Artele Spectacolului Occidentaledit
începând cu secolul 6 î.HR., perioada clasică a artei spectacolului a început în Grecia, inaugurată de poeții tragici precum Sofocle. Acești poeți au scris piese care, în unele cazuri, au încorporat dansul (vezi Euripide). Perioada elenistică a început utilizarea pe scară largă a comediei.cu toate acestea, până în secolul al 6-lea d.HR., Artele Spectacolului occidental au fost în mare parte încheiate, odată cu începutul Evului întunecat. Între secolul al 9-lea și secolul al 14-lea, efectuarea de artă în Occident a fost limitată la acte istorice religioase și piese de moralitate, organizate de Biserică în celebrarea zilelor sfinte și alte evenimente importante.
RenaissanceEdit
în secolul al 15-lea artele spectacolului, împreună cu artele în general, au văzut o renaștere pe măsură ce Renașterea a început în Italia și s-a răspândit în toată Europa piese de teatru, dintre care unele au încorporat dans, care au fost interpretate și Domenico da Piacenza creditat cu prima utilizare a termenului ballo (în de Arte Saltandi et Choreas Ducendi) în loc de danza (dans) pentru baletti sau balli. Termenul a devenit în cele din urmă balet. Primul balet în sine este considerat a fi Balthasar de Beaujoyeulx ‘ s balet Comique de la Reine (1581).
până la mijlocul secolului al 16-lea Commedia Dell’ Arte a devenit populară în Europa, introducând utilizarea improvizației. Această perioadă a introdus, de asemenea, masca elizabetană, cu muzică, dans și costume elaborate, precum și companii de teatru profesionale din Anglia. Piesele lui William Shakespeare de la sfârșitul secolului al 16-lea s-au dezvoltat din această nouă clasă de performanță profesională.
în 1597, prima operă, Dafne a fost interpretată și de-a lungul secolului al 17-lea, opera va deveni rapid divertismentul preferat pentru aristocrația din cea mai mare parte a Europei și, în cele din urmă, pentru un număr mare de oameni care trăiesc în orașe și orașe din întreaga Europă.
Epoca Modernaedit
introducerea arcului prosceniului în Italia în secolul al 17-lea a stabilit forma tradițională de teatru care persistă până în prezent. Între timp, în Anglia, puritanii au interzis actoria, oprind artele spectacolului care au durat până în 1660. După aceea, femeile au început să apară atât în piesele franceze, cât și în cele engleze. Francezii au introdus o instruire formală de dans la sfârșitul secolului al 17-lea.
este, de asemenea, în acest timp că primele piese au fost efectuate în coloniile americane.
în secolul al 18-lea, introducerea operei populare buffa a adus opera maselor ca o formă accesibilă de performanță. Mozart ‘ s căsătoria lui Figaro și Don Giovanni sunt repere ale operei de la sfârșitul secolului al 18-lea.
la începutul secolului al 19-lea, Beethoven și mișcarea romantică au inaugurat o nouă eră care a dus mai întâi la spectacolele Marii opere și apoi la dramele muzicale ale lui Giuseppe Verdi și Gesamtkunstwerk (opera totală de artă) a operelor lui Richard Wagner care au condus direct la muzica secolului 20.secolul 19 a fost o perioadă de creștere pentru artele spectacolului pentru toate clasele sociale, progrese tehnice, cum ar fi introducerea luminii de gaz în teatre, burlesc, dans de menestrel și teatru de varietăți. În balet, femeile fac progrese mari în arta dominată anterior de bărbați.
dansul Modern a început la sfârșitul secolului 19 și începutul secolului 20 ca răspuns la restricțiile baletului tradițional.”sistemul” lui Konstantin Stanislavski a revoluționat actoria la începutul secolului 20 și continuă să aibă o influență majoră asupra actorilor de pe scenă și ecran până în prezent. Atât impresionismul, cât și realismul modern au fost introduse pe scenă în această perioadă.sosirea baletului rus (1909-1929) al lui Serghei Diaghilev a revoluționat baletul și artele spectacolului în general în întreaga lume occidentală, cel mai important prin accentul pus de Diaghilev pe colaborare, care a adus împreună coregrafi, dansatori, scenografi/artiști, compozitori și muzicieni pentru a revitaliza și revoluționa baletul. Este extrem de complex.odată cu inventarea filmului la sfârșitul secolului 19 de către Thomas Edison și creșterea industriei cinematografice de la Hollywood la începutul secolului 20, filmul a devenit un mediu de performanță dominant în secolele 20 și 21.
Rhythm and blues, un fenomen cultural al Americii negre, a devenit proeminent la începutul secolului 20; influențând o serie de stiluri de muzică populară de mai târziu la nivel internațional.
în anii 1930 Jean Rosenthal a introdus ceea ce avea să devină iluminatul scenic modern, schimbând natura scenei, pe măsură ce musicalul de pe Broadway a devenit un fenomen în Statele Unite.
PostwarEdit
artele spectacolului de după Al Doilea Război Mondial au fost evidențiate de renașterea atât a baletului, cât și a operei în lumea occidentală.
Postmodernismul în artele spectacolului a dominat în mare măsură anii 1960.
Eastern performing artsEdit
Middle EastEdit
cel mai vechi eveniment teatral înregistrat datează din 2000 î.HR. cu piesele pasionale ale Egiptului Antic. Această poveste a zeului Osiris a fost interpretată anual la festivaluri din întreaga civilizație, marcând începutul cunoscut al unei lungi relații între teatru și religie.cele mai populare forme de teatru din lumea islamică medievală au fost teatrul de păpuși (care a inclus păpuși de mână, piese de umbre și producții de marionete) și piese de pasiune live cunoscute sub numele de ta ‘ Ziya, unde actorii re-adoptă episoade din istoria musulmană. În special, piesele islamice șiite se învârteau în jurul shaheed (martiriul) fiilor lui Ali Hasan ibn Ali și Husayn ibn Ali. Piesele seculare vii erau cunoscute sub numele de akhraja, înregistrate în literatura medievală adab, deși erau mai puțin frecvente decât păpușile și Teatrul ta ‘ Ziya.
IranEdit
în Iran există și alte forme de evenimente teatrale, cum ar fi Naghali (povestirea), ru-Howzi, Siah-Bazi, Parde-Khani, Mareke giri.
IndiaEdit
Teatrul Popular și dramatica pot fi urmărite la ritualismul religios al popoarelor vedice în mileniul 2 î.hr. Acest teatru popular al trecutului cețos a fost amestecat cu dans, mâncare, ritualism, plus o descriere a evenimentelor din viața de zi cu zi. Ultimul element l-a făcut originea teatrului clasic din vremurile ulterioare. Mulți istorici, în special D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya etc. s-au referit la prevalența ritualismului în rândul triburilor Indo-ariene în care unii membri ai tribului se comportau ca și cum ar fi animale sălbatice, iar alții erau vânătorii. Cei care au acționat ca mamifere precum capre, bivoli, Reni, maimuțe etc. au fost urmăriți de cei care joacă rolul vânătorilor.
Bharata Muni (fl. Secolul 5-2 Î.HR.) a fost un vechi scriitor Indian cel mai bine cunoscut pentru scrierea Natya Shastra din Bharata, un tratat teoretic despre artele spectacolului Indian, inclusiv teatru, dans, actorie și muzică, care a fost comparat cu Poetica lui Aristotel. Bharata este adesea cunoscut ca tatăl artelor teatrale indiene. Natya Shastra pare a fi prima încercare de a dezvolta tehnica sau mai degrabă arta dramei într-o manieră sistematică. Natya Shastra ne spune nu numai ce trebuie portretizat într-o dramă, ci și cum trebuie făcută portretizarea. Drama, după cum spune Bharata Muni, este imitația bărbaților și a faptelor lor (loka-vritti). Pe măsură ce bărbații și faptele lor trebuie respectate pe scenă, tot așa drama în sanscrită este cunoscută și prin termenul roopaka, care înseamnă portretizare.Ramayana și Mahabharata pot fi considerate primele piese recunoscute care își au originea în India. Aceste epopee au oferit inspirația celor mai vechi dramaturgi indieni și o fac și astăzi. Dramaturgi indieni, cum ar fi Bhoquxsa în secolul al 2-lea î.hr. a scris piese care au fost puternic inspirate de Ramayana și Mahabharata.
k Unkticlid Oktssa în secolul 1 î.HR., este, fără îndoială, considerat a fi cel mai mare dramaturg din India antică. Trei romantice celebre piese scrise de Kālidāsa sunt Mālavikāgnimitram (Mālavikā și Agnimitra), Vikramōrvaśīyam (Referitoare la Vikrama și indică direcția vântului), și Abhijñānaśākuntala (Recunoașterea Shakuntala). Ultimul a fost inspirat de o poveste din Mahabharata și este cel mai faimos. A fost primul tradus în engleză și germană. În comparație cu Bhoxixtsa, care a atras foarte mult din epopee, K Unixtlid Unixtsa poate fi considerat un dramaturg original.
următorul mare dramaturg Indian a fost Bhavabhuti (c. secolul al 7-lea). Se spune că a scris următoarele trei piese: Malati-Madhava, Mahaviracharita și Uttar Ramacharita. Printre aceste trei, ultimele două acoperă între ele, întreaga epopee a lui Ramayana. Puternicul împărat Indian Harsha (606-648) este creditat că a scris trei piese: comedia Ratnavali, Priyadarsika și drama budistă Nagananda. Mulți alți dramaturgi au urmat în Evul Mediu.
au existat multe forme de artă performantă în partea de sud a Indiei, Kerala este un astfel de stat cu diferite forme de artă precum Koodiyattam, Nangyarkoothu, Kathakali, Chakyar koothu, Thirayattam și au existat mulți artiști proeminenți precum Painkulam Raman Chakyar și alții.
ChinaEdit
există referințe la distracțiile teatrale din China încă din 1500 î. HR. în timpul dinastiei Shang; adesea au implicat Muzică, clovn și afișaje acrobatice.
dinastia Tang este uneori cunoscută sub numele de „vârsta de 1000 de distracții”. În această epocă, împăratul Xuanzong a format o școală de actorie cunoscută sub numele de copiii grădinii de pere pentru a produce o formă de dramă care a fost în primul rând muzicală.
în timpul dinastiei Han, marionetele din umbră au apărut pentru prima dată ca o formă recunoscută de teatru în China. Au existat două forme distincte de marionetă de umbră, sudul cantonez și Nordul Pekingese. Cele două stiluri s-au diferențiat prin metoda de realizare a păpușilor și poziționarea tijelor pe păpuși, spre deosebire de tipul de joc interpretat de păpuși. Ambele stiluri au interpretat în general Piese care înfățișau o mare aventură și fantezie, rareori această formă de teatru foarte stilizată a fost folosită pentru propaganda politică. Marionetele de umbră cantoneze erau cele mai mari dintre cele două. Au fost construite folosind piele groasă care a creat umbre mai substanțiale. Culoarea simbolică era, de asemenea, foarte răspândită; o față neagră reprezenta onestitatea, una roșie curaj. Tijele folosite pentru a controla marionetele cantoneze erau atașate perpendicular pe capetele păpușilor. Astfel, ei nu au fost văzuți de public când a fost creată umbra. Păpușile Pekingese erau mai delicate și mai mici. Au fost create din piele subțire, translucidă, luată de obicei din burta unui măgar. Au fost pictate cu vopsele vibrante, astfel au aruncat o umbră foarte colorată. Tijele subțiri care le controlau mișcările erau atașate de un guler de piele la gâtul păpușii. Tijele alergau paralel cu corpurile marionetei, apoi se roteau la un unghi de nouăzeci de grade pentru a se conecta la gât. În timp ce aceste tije erau vizibile atunci când umbra a fost aruncată, ele s-au așezat în afara umbrei păpușii; astfel nu au interferat cu aspectul figurii. Tijele atașate la gât pentru a facilita utilizarea mai multor capete cu un singur corp. Când capetele nu erau folosite, erau depozitate într-o carte de muselină sau într-o cutie căptușită cu țesături. Capetele erau întotdeauna îndepărtate noaptea. Acest lucru era în concordanță cu vechea superstiție că, dacă ar fi lăsate intacte, marionetele ar prinde viață noaptea. Unii păpușari au mers atât de departe încât să stocheze capetele într-o carte și cadavrele în alta, pentru a reduce și mai mult posibilitatea reanimării păpușilor. Se spune că păpușile din umbră au atins cel mai înalt punct de dezvoltare artistică în secolul al 11-lea înainte de a deveni un instrument al Guvernului.
în Dinastia Song, au existat multe piese populare care implicau acrobație și muzică. Acestea s – au dezvoltat în dinastia Yuan într-o formă mai sofisticată, cu o structură de patru sau cinci acte. Drama Yuan s-a răspândit în toată China și s-a diversificat în numeroase forme regionale, dintre care cea mai cunoscută este Opera din Beijing, care este încă populară astăzi.
Thailandaedit
în Thailanda, a fost o tradiție din evul mediu să se pună în scenă piese bazate pe comploturi extrase din epopee indiene. În special, versiunea teatrală a epopeii naționale a Thailandei Ramakien, o versiune a Ramayana indiană, rămâne populară în Thailanda chiar și astăzi.
CambodiaEdit
în Cambodgia, inscripțiile datând din secolul al 6-lea d.hr. indică dovezi ale dansatorilor la un templu local și folosirea păpușilor pentru piese religioase. În vechea capitală Angkor Wat, povești din epopeile indiene Ramayana și Mahabharata au fost sculptate pe pereții templelor și palatelor. Reliefuri similare se găsesc la Borobudur în Indonezia.
JapanEdit
în secolul al 14-lea, au existat mici companii de actori din Japonia care au interpretat comedii scurte, uneori vulgare. Un director al uneia dintre aceste companii, Kan ‘ ami (1333-1384), a avut un fiu, Zeami Motokiyo (1363-1443), care a fost considerat unul dintre cei mai buni actori copii din Japonia. Când compania lui Kan ‘ ami a cântat pentru Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), SH-ul din Japonia, l-a implorat pe Zeami să aibă o educație la curte pentru artele sale. După ce Zeami i-a succedat tatălui său, el a continuat să interpreteze și să-și adapteze stilul în ceea ce este astăzi Noh. Un amestec de pantomimă și acrobație vocală, stilul Noh de teatru a devenit una dintre cele mai rafinate forme de spectacol teatral din Japonia.Japonia, după o lungă perioadă de războaie civile și dezordine politică, a fost unificată și în pace în primul rând datorită SH-ului Tokugawa Ieyasu (1600-1668). Cu toate acestea, alarmat de numărul tot mai mare de creștini din țară din cauza eforturilor de prozelitism ale misionarilor creștini, el a întrerupt contactul din Japonia cu Europa și China și a scos în afara legii creștinismul. Când a venit pacea, o înflorire a influenței culturale și o clasă de comercianți în creștere au cerut propriul divertisment. Prima formă de teatru care a înflorit a fost Ningy XV J oacruri (denumit în mod obișnuit Bunraku). Fondatorul și principalul contribuitor la Ningy, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), și-a transformat forma de teatru într-o adevărată formă de artă. Ningy, J, este o forma foarte stilizata de teatru cu ajutorul marionetelor, astazi aproximativ 1 al 3-lea, de marimea unui om. Bărbații care controlează păpușile își antrenează întreaga viață pentru a deveni maeștri păpușari, atunci când pot opera apoi capul și brațul drept al păpușii și pot alege să-și arate fețele în timpul spectacolului. Ceilalți păpușari, controlând membrele mai puțin importante ale păpușii, se acoperă pe ei înșiși și fețele lor într-un costum negru, pentru a-și implica invizibilitatea. Dialogul este gestionat de o singură persoană, care folosește tonuri variate de voce și maniere de vorbire pentru a simula diferite personaje. Chikamatsu a scris mii de piese în timpul vieții sale, dintre care majoritatea sunt folosite și astăzi.Kabuki a început la scurt timp după Bunraku, legenda spune de o actriță pe nume Okuni, care a trăit în jurul sfârșitul secolului al 16-lea. Cea mai mare parte a materialului kabuki a venit de la Noh și Bunraku, iar mișcările sale neregulate de tip dans sunt, de asemenea, un efect al Bunraku. Cu toate acestea, kabuki este mai puțin formal și mai îndepărtat decât Noh, dar foarte popular în rândul publicului japonez. Actorii sunt instruiți în multe lucruri variate, inclusiv dans, cântând, pantomimă, și chiar acrobație. Kabuki a fost interpretat mai întâi de fete tinere, apoi de băieți tineri, iar până la sfârșitul secolului al 16-lea, companiile kabuki erau formate din toți bărbații. Bărbații care au portretizat femeile pe scenă au fost instruiți în mod special pentru a obține esența unei femei în mișcările și gesturile lor subtile.