西洋芸能編集
紀元前6世紀から、舞台芸術の古典的な期間は、ソフォクレスなどの悲劇的な詩人によって導かれたギリシャで始まった。 これらの詩人は、いくつかのケースでは、ダンスを組み込んだ演劇を書いた（エウリピデスを参照）。 ヘレニズム時代は喜劇の広範な使用を始めた。しかし、6世紀までには、暗黒時代が始まるにつれて、西洋の舞台芸術は大部分が終了していました。 9世紀から14世紀の間、西洋の舞台芸術は、神聖な日やその他の重要な出来事を祝うために教会が主催する宗教的な歴史的制定法や道徳劇に限定されていた。h4>
: ルネサンス
15世紀の舞台芸術は、一般的な芸術とともに、ルネサンスがイタリアで始まり、ヨーロッパの演劇に広がり、そのうちのいくつかはダンスを取り入れ、Domenico da Piacenzaは彼のbalettiまたはballiのためにダンザ（ダンス）の代わりにballo（In De Arte Saltandi et Choreas Ducendi）という用語を最初に使用したと信じられている。 最終的にはバレエとなった。 最初のバレエ作品は、バルタサール・ド・ボジョイユのバレエ『Comique de la Reine』（1581年）であると考えられている。
1597年に最初のオペラ”ダフネ”が上演され、17世紀を通じて、オペラは急速にヨーロッパのほとんどの貴族のための娯楽になり、最終的にはヨーロッパ全土の都市や町に住む多くの人々のために選択された。
Modern eraEdit
17世紀のイタリアにおけるプロセニアム-アーチの導入は、今日まで続く伝統的な劇場形態を確立しました。 一方、イングランドでは、ピューリタンは1660年まで続いた舞台芸術に停止をもたらし、演技を禁止しました。 その後、女性はフランス語と英語の両方の演劇に登場し始めました。 フランス人は17世紀後半に正式なダンス指導を導入しました。
最初の演劇がアメリカの植民地で行われたのもこの時期です。
18世紀には、人気のあるオペラ”ブッファ”の導入により、オペラは大衆にアクセス可能なパフォーマンスの形態としてもたらされました。 モーツァルトの”フィガロとドン-ジョヴァンニの結婚”は、18世紀後半のオペラのランドマークです。
19世紀の変わり目に、ベートーヴェンとロマンチックな動きは、グランドオペラの眼鏡に最初につながった新しい時代を迎え、その後ジュゼッペ*ヴェルディ
19世紀は、すべての社会階級のための舞台芸術、劇場へのガスライトの導入、バーレスク、ミンストレルダンス、バラエティ劇場などの技術的進歩の成長期であった。 バレエでは、女性は以前は男性が支配していた芸術で大きな進歩を遂げています。div>
モダンダンスは、伝統的なバレエの制限に対応して、19世紀後半から20世紀初頭に始まりました。
コンスタンチン-スタニスラフスキーの”システム”は、20世紀初頭に演技に革命をもたらし、現在まで舞台やスクリーンの俳優に大きな影響を与え続けています。 この時期に印象派と現代のリアリズムの両方が舞台に導入されました。
セルゲイ-ディアギレフのバレエ-ルス（1909年-1929年）の到来は、バレエと舞台芸術に革命をもたらし、最も重要なのは、振付家、ダンサー、セットデザイナー/アーティスト、作曲家、ミュージシャンを結集させ、バレエを活性化し、革命化させたコラボレーションに重点を置いたディアギレフのコラボレーションを通じて、西洋世界全体に革命をもたらした。 それは非常に複雑です。
トーマス-エジソンによる19世紀後半の映画の発明と20世紀初頭のハリウッドにおける映画産業の成長に伴い、映画は20世紀から21世紀にかけて支配的なパフォーマンスメディアとなった。
黒人アメリカの文化的現象であるリズム-アンド-ブルースは、20世紀初頭に顕著になり、後のポピュラー音楽スタイルの範囲に国際的に影響を与えた。
1930年代にジャン-ローゼンタールは、ブロードウェイミュージカルが米国で現象になったように舞台の性質を変え、現代の舞台照明になるものを導入しました。
PostwarEdit
第二次世界大戦後の舞台芸術は、西洋世界におけるバレエとオペラの両方の復活によって強調されました。
舞台芸術におけるポストモダニズムは、1960年代を大きく支配した。
Eastern performing artsEdit
Middle EastEdit
最も初期に記録された演劇イベントは、古代エジプトの情熱的な演劇で紀元前2000年にさかのぼります。 神オシリスのこの物語は、劇場と宗教の間の長い関係の知られている始まりをマークし、文明全体の祭りで毎年行われました。
中世のイスラム世界で最も人気のある演劇は、人形劇（手の人形、影の演劇、マリオネットの作品を含む）と、俳優がイスラムの歴史からのエピソードを再制定するta’ziyaとして知られているライブパッション演劇でした。 特に、シーア派のイスラム演劇は、アリーの息子ハサン・ブン・アリーとフサイン・ブン・アリーのシャヒード（殉教）を中心に展開していた。 生きた世俗的な演劇は、中世のアダブ文学に記録されたakhrajaとして知られていましたが、人形劇やta’ziya劇場よりも一般的ではありませんでした。
IranEdit
イランには、Naghali（物語を伝える）、ٰRu-Howzi、Siah-Bazi、Parde-Khani、Mareke giriなどの演劇イベントの他の形態があります。div>
民俗劇場とドラマは、紀元前2千年紀のヴェーダの人々の宗教的儀式にさかのぼることができます。 霧の過去のこの民俗劇場は、ダンス、食べ物、儀式、プラス日常生活からのイベントの描写と混合されました。 最後の要素は、それが後の時代の古典的な劇場の起源となった。 多くの歴史家、特にD.D.Kosambi、Debiprasad Chattopadhyaya、Adya Rangacharayaなど。 彼らは野生動物であり、いくつかの他の人がハンターだったかのように部族の一部のメンバーが行動したインド-アーリアの部族の間で儀式主義の有病率 ヤギ、水牛、トナカイ、サルなどの哺乳類として行動した人。 ハンターの役割を果たしているものに追われました。
バラタ-ムニ（fl. 紀元前5世紀–紀元前2世紀）は、アリストテレスの詩学と比較されているインドの舞台芸術に関する理論的な論文であるBharataのNatya Shastraを書いたことで最もよく知られている古代インドの作家であった。 バラタはしばしばインドの演劇芸術の父として知られています。 彼のNatya Shastraは、体系的な方法でドラマの技術、あるいはむしろ芸術を開発する最初の試みであるようです。 Natya Shastraは、ドラマの中で何を描写するのかだけでなく、描写がどのように行われるのかを教えてくれます。 ドラマは、Bharata Muniが言うように、男性とその行為（loka-vritti）の模倣です。 男性とその所業は、ステージ上で尊重されなければならないので、サンスクリット語でのドラマはまた、描写を意味する用語roopakaによって知られています。
ラーマーヤナとマハーバーラタは、インドで生まれた最初の認識された演劇と考えることができます。 これらの叙事詩は、最古のインドの劇作家にインスピレーションを提供し、彼らは今日でもそれを行います。 紀元前2世紀のBhāsaのようなインドの劇作家は、ramayanaとMahabharataに大きく触発された演劇を書いた。
紀元前1世紀のKālidāsaは、間違いなく古代インドの最大の劇作家であると考えられています。 カーリダーサによって書かれた有名な3つのロマンチックな演劇は、Mālavikāgnimitram（MālavikāとAgnimitra）、Vikramōrvaşyam（vikramaとurvashiに関連する）、abhijīānaşākuntala（shakuntalaの認識）です。 最後はMahabharataの物語に触発され、最も有名です。 これは、英語とドイツ語に翻訳された最初のものでした。 叙事詩から大きく描いたBhāsaと比較して、Kālidāsaはオリジナルの劇作家と考えることができます。
次の偉大なインドの劇作家はBhavabhuti（c.7世紀）でした。 以下の三つの戯曲を書いたと言われている。: マラティ-Madhava、MahaviracharitaとUttar Ramacharita。 これら三つのうち、それらの間の最後の二つのカバー、ラーマーヤナの全体の叙事詩。 強力なインドの皇帝ハルシャ（606年-648年）は、コメディRatnavali、Priyadarsika、仏教のドラマNaganandaの三つの演劇を書いたと信じられています。 他の多くの劇作家が中世に続いた。
インドの南部には多くの舞台芸術の形態がありましたが、ケーララ州はKoodiyattam、Nangyarkoothu、Kathakali、Chakyar koothu、Thirayattamのような異なる芸術形態を持つような状態であり、Painkulam Raman Chakyarなどのような多くの著名な芸術家がいました。
ChinaEdit
シャン王朝の間に早ければ1500BCのように中国; 彼らはしばしば音楽、clowning、アクロバティックなディスプレイを含んでいました。
唐王朝は、時には”1000娯楽の時代”として知られています。 この時代、玄宗皇帝は梨園の子供として知られている演技学校を形成し、主に音楽的なドラマの形を作り出しました。
漢王朝の間に、影の人形劇は中国の劇場の確認された形態として最初に現れました。 影の人形劇には、広東語の南部と北京語の北部の2つの異なる形がありました。 二つのスタイルは、人形によって行われる遊びのタイプとは対照的に、人形を作る方法と人形の棒の位置によって区別されました。 両方のスタイルは、一般的に偉大な冒険とファンタジーを描いた演劇を行い、まれに政治宣伝のために使用される劇場のこの非常に様式化された形 広東語の影の人形は、2つのうちのより大きいものでした。 彼らはより実質的な影を作成した厚い革を使用して構築されました。 象徴的な色も非常に普及していました;黒い顔は誠実さを表し、赤いものは勇気を表しました。 広東語の人形を制御するために使用される棒は、人形の頭に垂直に取り付けられていました。 したがって、影が作られたとき、彼らは聴衆に見られませんでした。 ペキニーズの人形は、より繊細で小さくなっていました。 彼らは通常、ロバの腹から取られた薄い、半透明の革から作られました。 彼らは活気のある塗料で描かれていたので、彼らは非常にカラフルな影を投げました。 彼らの動きを制御する細い棒は、人形の首の革の襟に取り付けられていました。 棒は人形の体に平行に走った後、首に接続するために九十度の角度で回転しました。 これらの棒は影が投げられたときに見えるが、人形の影の外に横たわっていたので、人形の外観を妨げることはなかった。 ロッドは、一つの体を持つ複数のヘッドの使用を容易にするために首に取り付けられています。 頭部が使用されていなかったときに、モスリンの本か生地によって並べられる箱で貯えられました。 頭は常に夜に削除されました。 これは、そのまま放置した場合、人形は夜に生命に来るだろうという古い迷信に沿っていました。 人形の中には、人形を復活させる可能性をさらに減らすために、頭をある本に、体を別の本に保管する人もいました。 影の人形劇は、政府のツールになる前に、11世紀に芸術的発展の最高点に達したと言われています。
宋時代には、アクロバットや音楽を含む多くの人気のある演劇がありました。 これらは元朝に発展し、四幕または五幕の構造を持つより洗練された形になった。 元のドラマは中国全土に広がり、多くの地域の形に多様化し、その中で最もよく知られているのは今日でも人気がある北京オペラです。
ThailandEdit
タイでは、それは中世からインドの叙事詩から引き出されたプロットに基づいて演劇を上演する伝統をされています。 特に、インドのラーマーヤナのバージョンであるタイの国家叙事詩ラマキエンの劇場版は、今日でもタイで人気があります。
CambodiaEdit
カンボジアでは、6世紀にさかのぼる碑文は、地元の寺院でダンサーと宗教的な演劇のための人形劇を使用しての証拠を示しています。 古代の首都アンコールワットでは、インドの叙事詩ラーマーヤナとマハーバーラタからの物語は、寺院や宮殿の壁に刻まれています。 同様のレリーフは、インドネシアのボロブドゥールで発見されています。
JapanEdit
: 能、文楽、歌舞伎、舞踏
14世紀には、日本には短い、時には下品な喜劇を演じた俳優の小さな会社がありました。 これらの会社の取締役である観阿弥（1333年-1384年）には、日本で最も優れた子役の一人とされる世阿弥元清（1363年-1443年）がいた。 観阿弥の一行が足利義満（1358年-1408年）のために演奏したとき、世阿弥に芸術のための宮廷教育を求めた。 世阿弥が父の後を継いだ後も、現在の能にそのスタイルを適応させ続けました。 パントマイムと声楽のアクロバットが混ざり合った能は、日本で最も洗練された演劇の一つとなっています。
日本は、内戦と政治的混乱の長い期間の後、主に将軍徳川家康（1600-1668）のために統一され、平和になりました。 しかし、キリシタン宣教師の布教活動による国内のキリシタンの増加に警戒し、日本からヨーロッパや中国への接触を遮断し、キリスト教を非合法化した。 平和が来たとき、文化的影響と成長する商人階級の繁栄は、独自の娯楽を要求しました。 最初に繁栄した劇場は人形浄瑠璃（通称文楽）でした。 人形浄瑠璃の創始者であり、主な貢献者である近松門左衛門（1653年-1725年）は、彼の演劇の形を真の芸術の形に変えました。 人形浄瑠璃は、人形を使用した演劇の高度に様式化された形態であり、今日では人間の約1/3の大きさである。 人形を制御する男性は、人形の頭と右腕を操作し、パフォーマンス中に顔を見せることができるとき、マスター人形になるために彼らの一生を訓練します。 人形のあまり重要でない手足を制御する他の人形師は、彼らの不可視性を暗示するために、黒いスーツで自分自身と彼らの顔を覆う。 対話は、異なる文字をシミュレートするために、声と話すマナーの様々なトーンを使用して、一人の人によって処理されます。 近松は生涯に何千もの戯曲を書いており、そのほとんどが今日でも使用されています。
歌舞伎は文楽の直後に始まり、伝説は16世紀末頃に住んでいた大国という女優によってそれを持っています。 歌舞伎の資料のほとんどは能や文楽からのものであり、その不安定な踊り型の動きも文楽の効果である。 しかし、歌舞伎は能よりも正式ではなく、遠く離れていますが、日本の国民の間では非常に人気があります。 俳優は、ダンス、歌、パントマイム、さらにはアクロバットを含む多くの様々なもので訓練されています。 歌舞伎は、最初は若い女の子によって、その後若い男の子によって行われ、16世紀の終わりまでには、歌舞伎の会社はすべての男性で構成されていました。 舞台上で女性を描いた男性は、微妙な動きや身振りで女性の本質を引き出すために特別に訓練されました。