ Ziya, där skådespelare återupptar avsnitt från muslimsk historia. I synnerhet kretsade shia islamiska pjäser kring shaheed (martyrskap) av Alis söner Hasan ibn Ali och Husayn ibn Ali. Levande sekulära pjäser var kända som akhraja, inspelade i medeltida Adab-litteratur, även om de var mindre vanliga än dockteater och ta ’ Ziya-teater.
IranEdit
i Iran finns det andra former av teatraliska händelser som Naghali (berättande), avsugning ru-Howzi, Siah-Bazi, Parde-Khani, Mareke giri.
Indieedit
folkteater och dramatik kan spåras till de vediska folkens religiösa ritualism i 2: a årtusendet f.Kr. Denna folkteater från det dimmiga förflutna blandades med dans, mat, ritualism, plus en skildring av händelser från det dagliga livet. Det sista elementet gjorde det till ursprunget till den klassiska teatern i senare tider. Många historiker, särskilt D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya, etc. har hänvisat till förekomsten av ritualism bland Indo-ariska stammar där vissa medlemmar av stammen agerade som om de var vilda djur och några andra var jägarna. De som agerade som däggdjur som getter, bufflar, renar, apor etc. jagades av dem som spelade rollen som jägare.
Bharata Muni (fl. 5: e-2: a århundradet f.Kr.) var en gammal indisk författare mest känd för att skriva Natya Shastra av Bharata, en teoretisk avhandling om Indisk scenkonst, inklusive teater, dans, skådespel och musik, som har jämförts med Aristoteles poetik. Bharata är ofta känd som fadern till Indisk teaterkonst. Hans Natya Shastra verkar vara det första försöket att utveckla tekniken eller snarare konsten, av drama på ett systematiskt sätt. Natya Shastra berättar inte bara vad som ska porträtteras i ett drama, men hur skildringen ska göras. Drama, som Bharata Muni säger, är imitation av män och deras gärningar (loka-vritti). Som män och deras gärningar måste respekteras på scenen, så drama på Sanskrit är också känt under termen roopaka, vilket betyder skildring.
Ramayana och Mahabharata kan betraktas som de första erkända spelen som har sitt ursprung i Indien. Dessa epos gav inspiration till de tidigaste Indiska dramatikerna och de gör det även idag. Indiska dramatiker som BH Kazaksa i 2: a århundradet f.Kr. skrev pjäser som var starkt inspirerade av Ramayana och Mahabharata.
k Ubillid Ubillid i 1: a århundradet f.Kr., anses utan tvekan vara forntida Indiens största dramatiker. Tre berömda romantiska pjäser skrivna av Kālidāsa är Mālavikāgnimitram (Mālavikā och Agnimitra), Vikramōrvaśīyam (som Hör till Vikrama och Urvashi), och Abhijñānaśākuntala (Erkännande av Shakuntala). Den sista inspirerades av en berättelse i Mahabharata och är den mest kända. Det var den första som översattes till engelska och tyska. I jämförelse med BH sackaros, som drog kraftigt från epos, K kan betraktas som en original dramatiker.
nästa stora indiska dramatiker var Bhavabhuti (c. 7th century). Han sägs ha skrivit följande tre pjäser: Malati-Madhava, Mahaviracharita och Uttar Ramacharita. Bland dessa tre täcker de två sista mellan dem, hela epiken av Ramayana. Den mäktiga Indiska kejsaren Harsha (606-648) krediteras med att ha skrivit tre pjäser: komedin Ratnavali, Priyadarsika och det buddhistiska dramaet Nagananda. Många andra dramatiker följde under medeltiden.
det fanns många scenkonstformer i södra delen av Indien, Kerala är ett sådant tillstånd med olika sådana konstformer som Koodiyattam, Nangyarkoothu, Kathakali, Chakyar koothu, Thirayattam och det fanns många framstående artister som Painkulam Raman Chakyar och andra.
ChinaEdit
det finns hänvisningar till teaterunderhållning i Kina så tidigt som 1500 f. kr. under Shang-dynastin; de involverade ofta Musik, clowning och akrobatiska skärmar.
Tangdynastin är ibland känd som”åldern på 1000 underhållningar”. Under denna tid, kejsare Xuanzong bildade en skådespelerskola känd som Children of the Pear Garden för att producera en form av drama som främst var musikaliskt.
under Handynastin uppstod skuggdockor först som en erkänd teaterform i Kina. Det fanns två distinkta former av skuggdockor, kantonesiska södra och Pekingesiska Norra. De två stilarna differentierades med metoden att göra dockorna och placeringen av stavarna på dockorna, i motsats till den typ av spel som utförs av dockorna. Båda stilarna framförde i allmänhet pjäser som skildrar stort äventyr och fantasi, sällan användes denna mycket stiliserade teaterform för politisk propaganda. Kantonesiska skuggdockor var den större av de två. De byggdes med tjockt läder som skapade mer betydande skuggor. Symbolisk färg var också mycket utbredd; ett svart ansikte representerade ärlighet, ett rött mod. Stavarna som användes för att kontrollera kantonesiska dockor fästes vinkelrätt mot dockans huvuden. Således sågs de inte av publiken när skuggan skapades. Pekingese dockor var mer känsliga och mindre. De skapades av tunt, genomskinligt läder som vanligtvis tas från magen på en åsna. De målades med livfulla färger, så de kastade en mycket färgstark skugga. De tunna stavarna som kontrollerade deras rörelser fästes på en läderkrage vid marionetthalsen. Stavarna sprang parallellt med marionettkropparna och vände sig sedan i nittio graders vinkel för att ansluta till nacken. Medan dessa stavar var synliga när skuggan kastades, lade de sig utanför marionettskuggan; således störde de inte figurens utseende. Stavarna fäst vid halsen för att underlätta användningen av flera huvuden med en kropp. När huvuden inte användes förvarades de i en muslinbok eller tygfodrad låda. Huvudet togs alltid bort på natten. Detta var i linje med den gamla vidskepelsen att om de lämnades intakta skulle dockorna komma till liv på natten. Vissa puppeteers gick så långt som att lagra huvuden i en bok och kropparna i en annan, för att ytterligare minska möjligheten att återanpassa dockor. Shadow dockteater sägs ha nått sin högsta punkt av konstnärlig utveckling i den 11: e århundradet innan han blev ett verktyg för regeringen.
i Songdynastin fanns det många populära pjäser som involverade akrobatik och musik. Dessa utvecklades i Yuan-dynastin till en mer sofistikerad form med en fyra – eller femaktstruktur. Yuan drama spridda över Kina och diversifierade i många regionala former, varav den mest kända är Peking Opera, som fortfarande är populär idag.
ThailandEdit
i Thailand har det varit en tradition från medeltiden till scenspel baserade på tomter från indiska Epics. I synnerhet är den teatraliska versionen av Thailands nationella episka Ramakien, en version av den indiska Ramayana, fortfarande populär i Thailand även idag.
CambodiaEdit
i Kambodja, inskriptioner dejting tillbaka till 6: e århundradet indikerar bevis på dansare på en lokal tempel och använda dockteater för religiösa pjäser. I den antika huvudstaden Angkor Wat har berättelser från de indiska epikerna Ramayana och Mahabharata huggits på väggarna i tempel och palats. Liknande reliefer finns på Borobudur i Indonesien.
JapanEdit
under 14-talet fanns det små företag av aktörer i Japan som utförde korta, ibland vulgära Komedier. En chef för ett av dessa företag, Kan ’ ami (1333-1384), hade en son, Zeami Motokiyo (1363-1443), som ansågs vara en av de finaste barnaktörerna i Japan. När kan ’ amis kompani uppträdde för Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), Japans sh-kubugun, bad han Zeami att ha en domstolsutbildning för sin konst. Efter att Zeami efterträdde sin far fortsatte han att utföra och anpassa sin stil till det som idag är Noh. En blandning av pantomim och vokalakrobatik, Noh-stilen i teatern har blivit en av Japans mest raffinerade former av teaterföreställning.
Japan, efter en lång period av inbördeskrig och politisk oordning, förenades och i fred främst på grund av SH kubugun Tokugawa Ieyasu (1600-1668). Men oroad över det ökande antalet kristna i landet på grund av kristna missionärers proselytiserande ansträngningar avbröt han kontakten från Japan till Europa och Kina och förbjöd kristendomen. När freden kom, krävde en blomstring av kulturellt inflytande och växande handelsklass sin egen underhållning. Den första formen av teater som blomstrade var Ningy Portugals J. Grundaren av och den främsta bidragsgivaren till Ningy Bisexual J. A. C., Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), förvandlade sin teaterform till en sann konstform. Ningy Asia J usacoriruri är en mycket stiliserad form av teater med hjälp av dockor, idag om 1 3: e 3: e storleken på en människa. De män som kontrollerar marionetterna tränar hela sitt liv för att bli mästare puppeteers, när de sedan kan använda dockans huvud och högra arm och välja att visa sina ansikten under föreställningen. De andra puppeteersna, som kontrollerar marionettens mindre viktiga lemmar, täcker sig själva och deras ansikten i en svart kostym för att antyda deras osynlighet. Dialogen hanteras av en enda person, som använder olika toner av röst och talande sätt att simulera olika karaktärer. Chikamatsu skrev tusentals spel under sin livstid, varav de flesta fortfarande används idag.
Kabuki började strax efter Bunraku, legenden har det av en skådespelerska som heter Okuni, som bodde i slutet av 16-talet. Det mesta av kabukis material kom från Noh och Bunraku, och dess oregelbundna dansrörelser är också en effekt av Bunraku. Kabuki är dock mindre formell och mer avlägsen än Noh, men ändå mycket populär bland den japanska allmänheten. Skådespelare är utbildade i många olika saker inklusive dans, sång, pantomime och till och med akrobatik. Kabuki utfördes först av unga tjejer, sedan av unga pojkar, och i slutet av 16-talet bestod kabuki-företag av alla män. De män som porträtterade kvinnor på scenen var särskilt utbildade för att framkalla essensen av en kvinna i sina subtila rörelser och gester.