Western performing artsEdit
a Kr.E. 6. században kezdődött az előadóművészet klasszikus korszaka Görögországban, amelyet olyan tragikus költők vezettek be, mint Szophoklész. Ezek a költők olyan színdarabokat írtak, amelyek egyes esetekben beépítették a táncot (lásd Euripides). A hellenisztikus időszak kezdte a komédia széles körű használatát.U. 6. századra azonban a nyugati előadóművészet nagyrészt véget ért, ahogy a sötét középkor elkezdődött. A 9.század és a 14. század között a nyugati előadóművészet csak vallási történelmi törvényekre és erkölcsi színdarabokra korlátozódott, amelyeket az egyház szervezett a szent napok és más fontos események megünneplésére.
RenaissanceEdit
a 15. században előadóművészet, valamint a művészetek általában látott egy ébredés, mint a reneszánsz kezdődött Olaszországban, és elterjedt az egész Európában játszik, amelyek közül néhány beépített tánc, amelyeket végre, és Domenico da Piacenza jóvá az első használata a kifejezés ballo (in de Arte Saltandi et Choreas Ducendi) helyett danza (tánc) az ő baletti vagy balli. A kifejezés végül balett lett. Úgy gondolják, hogy az első balett önmagában Balthasar de Beaujoyeulx ‘ s balett Comique de la Reine (1581).
a 16.század közepére a Commedia Dell’ Arte népszerűvé vált Európában, bevezetve a Commedia Dell ‘Arte-t, a Commedia Dell’ Arte improvizáció. Ebben az időszakban vezették be az Erzsébet-maszkot is, amely zenét, táncot és bonyolult jelmezeket, valamint professzionális színházi társaságokat tartalmazott Angliában. William Shakespeare darabjai a 16.század végén a szakmai teljesítmény ezen új osztályából fejlődtek ki.
1597-ben adták elő az első operát, a Dafne-t, és a 17.század folyamán az opera gyorsan választott szórakozássá vált az arisztokrácia számára Európa nagy részén, és végül Európa nagy városaiban élő nagyszámú ember számára.
Modern eraEdit
a proscenium arch bevezetése Olaszországban a 17.században létrehozta a hagyományos színházi formát, amely a mai napig fennáll. Eközben Angliában a puritánok megtiltották a színészetet, megállítva az előadóművészetet, amely 1660-ig tartott. Ezt követően a nők mind Francia, mind angol színdarabokban kezdtek megjelenni. A franciák a 17.század végén vezettek be hivatalos táncoktatást.
Ez alatt az idő alatt adták elő az első darabokat az amerikai kolóniákban.
a 18. század folyamán a népszerű Opera bevezetése buffa az operát hozzáférhető előadásmódként hozta a tömegekhez. Mozart Figaro és Don Giovanni házassága a 18. század végi opera nevezetességei.
a 19.század fordulóján Beethoven és a romantikus mozgalom új korszakot nyitott meg, amely először a nagy opera látványához vezetett, majd Giuseppe Verdi zenei drámáihoz és Richard Wagner operáinak Gesamtkunstwerk (teljes műalkotás) című művéhez, amely közvetlenül a 20. század zenéjéhez vezetett.
a 19.század az előadóművészetek növekedésének időszaka volt minden társadalmi osztály számára, olyan technikai fejlődés, mint a Gaslight bevezetése a színházakba, burleszk, minstrel táncés variety Színház. A balettben a nők nagy előrelépést tesznek a korábban férfiak által uralt művészetben.
Isadora Duncan, a free dance egyik fejlesztője.
a Modern tánc a 19.század végén és a 20. század elején kezdődött, válaszul a hagyományos balett korlátozásaira.
Konstantin Stanislavski “rendszere” forradalmasította a színészetet a 20.század elején, és a mai napig nagy hatással van a színpadi és a képernyős színészekre. Mind az impresszionizmus, mind a modern realizmus ebben az időszakban került a színpadra.
Szergej Gyagilev Orosz Balettjeinek érkezése (1909-1929) forradalmasította a balettet és az előadóművészetet általában az egész nyugati világban, legfőképpen Diaghilev együttműködésének hangsúlyozása révén, amely koreográfusokat, táncosokat, díszlettervezőket / művészeket, zeneszerzőket és zenészeket hozott össze a balett újjáélesztése és forradalmasítása érdekében. Rendkívül összetett.
a 19.század végén Thomas Edison által feltalált mozgókép és a filmipar növekedése Hollywoodban a 20. század elején a film a 20. és 21. század folyamán domináns teljesítményközeggé vált.
a Rhythm and blues, a fekete-Amerika kulturális jelensége a 20.század elején került előtérbe; számos későbbi népszerű zenei stílust befolyásolt nemzetközi szinten.
az 1930-as években Jean Rosenthal bevezette a modern színpadi világítást, megváltoztatva a színpad jellegét, mivel a Broadway musical jelenséggé vált az Egyesült Államokban.
PostwarEdit
a második világháború utáni előadóművészetet kiemelte mind a balett, mind az opera újjáéledése a nyugati világban.
Az előadóművészet Posztmodernizmusa nagymértékben uralta az 1960-as éveket.
Keleti előadó művészetekszerkesztés
közel-Keletszerkesztés
a legkorábbi felvett színházi esemény KR.E. 2000-ben nyúlik vissza az ókori Egyiptom szenvedélyjátékaival. Ozirisz Isten történetét minden évben előadták a civilizáció fesztiváljain, jelezve a színház és a vallás közötti hosszú kapcsolat kezdetét.
a középkori iszlám világban a legnépszerűbb színházi formák a bábszínház (amely kézibábokat, árnyékjátékokat és marionett-produkciókat tartalmazott) és a ta ‘ Ziya néven ismert élő szenvedélyjátékok voltak, ahol a színészek a muszlim történelem epizódjait elevenítik fel. Különösen a síita iszlám színdarabok forogtak Ali fiai, Hasan ibn Ali és Husayn ibn Ali Shaheed (mártíromsága) körül. Az élő világi színdarabokat akhraja néven ismerték, amelyeket a középkori adab irodalomban rögzítettek, bár kevésbé gyakoriak voltak, mint a bábjáték és a ta ‘ Ziya Színház.
IranEdit
Iránban vannak más színházi események is, mint például Naghali (történetmesélés), ru-Howzi, Siah-Bazi, Parde-Khani, Mareke giri.
IndiaEdit
Népszínház és drámák vezethető vissza, hogy a vallási ritualizmus a védikus népek a 2.évezredben. A ködös múlt népszínházát keverte a tánc, az étel, a ritualizmus, valamint a mindennapi élet eseményeinek ábrázolása. Az utolsó elem a későbbi idők klasszikus színházának eredetévé tette. Sok történész, nevezetesen D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya stb. utaltak a ritualizmus elterjedtségére az indoárja törzsek között, amelyekben a törzs egyes tagjai úgy viselkedtek, mintha vadállatok lennének, mások pedig vadászok. Azok, akik emlősként viselkedtek, mint a kecskék, bivalyok, rénszarvasok, majmok stb. a vadászok szerepét játszók üldözték őket.
Bharata Muni (fl. E. 5.–2. század) ősi indiai író volt, aki legismertebb a Natya Shastra nak, – nek Bharata, elméleti értekezés az indiai előadóművészetekről, beleértve a színházat, a táncot, a színészetet és a zenét, amelyet Arisztotelész Poétikájához hasonlítottak. Bharata gyakran az indiai színházi Művészetek atyjaként ismert. Úgy tűnik, hogy Natya Shastra az első kísérlet a dráma technikájának vagy inkább művészetének szisztematikus fejlesztésére. A Natya Shastra nemcsak azt mondja el nekünk, hogy mit kell ábrázolni egy drámában, hanem azt is, hogy az ábrázolást hogyan kell elvégezni. A dráma, ahogy Bharata Muni mondja, az emberek és cselekedeteik utánzata (loka-vritti). Mivel az embereket és cselekedeteiket tiszteletben kell tartani a színpadon, ezért a szanszkrit drámát a roopaka kifejezéssel is ismerik, ami ábrázolást jelent.
a Rámájana és a Mahábhárata tekinthető az első elismert darabnak, amely Indiából származik. Ezek az eposzok inspirálták a legkorábbi Indiai drámaírókat, és még ma is ezt teszik. Az indiai drámaírók, mint például Bh a 2. században, olyan darabokat írtak, amelyeket a Rámájana és a Mahábhárata ihletett.
k a BC 1.században, vitathatatlanul az ókori India legnagyobb drámaírójának tekintik. Három híres romantikus játszik írta Kālidāsa a Mālavikāgnimitram (Mālavikā, valamint Agnimitra), Vikramōrvaśīyam (Vonatkozó Vikrama, valamint Urvashi), valamint Abhijñānaśākuntala (Elismerését Shakuntala). Az utóbbit a Mahábhárata története ihlette, és a leghíresebb. Ez volt az első, amelyet lefordítottak angolra és németre. Összehasonlítva Bhāsa, aki felhívta erősen a eposz, Kālidāsa tekinthető egy eredeti drámaíró.
a következő nagy indiai drámaíró Bhavabhuti volt (7. század körül). Állítólag a következő három darabot írta: Malati-Madhava, Mahaviracharita és Uttar Ramacharita. E három közül az utolsó két borító közöttük, a Rámájana egész eposza. A hatalmas indiai császár, Harsha (606-648) három darabot írt: a vígjátékot Ratnavali, Priyadarsika, valamint a buddhista drámát Nagananda. Sok más drámaíró követte a középkorban.
India déli részén sok Előadóművészeti forma volt, Kerala olyan állam, ahol különböző művészeti formák voltak, mint Koodiyattam, Nangyarkoothu, Kathakali, Chakyar koothu, Thirayattam és sok kiemelkedő művész volt, mint Painkulam Raman Chakyar és mások.
ChinaEdit
vannak utalások színházi szórakoztató Kínában már E. 1500 a Shang-dinasztia idején; gyakran vettek részt zenében, bohóckodásban és akrobatikus előadásokban.
a Tang-dinasztiát néha “1000 Szórakozás korának”nevezik. Ebben a korszakban Xuanzong császár a Körtekert gyermekei néven ismert színészi iskolát hozott létre, hogy elsősorban zenei jellegű drámát készítsen.
A Han-dinasztia idején az árnyékbábjáték először a színház elismert formájaként jelent meg Kínában. Az árnyékbábjátéknak két különböző formája volt, a kantoni déli és a pekingi északi. A két stílust a bábok készítésének módja és a rudak bábokra helyezése különböztette meg, szemben a bábok által előadott játék típusával. Mindkét stílus általában nagy kalandot és fantáziát ábrázoló darabokat adott elő, ritkán használták ezt a nagyon stilizált színházi formát politikai propagandára. A kantoni árnyékbábok voltak a nagyobbak a kettő közül. Vastag bőr felhasználásával épültek, amely jelentősebb árnyékokat hozott létre. A szimbolikus szín is nagyon elterjedt volt; a fekete arc az őszinteséget, a piros a bátorságot képviselte. A kantoni bábok irányításához használt rudakat merőlegesen rögzítették a bábok fejére. Így a közönség nem látta őket, amikor az árnyék létrejött. A pekingi bábok finomabbak és kisebbek voltak. Vékony, áttetsző bőrből készültek, amelyet általában egy szamár hasából vettek. Élénk festékekkel festették őket, így nagyon színes árnyékot vetettek. A mozgásukat irányító vékony rudakat a báb nyakán lévő bőr gallérhoz rögzítették. A rudak párhuzamosan futottak a báb testével, majd kilencven fokos szögben elfordultak, hogy csatlakozzanak a nyakhoz. Míg ezek a rudak láthatóak voltak az árnyék leadásakor, a báb árnyékán kívül feküdtek; így nem zavarták az alak megjelenését. A nyakhoz rögzített rudak megkönnyítik a több fej használatát egy testtel. Amikor a fejeket nem használták, muszlin könyvben vagy szövet bélelt dobozban tárolták őket. A fejeket mindig éjszaka távolították el. Ez összhangban volt azzal a régi babonával, hogy ha érintetlenül hagyják, a bábok éjszaka életre kelnek. Egyes bábosok odáig mentek, hogy a fejeket az egyik könyvben, a testeket pedig a másikban tárolták, hogy tovább csökkentsék a bábok újraélesztésének lehetőségét. Az árnyékbábjáték állítólag a művészi fejlődés legmagasabb pontját a 11.században érte el, mielőtt a kormány eszközévé vált.
a Song-dinasztiában sok népszerű darab volt, beleértve az akrobatikát és a zenét. Ezek a Yuan-dinasztiában kifinomultabb formává fejlődtek, négy-vagy öt felvonásos szerkezettel. A jüan dráma elterjedt Kínában, és számos regionális formára diverzifikálódott, amelyek közül a legismertebb a Pekingi Opera, amely ma is népszerű.
ThailandEdit
Thaiföldön a középkor óta hagyomány, hogy indiai eposzokból rajzolt parcellákon alapuló színdarabokat rendeznek. Különösen Thaiföld nemzeti eposzának színházi változata Ramakien, az indiai Ramayana változata, ma is népszerű Thaiföldön.
Kambodzsaedit
Kambodzsában a Kr.U. 6. századból származó feliratok arra utalnak, hogy táncosok vannak egy helyi templomban, és bábjátékokat használnak vallási játékokhoz. Az ősi fővárosban, Angkor Watban az indiai Rámájana és Mahábhárata eposzok történeteit faragták a templomok és paloták falaira. Hasonló domborművek találhatók Borobudur Indonéziában.
JapanEdit
a 14. század folyamán Japánban voltak olyan kis társulatok, akik rövid, néha vulgáris vígjátékokat játszottak. Az egyik ilyen vállalat igazgatója, Kan ‘ ami (1333-1384), volt egy fia, Zeami Motokiyo (1363-1443), akit Japán egyik legkiválóbb gyermekszínészének tartottak. Amikor Kan ‘ ami társasága fellépett Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), a japán SH XXL-Gun, könyörgött Zeaminak, hogy legyen udvari oktatása művészetéhez. Miután Zeami apja utódja lett, folytatta a fellépést és a stílusát a mai Noh-hoz igazította. A pantomim és a vokális akrobatika keveréke, a Noh színházi Stílus Japán egyik legkifinomultabb színházi formájává vált.
japán hosszú polgárháborúk és politikai zűrzavar után egyesült és békében volt, elsősorban Tokugawa Ieyasu (1600-1668) miatt. A keresztény misszionáriusok térítő erőfeszítései miatt az országban növekvő számú Kereszténytől tartva azonban megszakította a kapcsolatot Japánból Európába és Kínába, és betiltotta a kereszténységet. Amikor eljött a béke, a kulturális befolyás virágzása és a növekvő kereskedői osztály saját szórakozást követelt. A színház első virágzási formája az volt Ningy vállalkozók (általában Bunraku néven emlegetik). A Ningy (Ningy) J. C. Ruri alapítója és fő támogatója, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725) igazi művészeti formává változtatta színházi formáját. Ningy (ningy) J A (Z) XXL-Ruri a bábokat használó Színház erősen stilizált formája, ma kb 1 3.számú ember. A bábokat irányító férfiak egész életükben mester bábosokká válnak, amikor a bábuk fejét és jobb karját működtethetik, és úgy dönthetnek, hogy megmutatják az arcukat az előadás során. A többi bábos, akik a báb kevésbé fontos végtagjait irányítják, fekete öltönybe fedik magukat és arcukat, láthatatlanságukra utalva. A párbeszédet egyetlen személy kezeli, aki változatos hangszíneket és beszédmódokat használ a különböző karakterek szimulálására. Chikamatsu élete során több ezer darabot írt, amelyek többségét ma is használják.
Kabuki röviddel Bunraku után kezdődött, a legenda szerint Okuni nevű színésznő, aki a 16.század vége körül élt. A kabuki anyagának nagy része Noh-ból és Bunraku-ból származik, és a szokatlan tánc-típusú mozgások szintén a Bunraku hatása. A kabuki azonban kevésbé formális és távolabbi, mint a Noh, mégis nagyon népszerű a japán közönség körében. A színészeket sokféle dologban képzik, beleértve a táncot, éneklés, pantomim, sőt akrobatika. A kabukit először fiatal lányok, majd fiatal fiúk adták elő, a 16.század végére pedig a kabuki társaságok minden férfiból álltak. A férfiakat, akik nőket ábrázoltak a színpadon, kifejezetten arra képezték ki, hogy finom mozdulataikkal és gesztusaikkal a nő lényegét keltsék fel.
története afrikai teljesítő artsEdit
az előadóművészet története Amerikában
az előadóművészet története az Óceániábanszerkesztés