Westliche darstellende KunstBearbeiten
Ab dem 6. Jahrhundert v. Chr. begann in Griechenland die klassische Periode der darstellenden Kunst, die von tragischen Dichtern wie Sophokles eingeleitet wurde. Diese Dichter schrieben Stücke, die in einigen Fällen Tanz beinhalteten (siehe Euripides). Die hellenistische Zeit begann mit der weit verbreiteten Verwendung von Comedy.Im 6. Jahrhundert n. Chr. waren die westlichen darstellenden Künste jedoch weitgehend beendet, als das Dunkle Zeitalter begann. Zwischen dem 9. und 14. Jahrhundert beschränkte sich die darstellende Kunst im Westen auf religiös-historische Aufführungen und Moralspiele, die von der Kirche zur Feier von Feiertagen und anderen wichtigen Ereignissen organisiert wurden.
Renaissancebearbeiten
Mitte des 16. In dieser Zeit wurde auch die elisabethanische Maske eingeführt, mit Musik, Tanz und aufwendigen Kostümen sowie professionellen Theatergruppen in England. William Shakespeares Stücke im späten 16.Jahrhundert entwickelten sich aus dieser neuen Klasse professioneller Aufführungen.
1597 wurde die erste Oper Dafne aufgeführt, und im Laufe des 17.Jahrhunderts wurde die Oper schnell zur Unterhaltung der Wahl für die Aristokratie in den meisten Teilen Europas und schließlich für eine große Anzahl von Menschen, die in Städten und Gemeinden in ganz Europa lebten.
Moderne
Die Einführung des Proszeniumbogens in Italien im 17.Jahrhundert begründete die traditionelle Theaterform, die bis heute andauert. In England verboten die Puritaner die Schauspielerei und stoppten die darstellenden Künste, die bis 1660 andauerten. Danach traten Frauen sowohl in französischen als auch in englischen Stücken auf. Die Franzosen führten Ende des 17.Jahrhunderts einen formellen Tanzunterricht ein.
In dieser Zeit wurden auch die ersten Stücke in den amerikanischen Kolonien aufgeführt.
Im 18.Jahrhundert brachte die Einführung der beliebten Opera Buffa die Oper als zugängliche Aufführungsform der Masse näher. Mozarts Die Hochzeit des Figaro und Don Giovanni sind Wahrzeichen der Oper des späten 18.
Um die Wende zum 19.Jahrhundert läuteten Beethoven und die Romantik eine neue Ära ein, die zunächst zu den Spektakeln der großen Oper und dann zu den Musikdramen Giuseppe Verdis und dem Gesamtkunstwerk der Opern Richard Wagners führte, die direkt zur Musik des 20.Jahrhunderts führten.Das 19.Jahrhundert war eine Periode des Wachstums für die darstellenden Künste für alle sozialen Schichten, technische Fortschritte wie die Einführung von Gaslicht in Theater, Burlesque, Minnesängertanz und Variety Theatre. Im Ballett machen Frauen große Fortschritte in der bisher von Männern dominierten Kunst.
PostwarEdit
Die darstellenden Künste nach dem Zweiten Weltkrieg wurden durch das Wiederaufleben von Ballett und Oper in der westlichen Welt hervorgehoben.
Die Postmoderne in den darstellenden Künsten dominierte die 1960er Jahre weitgehend.
Eastern performing Arts
Middle East
Das früheste aufgezeichnete Theaterereignis stammt aus dem Jahr 2000 v. Chr. mit den Passionsspielen des alten Ägypten. Diese Geschichte des Gottes Osiris wurde jährlich auf Festivals in der gesamten Zivilisation aufgeführt und markiert den bekannten Beginn einer langen Beziehung zwischen Theater und Religion.Die beliebtesten Formen des Theaters in der mittelalterlichen islamischen Welt waren das Puppentheater (das Handpuppen, Schattenspiele und Marionettenproduktionen umfasste) und Live-Passionsspiele, bekannt als ta’ziya, wo Schauspieler Episoden aus der muslimischen Geschichte nachspielen. Insbesondere schiitische islamische Stücke drehten sich um den Shaheed (Martyrium) von Alis Söhnen Hasan ibn Ali und Husayn ibn Ali. Live-weltliche Stücke wurden als akhraja bekannt, in der mittelalterlichen adab Literatur aufgezeichnet, obwohl sie waren weniger verbreitet als Puppenspiel und ta’ziya Theater.
IranEdit
Im Iran gibt es andere Formen von Theaterveranstaltungen wie Naghali (Geschichtenerzählen), ٰRu-Howzi, Siah-Bazi, Parde-Khani, Mareke giri.
Indienbearbeiten
Volkstheater und Dramatik lassen sich auf den religiösen Ritualismus der vedischen Völker im 2. Jahrtausend v. Chr. Dieses Volkstheater der nebligen Vergangenheit wurde mit Tanz gemischt, Essen, Ritualismus, plus eine Darstellung von Ereignissen aus dem täglichen Leben. Das letzte Element machte es zum Ursprung des klassischen Theaters späterer Zeiten. Viele Historiker, insbesondere D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya usw. haben auf die Prävalenz des Ritualismus unter indo-arischen Stämmen hingewiesen, in denen einige Mitglieder des Stammes so handelten, als wären sie wilde Tiere und einige andere die Jäger. Diejenigen, die als Säugetiere wie Ziegen, Büffel, Rentiere, Affen usw. fungierten. wurden von denen gejagt, die die Rolle von Jägern spielten.Bharata Muni (fl. 5.-2. Jahrhundert v. Chr.) war ein alter indischer Schriftsteller, der am besten dafür bekannt war, das Natya Shastra von Bharata zu schreiben, eine theoretische Abhandlung über indische darstellende Künste, einschließlich Theater, Tanz, Schauspiel und Musik, die mit Aristoteles ‚Poetik verglichen wurde. Bharata wird oft als Vater der indischen Theaterkunst bezeichnet. Sein Natya Shastra scheint der erste Versuch zu sein, die Technik oder vielmehr die Kunst des Dramas systematisch zu entwickeln. Das Natya Shastra sagt uns nicht nur, was in einem Drama dargestellt werden soll, aber wie die Darstellung gemacht werden soll. Drama, wie Bharata Muni sagt, ist die Nachahmung von Männern und ihren Taten (loka-vritti). Da Männer und ihr Tun auf der Bühne respektiert werden müssen, ist Drama auf Sanskrit auch unter dem Begriff Roopaka bekannt, was Darstellung bedeutet.
Das Ramayana und Mahabharata können als die ersten anerkannten Stücke angesehen werden, die ihren Ursprung in Indien haben. Diese Epen inspirierten die frühesten indischen Dramatiker und tun dies auch heute noch. Indische Dramatiker wie Bhāsa im 2. Jahrhundert v. Chr. schrieben Stücke, die stark vom Ramayana und Mahabharata inspiriert waren.Kālidāsa im 1. Jahrhundert v. Chr. gilt wohl als der größte Dramatiker des alten Indiens. Drei berühmte romantische Stücke von Kālidāsa sind das Mālavikāgnimitram (Mālavikā und Agnimitra), Vikramōrvaśīyam (In Bezug auf Vikrama und Urvashi) und Abhijñānaśākuntala (Die Anerkennung von Shakuntala). Der letzte wurde von einer Geschichte im Mahabharata inspiriert und ist der berühmteste. Es war das erste, das ins Englische und Deutsche übersetzt wurde. Im Vergleich zu Bhāsa, der stark aus den Epen schöpfte, kann Kālidāsa als origineller Dramatiker angesehen werden.Der nächste große indische Dramatiker war Bhavabhuti (c. 7. Jahrhundert). Er soll die folgenden drei Stücke geschrieben haben: Malati-Madhava, Mahaviracharita und Uttar Ramacharita. Unter diesen drei decken die letzten beiden das gesamte Epos von Ramayana ab. Dem mächtigen indischen Kaiser Harsha (606-648) wird zugeschrieben, drei Stücke geschrieben zu haben: die Komödie Ratnavali, Priyadarsika und das buddhistische Drama Nagananda. Viele andere Dramatiker folgten im Mittelalter.Kerala ist ein solcher Staat mit verschiedenen Kunstformen wie Koodiyattam, Nangyarkoothu, Kathakali, Chakyar Koothu, Thirayattam und es gab viele prominente Künstler wie Painkulam Raman Chakyar und andere.
ChinaEdit
Es gibt Hinweise auf Theateraufführungen in China bereits 1500 v. Chr. während der Shang-Dynastie; sie beinhalteten oft Musik, Clownerie und akrobatische Darbietungen.
Die Tang-Dynastie wird manchmal als „Das Zeitalter der 1000 Unterhaltungen“ bezeichnet. Während dieser Ära gründete Kaiser Xuanzong eine Schauspielschule, die als Kinder des Birnengartens bekannt war, um eine Form des Dramas zu produzieren, die hauptsächlich musikalisch war.
Während der Han-Dynastie entwickelte sich das Schattenpuppenspiel erstmals zu einer anerkannten Theaterform in China. Es gab zwei verschiedene Formen des Schattenpuppenspiels, Kantonesisch Süd und Pekingesisch Nord. Die beiden Stile wurden durch die Methode der Herstellung der Puppen und die Positionierung der Stäbe auf den Puppen unterschieden, im Gegensatz zu der Art des Spiels, das von den Puppen ausgeführt wurde. Beide Stile führten im Allgemeinen Stücke auf, die großes Abenteuer und Fantasie darstellten, selten wurde diese sehr stilisierte Form des Theaters für politische Propaganda verwendet. Kantonesische Schattenpuppen waren die größere der beiden. Sie wurden aus dickem Leder gebaut, das stärkere Schatten erzeugte. Symbolische Farbe war auch sehr weit verbreitet; Ein schwarzes Gesicht stand für Ehrlichkeit, ein rotes für Tapferkeit. Die Stäbe, mit denen kantonesische Puppen gesteuert wurden, waren senkrecht zu den Köpfen der Puppen angebracht. So wurden sie vom Publikum nicht gesehen, als der Schatten geschaffen wurde. Pekinesische Puppen waren zarter und kleiner. Sie wurden aus dünnem, durchscheinendem Leder hergestellt, das normalerweise aus dem Bauch eines Esels stammt. Sie wurden mit leuchtenden Farben bemalt, so dass sie einen sehr bunten Schatten werfen. Die dünnen Stäbe, die ihre Bewegungen kontrollierten, waren an einem Lederkragen am Hals der Puppe befestigt. Die Stäbe liefen parallel zu den Körpern der Puppe und drehten sich dann in einem Winkel von neunzig Grad, um sich mit dem Hals zu verbinden. Während diese Stäbe sichtbar waren, als der Schatten geworfen wurde, lagen sie außerhalb des Schattens der Puppe; So störten sie das Aussehen der Figur nicht. Die stangen befestigt an den hälsen zu erleichtern die verwendung von mehrere köpfe mit einem körper. Wenn die Köpfe nicht verwendet wurden, wurden sie in einem Musselinbuch oder einer mit Stoff ausgekleideten Schachtel aufbewahrt. Die Köpfe wurden immer nachts entfernt. Dies entsprach dem alten Aberglauben, dass die Puppen nachts zum Leben erweckt würden, wenn sie intakt blieben. Einige Puppenspieler gingen so weit, die Köpfe in einem Buch und die Körper in einem anderen aufzubewahren, um die Möglichkeit der Wiederbelebung von Puppen weiter zu verringern. Das Schattenpuppenspiel soll im 11.Jahrhundert seinen Höhepunkt künstlerischer Entwicklung erreicht haben, bevor es zu einem Werkzeug der Regierung wurde.
In der Song-Dynastie gab es viele populäre Stücke mit Akrobatik und Musik. Diese entwickelten sich in der Yuan-Dynastie zu einer anspruchsvolleren Form mit einer vier- oder fünfaktigen Struktur. Das Yuan-Drama verbreitete sich in ganz China und diversifizierte sich in zahlreiche regionale Formen, von denen die bekannteste die bis heute beliebte Peking-Oper ist.
ThailandEdit
In Thailand hat es es war eine Tradition aus dem Mittelalter, Theaterstücke zu inszenieren, die auf Handlungen aus indischen Epen basieren. Insbesondere die Kinoversion von Thailands Nationalepos Ramakien, einer Version des indischen Ramayana, ist in Thailand auch heute noch beliebt.
CambodiaEdit
In Kambodscha gibt es Inschriften aus dem 6. Jahrhundert n. Chr., die Hinweise auf Tänzer in einem örtlichen Tempel und die Verwendung von Puppenspielen für religiöse Spiele geben. In der alten Hauptstadt Angkor Wat wurden Geschichten aus den indischen Epen Ramayana und Mahabharata an die Wände von Tempeln und Palästen geschnitzt. Ähnliche Reliefs finden sich in Borobudur in Indonesien.
JapanEdit
Im 14.Jahrhundert gab es in Japan kleine Kompanien von Schauspielern, die kurze, manchmal vulgäre Komödien aufführten. Ein Direktor eines dieser Unternehmen, Kan’ami (1333-1384), hatte einen Sohn, Zeami Motokiyo (1363-1443), der als einer der besten Kinderschauspieler Japans galt. Als Kan’amis Kompanie für Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), den Shōgun Japans, auftrat, flehte er Zeami an, eine Hofausbildung für seine Künste zu erhalten. Nachdem Zeami die Nachfolge seines Vaters angetreten hatte, trat er weiter auf und passte seinen Stil an das an, was heute Noh ist. Der Noh-Theaterstil ist eine Mischung aus Pantomime und Stimmakrobatik und hat sich zu einer der raffiniertesten Formen der Theateraufführung in Japan entwickelt.
Japan war nach einer langen Zeit von Bürgerkriegen und politischer Unordnung in erster Linie aufgrund von Shōgun Tokugawa Ieyasu (1600-1668) vereint und friedlich. Jedoch, alarmiert über die zunehmende Zahl von Christen im Land aufgrund der Missionierungsbemühungen christlicher Missionare, Er unterbrach den Kontakt von Japan nach Europa und China und verbot das Christentum. Als der Frieden kam, verlangte ein Aufblühen des kulturellen Einflusses und die wachsende Handelsklasse ihre eigene Unterhaltung. Die erste Form des Theaters, die florierte, war Ningyō Jōruri (allgemein als Bunraku bezeichnet). Der Gründer und Hauptverursacher von Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), machte seine Theaterform zu einer wahren Kunstform. Ningyō Jōruri ist eine stark stilisierte Form des Theaters mit Puppen, heute etwa 1⁄ 3. die Größe eines Menschen. Die Männer, die die Puppen kontrollieren, trainieren ihr ganzes Leben lang, um Puppenspieler zu werden, wenn sie dann den Kopf und den rechten Arm der Puppe bedienen und während der Aufführung ihr Gesicht zeigen können. Die anderen Puppenspieler, die die weniger wichtigen Gliedmaßen der Puppe kontrollieren, bedecken sich und ihre Gesichter in einem schwarzen Anzug, um ihre Unsichtbarkeit zu implizieren. Der Dialog wird von einer einzelnen Person geführt, die verschiedene Stimmtöne und Sprechweisen verwendet, um verschiedene Charaktere zu simulieren. Chikamatsu schrieb zu seinen Lebzeiten Tausende von Stücken, von denen die meisten noch heute verwendet werden.Kabuki begann kurz nach Bunraku, der Legende nach von einer Schauspielerin namens Okuni, die um das Ende des 16. Das meiste Material von Kabuki stammte von Noh und Bunraku, und seine unregelmäßigen Tanzbewegungen sind auch ein Effekt von Bunraku. Kabuki ist jedoch weniger formell und weiter entfernt als Noh, aber in der japanischen Öffentlichkeit sehr beliebt. Schauspieler werden in vielen verschiedenen Dingen trainiert, darunter Tanzen, Singen, Pantomime und sogar Akrobatik. Kabuki wurde zuerst von jungen Mädchen aufgeführt, dann von Jungen, und am Ende des 16. Die Männer, die Frauen auf der Bühne porträtierten, waren speziell darauf trainiert, in ihren subtilen Bewegungen und Gesten das Wesen einer Frau zu entlocken.
Geschichte der afrikanischen darstellenden Künste
Geschichte der darstellenden Künste in Amerika
Geschichte der darstellenden Künste in Ozeanienbearbeiten