Läntinen esittävä artsEdit
600-luvulta eKr.alkaen Kreikassa alkoi esittävän taiteen klassinen kausi, jota johtivat Sofokleen kaltaiset traagiset runoilijat. Nämä runoilijat kirjoittivat näytelmiä, jotka joissakin tapauksissa sisälsivät tanssia (katso Euripides). Hellenistisellä kaudella alkoi komiikan yleistyminen.
600-luvulle tultaessa Läntinen esittävä taide oli kuitenkin suurelta osin loppunut, kun pimeä Keskiaika alkoi. 800-ja 1300-lukujen välillä esittävä taide rajoittui lännessä uskonnonhistoriallisiin näytelmiin ja moraalinäytelmiin, joita kirkko järjesti pyhäpäivien ja muiden tärkeiden tapahtumien kunniaksi.
RenaissanceEdit
1400-luvulla esittävä taide, samoin kuin taiteet yleensä, koki elpymisen renessanssin alkaessa Italiassa ja levittäytyessä ympäri Eurooppaa näytelmät, joista osa sisälsi tanssia, jota esitettiin ja Domenico da Piacenza katsoi ensimmäisen kerran käyttäneensä balettinsa danzan (tanssi) sijasta termiä ballo (in de Arte Saltandi et Choreas Ducendi). Termi muuttui lopulta baletiksi. Ensimmäinen baletti sinänsä lienee Balthasar de Beaujoyeulxin baletti Comique de la Reine (1581).
1500-luvun puoliväliin mennessä Commedia Dell’ arte tuli suosituksi Euroopassa, jolloin improvisointia. Tällä kaudella otettiin käyttöön myös Elizabethan-naamio, jossa oli musiikkia, tanssia ja taidokkaita pukuja sekä ammattimaisia teatteriseurueita Englannissa. William Shakespearen näytelmät 1500-luvun lopulla kehittyivät tästä uudesta ammattimaisen esittämisen luokasta.
vuonna 1597 esitettiin ensimmäinen ooppera, Dafne, ja koko 1600-luvun ajan oopperasta tuli nopeasti ajanvietettä ylimystölle suurimmassa osassa Eurooppaa ja lopulta suurille joukoille kaupungeissa ja kaupungeissa ympäri Eurooppaa asuvia ihmisiä.
nykyajan eraEdit
prosceniumin kaaren käyttöönotto Italiassa 1600-luvulla vakiinnutti perinteisen teatterimuodon, joka on säilynyt nykypäivään asti. Samaan aikaan Englannissa puritaanit kielsivät näyttelemisen, mikä pysäytti esittävän taiteen, joka kesti vuoteen 1660. Sen jälkeen naisia alkoi esiintyä sekä ranskankielisissä että englanninkielisissä näytelmissä. Ranskalaiset ottivat virallisen tanssiopetuksen käyttöön 1600-luvun lopulla.
tänä aikana esitettiin myös ensimmäiset näytelmät Amerikan siirtokunnissa.
1700-luvulla suositun opera buffan käyttöönotto toi oopperan massoille helposti lähestyttävänä esitysmuotona. Mozartin Figaron ja Don Giovannin häät ovat 1700-luvun lopun oopperan maamerkkejä.
1800-luvun vaihteessa Beethoven ja romanttinen liike aloittivat uuden aikakauden, joka johti ensin suuren oopperan spektaakkeleihin ja sitten Giuseppe Verdin musikaalidraamoihin ja Richard Wagnerin oopperoiden Gesamtkunstwerkiin (kokonaistaideteos), joka johti suoraan 1900-luvun musiikkiin.
1800-luku oli esittävien taiteiden kasvun aikaa kaikille yhteiskuntaluokille, teknisiä edistysaskeleita kuten gaslightin tuominen teattereihin, burleski, minstrel-tanssi ja varieteeteatteri. Baletissa naiset etenevät huomattavasti aiemmin miesvaltaisessa taiteessa.
moderni tanssi alkoi 1800-luvun lopulla ja 1900-luvun alussa vastauksena perinteisen baletin rajoituksille.
Konstantin Stanislavskin ”järjestelmä” mullisti näyttelemisen 1900-luvun alussa, ja sillä on edelleen suuri vaikutus näyttämön ja valkokankaan näyttelijöihin nykypäivään saakka. Sekä impressionismi että moderni realismi tulivat näyttämölle tänä aikana.
Sergei Diaghilevin Ballets russesin (1909-1929) saapuminen mullisti baletin ja esittävän taiteen yleisesti kaikkialla länsimaissa, ennen kaikkea Diaghilevin yhteistyön korostamisen kautta, joka toi koreografit, tanssijat, lavastajat / taiteilijat, säveltäjät ja muusikot yhteen elvyttämään ja mullistamaan balettia. Se on erittäin monimutkainen.
Thomas Edisonin keksittyä elokuvan 1800-luvun lopulla ja elokuvateollisuuden kasvaessa Hollywoodissa 1900-luvun alussa elokuvasta tuli hallitseva esitysväline läpi 1900-ja 2000-lukujen.
Rhythm and blues, mustan Amerikan kulttuuri-ilmiö, tuli tunnetuksi 1900-luvun alussa; vaikuttaen moniin myöhempiin populaarimusiikin tyyleihin kansainvälisesti.
1930-luvulla Jean Rosenthal otti käyttöön modernin näyttämövalaistuksen, joka muutti näyttämön luonnetta Broadway-musikaalin noustessa ilmiöksi Yhdysvalloissa.
PostwarEdit
toisen maailmansodan jälkeistä esittävää taidetta korosti sekä baletin että oopperan elpyminen länsimaissa.
postmodernismi esittävissä taiteissa hallitsi 1960-lukua pitkälti.
itäinen esittävä artsEdit
Lähi-idän esittävä
varhaisin muistiin merkitty teatteritapahtuma on peräisin 2000 eaa muinaisen Egyptin passionäytelmien myötä. Tämä tarina Osiris-Jumalasta esitettiin vuosittain eri puolilla sivilisaatiota järjestetyillä festivaaleilla, mikä merkitsi tunnettua alkua teatterin ja uskonnon väliselle pitkälle suhteelle.
keskiajan islamilaisen maailman suosituimpia teatterimuotoja olivat nukketeatteri (johon kuului käsinukkeja, varjo-näytelmiä ja marionettituotantoja) sekä ta ’ Ziya-nimellä tunnetut elävät intohimonäytelmät, joissa näyttelijät esittävät uudelleen jaksoja muslimien historiasta. Erityisesti shiialaiset islamilaiset näytelmät pyörivät alin poikien Hasan ibn Alin ja Husayn ibn alin Shaheedin (marttyyrikuoleman) ympärillä. Elävät maalliset näytelmät tunnettiin nimellä akhraja, jotka on tallennettu keskiaikaiseen adab-kirjallisuuteen, vaikka ne olivat harvinaisempia kuin nukketeatteri ja ta ’ Ziya-teatteri.
IranEdit
Iranissa on muitakin teatteritapahtumia, kuten Naghali (tarinankerronta), ٰru-Howzi, Siah-Bazi, Parde-Khani, Mareke giri.
IndiaEdit
Kansanteatteri ja dramatiikka voidaan jäljittää Veda-kansojen uskonnolliseen ritualismiin 2.vuosituhannella eaa. Tähän sumuisen menneisyyden kansanteatteriin sekoittui tanssia, ruokaa, ritualismia sekä kuvaus arjen tapahtumista. Viimeinen elementti teki siitä myöhempien aikojen klassisen teatterin alkuperän. Monet historioitsijat, erityisesti D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya jne. ovat viitanneet ritualismin yleisyyteen indoarjalaisten heimojen keskuudessa, joissa jotkut heimon jäsenet toimivat ikään kuin he olisivat villieläimiä ja jotkut toiset metsästäjiä. Ne, jotka toimivat nisäkkäinä, kuten vuohet, puhvelit, porot, apinat jne. metsästäjien roolihahmot jahtasivat heitä.
Bharata Muni (suom. 5. -200-luku eaa.) oli muinainen intialainen kirjailija, joka tunnetaan parhaiten bharatan Natya Shastran, teoreettisen tutkielman kirjoittamisesta intialaisista esittävistä taiteista, kuten teatterista, tanssista, näyttelemisestä ja musiikista, jota on verrattu Aristoteleen runouteen. Bharata tunnetaan usein intialaisen teatteritaiteen isänä. Hänen Natya Shastransa vaikuttaa olevan ensimmäinen yritys kehittää draaman tekniikkaa tai pikemminkin taidetta systemaattisella tavalla. Natya Shastra kertoo paitsi siitä, mitä draamassa esitetään, myös siitä, miten esitys tehdään. Draama, kuten Bharata Muni sanoo, on miesten ja heidän tekojensa jäljittelyä (loka-vritti). Koska ihmisiä ja heidän tekemisiään on kunnioitettava näyttämöllä, sanskritinkielinen draama tunnetaan myös termillä roopaka, joka tarkoittaa roolijakoa.
Ramayanaa ja Mahabharataa voidaan pitää ensimmäisinä tunnustettuina näytelminä, jotka ovat peräisin Intiasta. Nämä eepokset antoivat innoituksen varhaisimmille intialaisille näytelmäkirjailijoille, ja he tekevät sitä vielä nykyäänkin. Intian dramatistit kuten Bhāsa 2. vuosisadalla eKr. kirjoittivat näytelmiä, jotka olivat vahvasti vaikutteita Ramayana ja Mahabharata.
Kālidāsaa pidetään kiistatta muinaisen Intian suurimpana näytelmäkirjailijana. Kolme kālidāsan kirjoittamaa kuuluisaa romanttista näytelmää ovat Mālavikāgnimitram (Mālavikā ja Agnimitra), Vikramōrvaśīyam (jotka liittyvät Vikramaan ja Urvašiin) ja Abhijñānaśākuntala (Shakuntalan tunnustus). Viimeinen sai innoituksensa Mahabharatan tarinasta ja on niistä tunnetuin. Se oli ensimmäinen, joka käännettiin englanniksi ja saksaksi. Eepoksista voimakkaasti ammentaneeseen Bhāsaan verrattuna Kālidāsaa voidaan pitää omaperäisenä näytelmäkirjailijana.
seuraava suuri intialainen näytelmäkirjailija oli Bhavabhuti (N. 7. Hänen sanotaan kirjoittaneen seuraavat kolme näytelmää: Malati-Madhava, Mahaviracharita ja Uttar Ramacharita. Näiden kolmen joukossa kaksi viimeistä peittävät väliin koko Ramayanan eepoksen. Vaikutusvaltainen Intian keisari Harsha (606-648) on kirjoittanut kolme näytelmää: komedian Ratnavali, Priyadarsika ja buddhalaisen draaman Nagananda. Keskiajalla seurasi monia muitakin näytelmäkirjailijoita.
Intian eteläosassa oli monia esittäviä taidemuotoja, Kerala on sellainen valtio, jossa on erilaisia sellaisia taidemuotoja kuten Koodiyattam, Nangyarkoothu, Kathakali, Chakyar koothu, Thirayattam ja siellä oli monia merkittäviä taiteilijoita kuten Painkulam Raman Chakyar ja muita.
ChinaEdit
on viittauksia teatterilevitykseen Kiinassa jo 1500 eaa Shang-dynastian aikana; niihin kuului usein musiikkia, pelleilyä ja akrobaattisia esityksiä.
Tang-dynastia tunnetaan joskus nimellä ”1000 viihdyttäjän Ikä”. Tänä aikakautena keisari Xuanzong perusti Päärynäpuutarhan lapsina tunnetun näyttelijäkoulun tuottamaan draaman muotoa, joka oli pääasiassa musikaalista.
Han-dynastian aikana varjo-nukketeatteri nousi ensimmäistä kertaa Kiinassa tunnustetuksi teatterimuodoksi. Oli kaksi erillistä muotoa varjo nukketeatteri, Kantonese southern ja Pekingese northern. Tyylisuunnat erotettiin toisistaan nukkejen valmistustavan ja sauvojen sijoittamisen perusteella, toisin kuin nukkejen suorittaman näytelmän. Molemmat tyylisuunnat esittivät yleensä suurta seikkailua ja fantasiaa kuvaavia näytelmiä, harvoin tätä hyvin tyyliteltyä teatterimuotoa käytettiin poliittiseen propagandaan. Kantonilaiset varjonuket olivat näistä kahdesta suurempia. Ne rakennettiin paksusta nahasta, joka loi enemmän huomattavia varjoja. Symbolinen väri oli myös hyvin yleistä; mustat kasvot edustivat rehellisyyttä, punaiset rohkeutta. Kantoninukkejen ohjaamiseen käytetyt sauvat oli kiinnitetty kohtisuoraan nukkejen päihin. Näin ollen yleisö ei nähnyt heitä varjon syntyessä. Pekingiläiset nuket olivat herkempiä ja pienempiä. Ne luotiin ohuesta, läpikuultavasta nahasta, joka on yleensä otettu aasin vatsasta. Ne oli maalattu elävillä maaleilla, joten ne heittivät hyvin värikkään varjon. Niiden liikkeitä ohjanneet ohuet sauvat kiinnitettiin nuken kaulassa olevaan nahkakaulukseen. Sauvat kulkivat rinnakkain nuken ruumiiden kanssa ja kääntyivät sitten yhdeksänkymmenen asteen kulmassa kaulaan. Vaikka nämä sauvat olivat näkyvillä varjon heittämisen yhteydessä, ne asettuivat nuken varjon ulkopuolelle; näin ne eivät häirinneet hahmon ulkonäköä. Sauvat kiinnitetty kaulan helpottaa käyttöä useita päitä yhdellä rungolla. Kun päitä ei käytetty, niitä säilytettiin musliinikirjassa tai kangasvuoratussa laatikossa. Päät irrotettiin aina yöllä. Tämä oli vanhan taikauskon mukaista, että jos nuket jätettäisiin koskemattomiksi, ne heräisivät eloon yöllä. Jotkut nukketeatterit menivät niin pitkälle, että varastoivat päät yhteen kirjaan ja ruumiit toiseen, vähentääkseen entisestään nukkien henkiin herättämisen mahdollisuutta. Varjo-nukketeatterin sanotaan saavuttaneen taiteellisen kehityksensä huipun 1000-luvulla ennen kuin siitä tuli hallituksen työkalu.
Song-dynastian aikana oli monia suosittuja akrobatiaa ja musiikkia sisältäviä näytelmiä. Nämä kehittyivät Yuan-dynastian aikana hienostuneempaan muotoon, jossa oli neljä – tai viisinäytöksinen rakenne. Yuan-draama levisi ympäri Kiinaa ja monipuolistui lukuisiin alueellisiin muotoihin, joista tunnetuin on vielä nykyäänkin suosittu Peking-Ooppera.
ThailandEdit
Hanuman vaunuissaan, kohtaus Ramakienista Wat Phra Kaewissa Bangkokissa
Thaimaassa intialaisista eepoksista ammennettuihin juoniin perustuvat näytelmät ovat olleet perinne jo keskiajalta lähtien. Erityisesti Thaimaan kansalliseepoksen Ramakienin teatteriversio, versio Intialaisesta Ramayanasta, on edelleen suosittu Thaimaassa tänäkin päivänä.
Kambodžaedit
Kambodžassa 600-luvulta peräisin olevat piirtokirjoitukset osoittavat todisteita tanssijoista paikallisessa temppelissä ja nukketeatterin käytöstä uskonnollisissa näytelmissä. Muinaisen pääkaupungin Angkor Watin temppelien ja palatsien seiniin on kaiverrettu tarinoita intialaisista eepoksista Ramayana ja Mahabharata. Samanlaisia reliefejä on Borobudurissa Indonesiassa.
JapanEdit
1300-luvulla Japanissa oli pieniä näyttelijöitä, jotka esittivät lyhyitä, joskus vulgaareja komedioita. Kan ’ Amin (1333-1384) johtajalla oli poika Zeami Motokiyo (1363-1443), jota pidettiin yhtenä Japanin parhaista lapsinäyttelijöistä. Kun Kan ’ Amin seurue esiintyi Japanin shōgunille Ashikaga Yoshimitsulle (1358-1408), hän pyysi zeamilta hovikasvatusta taiteisiinsa. Zeamin tultua isänsä seuraajaksi hän jatkoi esiintymistä ja muokkasi tyyliään nykyiseen Noh: iin. Pantomiimin ja lauluakrobatian sekoitus noh-tyylisestä teatterista on tullut yksi Japanin hienostuneimmista teatteriesityksen muodoista.
Japani oli pitkään jatkuneiden sisällissotien ja poliittisen sekasorron jälkeen yhtenäinen ja rauhassa lähinnä shōgun Tokugawa Ieyasun (1600-1668) ansiosta. Mutta koska hän oli huolissaan kristittyjen lähetystyöntekijöiden käännytystyön vuoksi lisääntyvästä kristittyjen määrästä maassa, hän katkaisi yhteydet Japanista Eurooppaan ja Kiinaan ja kielsi kristillisyyden. Kun rauha tuli, kulttuurivaikuttajan ja kasvavan kauppaluokan kukoistuskausi vaati omaa viihdettä. Ensimmäinen kukoistava teatterimuoto oli Ningyō jōruri (yleisesti Bunraku). Ningyō jōrurin perustaja ja päärahoittaja Chikamatsu Monzaemon (1653-1725) muutti teatterimuotonsa todelliseksi taidemuodoksi. Ningyō jōruri on hyvin tyylitelty muoto teatterin käyttäen nuket, tänään noin 1⁄3rd koko ihmisen. Nukkeja hallitsevat miehet harjoittelevat koko elämänsä mestarinukkeensoittajiksi, jolloin he voivat sitten operoida nuken päätä ja oikeaa kättä ja halutessaan näyttää kasvonsa esityksen aikana. Muut nukketeatterin jäsenet, jotka hallitsevat nuken vähemmän tärkeitä raajoja, peittävät itsensä ja kasvonsa mustalla puvulla vihjatakseen näkymättömyydestään. Dialogista vastaa yksi henkilö, joka käyttää erilaisia äänensävyjä ja puhetapoja simuloidakseen erilaisia hahmoja. Chikamatsu kirjoitti elämänsä aikana tuhansia näytelmiä,joista suurin osa on edelleen käytössä.
Kabuki sai alkunsa pian Bunrakun jälkeen, legendan mukaan sen on tehnyt Okuni-niminen näyttelijä, joka eli 1500-luvun lopun tienoilla. Suurin osa kabukin materiaalista tuli Nohilta ja Bunrakulta, ja myös sen arvaamattomat tanssityyppiset liikkeet ovat bunrakun vaikutusta. Kabuki on kuitenkin vähemmän muodollinen ja etäisempi kuin Noh, mutta silti hyvin suosittu japanilaisen yleisön keskuudessa. Näyttelijöitä koulutetaan monenlaisiin asioihin, kuten tanssiin, lauluun, pantomiimiin ja jopa akrobatiaan. Kabukia esittivät ensin nuoret tytöt, sitten nuoret pojat, ja 1500-luvun lopulla kabukikomppaniat koostuivat kaikista miehistä. Naisia näyttämöllä esittäneet miehet oli erityisesti koulutettu saamaan naisen olemus esiin hienovaraisilla liikkeillään ja eleillään.