Artes escénicas occidentaleseditar
A partir del siglo VI a.C., el período clásico de las artes escénicas comenzó en Grecia, marcado por los poetas trágicos como Sófocles. Estos poetas escribieron obras de teatro que, en algunos casos, incorporaban la danza (véase Eurípides). El período helenístico comenzó el uso generalizado de la comedia.
Sin embargo, para el siglo VI d.C., las artes escénicas occidentales habían terminado en gran medida, al comenzar la Edad Media. Entre el siglo IX y el siglo XIV, el arte escénico en Occidente se limitó a representaciones históricas religiosas y obras de moralidad, organizadas por la Iglesia en celebración de días santos y otros eventos importantes.
RenaissanceEdit
En el siglo XV, las artes escénicas, junto con las artes en general, vieron un renacimiento cuando el Renacimiento comenzó en Italia y se extendió por toda Europa, algunas de las cuales incorporaron danza, que se representaron y Domenico da Piacenza acreditó el primer uso del término ballo (in De Arte Saltandi et Choreas Ducendi) en lugar de danza para sus baletti o balli. El término eventualmente se convirtió en Ballet. Se cree que el primer Ballet per se fue el Ballet Comique de la Reine de Balthasar de Beaujoyeulx (1581).
A mediados del siglo XVI, la Commedia Dell’arte se hizo popular en Europa, introduciendo el uso de improvisación. Este período también introdujo la máscara isabelina, con música, baile y trajes elaborados, así como compañías teatrales profesionales en Inglaterra. Las obras de William Shakespeare a finales del siglo XVI se desarrollaron a partir de esta nueva clase de interpretación profesional.
En 1597, se representó la primera ópera, Dafne, y a lo largo del siglo XVII, la ópera se convertiría rápidamente en el entretenimiento preferido de la aristocracia en la mayor parte de Europa, y finalmente para un gran número de personas que vivían en ciudades y pueblos de toda Europa.
Era ModernaEditar
La introducción del arco del proscenio en Italia durante el siglo XVII estableció la forma de teatro tradicional que persiste hasta nuestros días. Mientras tanto, en Inglaterra, los puritanos prohibieron la actuación, poniendo fin a las artes escénicas que duraron hasta 1660. Después de eso, las mujeres comenzaron a aparecer en obras de teatro francesas e inglesas. Los franceses introdujeron una instrucción formal de baile a finales del siglo XVII.
Es también durante este tiempo que las primeras obras se realizaron en las Colonias Americanas.
Durante el siglo 18, la introducción de la popular ópera bufa traído de la ópera a las masas como una forma accesible de rendimiento. Las bodas de Fígaro y Don Giovanni de Mozart son hitos de la ópera de finales del siglo XVIII.
A principios del siglo XIX, Beethoven y el movimiento romántico marcaron el comienzo de una nueva era que condujo primero a los espectáculos de la gran ópera y luego a los dramas musicales de Giuseppe Verdi y la Gesamtkunstwerk (obra de arte total) de las óperas de Richard Wagner que conducen directamente a la música del siglo XX.
El siglo XIX fue un período de crecimiento para las artes escénicas para todas las clases sociales, avances técnicos como la introducción de gaslight en los teatros, burlesque, baile de juglares y teatro de variedades. En el ballet, las mujeres hacen grandes progresos en el arte previamente dominado por los hombres.
la danza Moderna comenzó en el siglo 19 y principios del siglo 20 en respuesta a las restricciones del ballet tradicional.
El «Sistema» de Konstantin Stanislavski revolucionó la actuación a principios del siglo XX, y continúa teniendo una gran influencia en los actores del escenario y la pantalla hasta el día de hoy. Tanto el impresionismo como el realismo moderno se introdujeron en el escenario durante este período.
La llegada de los Ballets rusos de Sergei Diaghilev (1909-1929) revolucionó el ballet y las artes escénicas en general en todo el mundo occidental, lo más importante a través del énfasis de Diaghilev en la colaboración, que reunió a coreógrafos, bailarines, escenógrafos / artistas, compositores y músicos para revitalizar y revolucionar el ballet. Es extremadamente complejo.
Con la invención de la imagen en movimiento en el siglo 19 por Thomas Edison y el crecimiento de la industria del cine en Hollywood en el siglo 20, el cine se convirtió en una actuación dominante medio largo de los siglos 20 y 21.
El Rhythm and blues, un fenómeno cultural de la América negra, se hizo prominente a principios del siglo XX; influyendo en una gama de estilos musicales populares posteriores a nivel internacional.
En la década de 1930, Jean Rosenthal introdujo lo que se convertiría en iluminación de escenario moderna, cambiando la naturaleza del escenario a medida que el musical de Broadway se convirtió en un fenómeno en los Estados Unidos.
PostwarEdit
Las artes escénicas posteriores a la Segunda Guerra Mundial se destacaron por el resurgimiento del ballet y la ópera en el mundo occidental.
el Posmodernismo en las artes escénicas dominado la década de 1960, en gran medida.
Artes escénicas orientales Editar
Oriente Medio Editar
El primer evento teatral registrado se remonta al año 2000 a.C. con las obras de pasión del Antiguo Egipto. Esta historia del dios Osiris se representó anualmente en festivales de toda la civilización, marcando el comienzo conocido de una larga relación entre el teatro y la religión.
Las formas de teatro más populares en el mundo islámico medieval eran el teatro de títeres (que incluía títeres de mano, juegos de sombras y producciones de marionetas) y las obras de pasión en vivo conocidas como ta’ziya, donde los actores recrean episodios de la historia musulmana. En particular, las obras islámicas chiítas giraban en torno al shahid (martirio) de los hijos de Ali, Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali. Las obras seculares en vivo se conocían como akhraja, registradas en la literatura adab medieval, aunque eran menos comunes que el teatro de títeres y el teatro ta’ziya.
Iraneditar
En Irán hay otras formas de eventos teatrales como Naghali (narración de cuentos), Ural Ru-Howzi, Siah-Bazi, Parde-Khani, Mareke giri.
IndiaEdit
El teatro popular y la dramaturgia se remontan al ritualismo religioso de los pueblos védicos en el segundo milenio a. C. Este teatro popular del pasado brumoso se mezcló con danza, comida, ritualismo, además de una representación de eventos de la vida diaria. El último elemento es el origen del teatro clásico de los últimos tiempos. Muchos historiadores, en particular D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya, etc. se han referido a la prevalencia del ritualismo entre las tribus indo-arias en las que algunos miembros de la tribu actuaban como si fueran animales salvajes y algunos otros eran cazadores. Aquellos que actuaban como mamíferos como cabras, búfalos,renos, monos, etc. fueron perseguidos por aquellos que hacían el papel de cazadores.
Bharata Muni (fl. siglo V–II a. C.) fue un antiguo escritor indio conocido por escribir el Natya Shastra de Bharata, un tratado teórico sobre las artes escénicas indias, que incluye teatro, danza, actuación y música, que se ha comparado con la poética de Aristóteles. Bharata es a menudo conocido como el padre de las artes teatrales indias. Su Natya Shastra parece ser el primer intento de desarrollar la técnica, o más bien el arte, del drama de una manera sistemática. El Natya Shastra nos dice no solo lo que se debe representar en un drama, sino cómo se debe hacer la representación. El drama, como dice Bharata Muni, es la imitación de los hombres y sus obras (loka-vritti). Como los hombres y sus actos tienen que ser respetados en el escenario, el drama en sánscrito también se conoce con el término roopaka, que significa representación.
El Ramayana y el Mahabharata pueden considerarse las primeras obras reconocidas que se originaron en la India. Estas epopeyas sirvieron de inspiración a los primeros dramaturgos indios y lo hacen incluso hoy en día. Dramaturgos indios como Bhāsa en el siglo II a. C. escribieron obras que estaban fuertemente inspiradas en el Ramayana y el Mahabharata.
Kālidāsa en el siglo I a. C., es considerado como el mejor dramaturgo de la India antigua. Tres famosas obras románticas escritas por Kālidāsa son el Mālavikāgnimitram (Mālavikā y Agnimitra), Vikramōrvaśīyam (Perteneciente a Vikrama y Urvashi) y Abhijñānaśākuntala (El Reconocimiento de Shakuntala). El último fue inspirado por una historia en el Mahabharata y es el más famoso. Fue la primera en ser traducida al inglés y al alemán. En comparación con Bhāsa, que se basó en gran medida en las épicas, Kālidāsa puede ser considerado un dramaturgo original.
El siguiente gran dramaturgo indio fue Bhavabhuti (siglo VII). Se dice que escribió las siguientes tres obras: Malati-Madhava, Mahaviracharita y Uttar Ramacharita. Entre estos tres, los dos últimos cubren entre ellos, toda la epopeya del Ramayana. Al poderoso emperador indio Harsha (606-648) se le atribuye haber escrito tres obras de teatro: la comedia Ratnavali, Priyadarsika y el drama budista Nagananda. Muchos otros dramaturgos siguieron durante la Edad Media.
Había muchas formas de arte escénico en la parte sur de la India, Kerala es un estado con diferentes formas de arte como Koodiyattam, Nangyarkoothu, Kathakali, Chakyar koothu, Thirayattam y había muchos artistas prominentes como Painkulam Raman Chakyar y otros.
ChinaEdit
Hay referencias a espectáculos teatrales en China tan pronto como 1500 c., durante la dinastía Shang; a menudo incluían música, payasadas y exhibiciones acrobáticas.
La dinastía Tang es a veces conocida como»La Era de los 1000 Entretenimientos». Durante esta época, el emperador Xuanzong formó una escuela de actuación conocida como los Niños del Jardín de Peras para producir una forma de drama que era principalmente musical.
Durante la dinastía Han, el teatro de sombras surgió por primera vez como una forma reconocida de teatro en China. Había dos formas distintas de títeres de sombras, el sur cantonés y el norte pequinés. Los dos estilos se diferenciaban por el método de fabricación de los títeres y la colocación de las varillas en los títeres, en contraposición al tipo de juego realizado por los títeres. Ambos estilos generalmente interpretaban obras de gran aventura y fantasía, rara vez se utilizaba esta forma de teatro muy estilizada para propaganda política. Los títeres cantoneses de sombras eran los más grandes de los dos. Se construyeron con cuero grueso que creaba sombras más sustanciales. El color simbólico también era muy frecuente; una cara negra representaba la honestidad, una roja la valentía. Las varillas utilizadas para controlar los títeres cantoneses se colocaban perpendiculares a las cabezas de los títeres. Por lo tanto, no fueron vistos por el público cuando se creó la sombra. Los títeres pequineses eran más delicados y pequeños. Fueron creados de cuero fino y translúcido, generalmente tomado del vientre de un burro. Estaban pintados con pinturas vibrantes, por lo que proyectaban una sombra muy colorida. Las finas varillas que controlaban sus movimientos estaban unidas a un collar de cuero en el cuello del títere. Las varillas corrían paralelas a los cuerpos de la marioneta y luego giraban en un ángulo de noventa grados para conectarse al cuello. Si bien estas varillas eran visibles cuando se proyectaba la sombra, se colocaban fuera de la sombra del títere; por lo tanto, no interferían con la apariencia de la figura. Las varillas unidas en los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un solo cuerpo. Cuando las cabezas no se usaban, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se retiraban por la noche. Esto estaba en consonancia con la vieja superstición de que, si se dejaban intactos, los títeres cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron a almacenar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar títeres. Se dice que el títere de sombras alcanzó su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.
En la dinastía Song, había muchas obras populares que involucraban acrobacias y música. Estos se desarrollaron en la dinastía Yuan en una forma más sofisticada con una estructura de cuatro o cinco actos. El drama yuan se extendió por toda China y se diversificó en numerosas formas regionales, la más conocida de las cuales es la Ópera de Pekín, que todavía es popular hoy en día.
ThailandEdit
En Tailandia, ha sido una tradición desde la Edad Media hasta obras de teatro basadas en las parcelas extraídas de las epopeyas de la India. En particular, la versión teatral de la épica nacional tailandesa Ramakien, una versión del Ramayana indio, sigue siendo popular en Tailandia incluso hoy en día.
Camboyaeditar
En Camboya, inscripciones que datan del siglo VI d.C. indican evidencias de bailarines en un templo local y el uso de títeres para obras religiosas. En la antigua capital Angkor Wat, se han tallado historias de las epopeyas indias Ramayana y Mahabharata en las paredes de templos y palacios. Relieves similares se encuentran en Borobudur en Indonesia.
JapanEdit
Durante el siglo XIV, había pequeñas compañías de actores en Japón que interpretaban comedias cortas, a veces vulgares. Un director de una de estas compañías, Kan’ami (1333-1384), tuvo un hijo, Zeami Motokiyo (1363-1443), considerado uno de los mejores actores infantiles de Japón. Cuando la compañía de Kan’ami actuó para Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), el shogun de Japón, imploró a Zeami que tuviera una educación de corte para sus artes. Después de que Zeami sucediera a su padre, continuó actuando y adaptando su estilo a lo que hoy es Noh. Una mezcla de pantomima y acrobacias vocales, el estilo de teatro Noh se ha convertido en una de las formas más refinadas de representación teatral de Japón.
Japón, después de un largo período de guerras civiles y desorden político, se unificó y en paz principalmente debido al shogun Tokugawa Ieyasu (1600-1668). Sin embargo, alarmado por el creciente número de cristianos en el país debido a los esfuerzos proselitistas de los misioneros cristianos, cortó el contacto de Japón con Europa y China y prohibió el cristianismo. Cuando llegó la paz, un florecimiento de influencia cultural y una creciente clase mercantil exigió su propio entretenimiento. La primera forma de teatro en florecer fue Ningyō jōruri (comúnmente conocido como Bunraku). El fundador y principal colaborador de Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), convirtió su forma de teatro en una verdadera forma de arte. Ningyō jōruri es una forma de teatro altamente estilizada que utiliza títeres, hoy en día aproximadamente 1⁄3 del tamaño de un ser humano. Los hombres que controlan los títeres entrenan toda su vida para convertirse en maestros titiriteros, cuando pueden operar la cabeza y el brazo derecho del títere y elegir mostrar sus rostros durante la representación. Los otros titiriteros, que controlan las extremidades menos importantes del títere, se cubren a sí mismos y a sus rostros con un traje negro, para dar a entender su invisibilidad. El diálogo es manejado por una sola persona, que utiliza variados tonos de voz y maneras de hablar para simular diferentes personajes. Chikamatsu escribió miles de obras de teatro durante su vida, la mayoría de las cuales todavía se usan hoy en día.
El Kabuki comenzó poco después del Bunraku, según la leyenda, por una actriz llamada Okuni, que vivió alrededor de finales del siglo XVI. La mayor parte del material del kabuki proviene del Noh y el Bunraku, y sus movimientos erráticos de tipo danza también son un efecto del Bunraku. Sin embargo, el kabuki es menos formal y más distante que el Noh, pero muy popular entre el público japonés. Los actores son entrenados en muchas cosas variadas, incluyendo baile, canto, pantomima e incluso acrobacias. El kabuki fue interpretado por primera vez por chicas jóvenes, luego por chicos jóvenes, y a finales del siglo XVI, las compañías de kabuki consistían en todos los hombres. Los hombres que retrataron a las mujeres en el escenario fueron entrenados específicamente para obtener la esencia de una mujer en sus movimientos y gestos sutiles.