Arts de la scène occidentauxdit
À partir du 6ème siècle avant JC, la période classique des arts de la scène a commencé en Grèce, inaugurée par les poètes tragiques tels que Sophocle. Ces poètes ont écrit des pièces de théâtre qui, dans certains cas, incorporaient de la danse (voir Euripide). La période hellénistique a commencé l’utilisation généralisée de la comédie.
Cependant, au 6ème siècle après JC, les arts de la scène occidentaux avaient été en grande partie terminés, alors que l’Âge des Ténèbres commençait. Entre le 9ème siècle et le 14ème siècle, l’art du spectacle en Occident se limitait aux actes historiques religieux et aux jeux de moralité, organisés par l’Église pour célébrer les jours saints et d’autres événements importants.
Renaissance
Au 15ème siècle, les arts de la scène, ainsi que les arts en général, ont connu un renouveau lorsque la Renaissance a commencé en Italie et s’est répandue dans toute l’Europe. des pièces, dont certaines incorporaient de la danse, ont été jouées et Domenico da Piacenza a attribué la première utilisation du terme ballo (in De Arte Saltandi et Choreas Ducendi) au lieu de danza (danse) pour ses baletti ou balli. Le terme est finalement devenu Ballet. Le premier Ballet en soi serait le Ballet Comique de la Reine de Balthasar de Beaujoyeulx (1581).
Au milieu du XVIe siècle, la Commedia Dell’arte est devenue populaire en Europe, introduisant l’utilisation de l’improvisation. Cette période a également introduit le masque élisabéthain, avec de la musique, de la danse et des costumes élaborés ainsi que des compagnies théâtrales professionnelles en Angleterre. Les pièces de William Shakespeare à la fin du 16ème siècle se sont développées à partir de cette nouvelle classe de performance professionnelle.
En 1597, le premier opéra, Dafne, a été joué et tout au long du XVIIe siècle, l’opéra allait rapidement devenir le divertissement de choix pour l’aristocratie dans la majeure partie de l’Europe, et finalement pour un grand nombre de personnes vivant dans les villes et les villages de toute l’Europe.
Époque modernedit
L’introduction de l’arc en avant-scène en Italie au 17ème siècle a établi la forme théâtrale traditionnelle qui persiste encore aujourd’hui. Pendant ce temps, en Angleterre, les Puritains ont interdit le théâtre, mettant un terme aux arts de la scène qui ont duré jusqu’en 1660. Après cela, les femmes ont commencé à apparaître dans des pièces de théâtre françaises et anglaises. Les Français ont introduit une instruction formelle de danse à la fin du 17ème siècle.
C’est également à cette époque que les premières pièces ont été jouées dans les colonies américaines.
Au cours du 18ème siècle, l’introduction de l’opéra buffa populaire a apporté l’opéra aux masses en tant que forme de performance accessible. Les Noces de Figaro et Don Giovanni de Mozart sont des monuments de l’opéra de la fin du XVIIIe siècle.
Au tournant du XIXe siècle, Beethoven et le mouvement romantique ont inauguré une nouvelle ère qui a d’abord conduit aux spectacles du grand opéra puis aux drames musicaux de Giuseppe Verdi et au Gesamtkunstwerk (œuvre d’art totale) des opéras de Richard Wagner menant directement à la musique du XXe siècle.
Le 19e siècle a été une période de croissance pour les arts de la scène pour toutes les classes sociales, des progrès techniques tels que l’introduction de la lumière au gaz dans les théâtres, le burlesque, la danse des ménestrels et le théâtre des variétés. Dans le ballet, les femmes font de grands progrès dans l’art auparavant dominé par les hommes.
La danse moderne a commencé à la fin du 19ème siècle et au début du 20ème siècle en réponse aux restrictions du ballet traditionnel.
Le « Système » de Konstantin Stanislavski a révolutionné le jeu d’acteur au début du 20e siècle, et continue d’avoir une influence majeure sur les acteurs de la scène et de l’écran jusqu’à nos jours. L’impressionnisme et le réalisme moderne ont été introduits sur scène pendant cette période.
L’arrivée des Ballets russes de Sergei Diaghilev (1909-1929) a révolutionné le ballet et les arts de la scène en général dans tout le monde occidental, surtout grâce à l’accent mis par Diaghilev sur la collaboration, qui a réuni chorégraphes, danseurs, scénographes / artistes, compositeurs et musiciens pour revitaliser et révolutionner le ballet. C’est extrêmement complexe.
Avec l’invention du cinéma à la fin du 19e siècle par Thomas Edison et la croissance de l’industrie cinématographique à Hollywood au début du 20e siècle, le cinéma est devenu un support de performance dominant tout au long des 20e et 21e siècles.
Le Rhythm and blues, un phénomène culturel de l’Amérique noire, a pris de l’importance au début du 20e siècle; influençant une gamme de styles de musique populaires ultérieurs à l’échelle internationale.
Dans les années 1930, Jean Rosenthal a introduit ce qui allait devenir l’éclairage de scène moderne, changeant la nature de la scène à mesure que la comédie musicale de Broadway devenait un phénomène aux États-Unis.
PostwarEdit
Après la Seconde Guerre mondiale, les arts de la scène ont été mis en évidence par la résurgence du ballet et de l’opéra dans le monde occidental.
Le postmodernisme dans les arts de la scène a largement dominé les années 1960.
Arts de la scène orientauxdit
Moyen-Orientdit
Le plus ancien événement théâtral enregistré remonte à 2000 avant JC avec les pièces de passion de l’Égypte ancienne. Cette histoire du dieu Osiris a été jouée chaque année lors de festivals dans toute la civilisation, marquant le début connu d’une longue relation entre théâtre et religion.
Les formes de théâtre les plus populaires dans le monde islamique médiéval étaient le théâtre de marionnettes (qui comprenait des marionnettes à main, des jeux d’ombres et des productions de marionnettes) et des pièces de passion en direct connues sous le nom de ta’ziya, où les acteurs reconstituent des épisodes de l’histoire musulmane. En particulier, les pièces islamiques chiites tournaient autour du shaheed (martyre) des fils d’Ali, Hasan ibn Ali et Husayn ibn Ali. Les pièces profanes en direct étaient connues sous le nom d’akhraja, enregistrées dans la littérature médiévale adab, bien qu’elles soient moins courantes que les marionnettes et le théâtre ta’ziya.
IranEdit
En Iran, il existe d’autres formes d’événements théâtraux tels que le Naghali (conte), Uchi Ru-Howzi, Siah-Bazi, Parde-Khani, Mareke giri.
IndiaEdit
Le théâtre et la dramaturgie folkloriques remontent au ritualisme religieux des peuples védiques au IIe millénaire avant notre ère. Ce théâtre folklorique du passé brumeux a été mélangé avec de la danse, de la nourriture, du ritualisme, ainsi qu’une représentation des événements de la vie quotidienne. Le dernier élément en a fait l’origine du théâtre classique des temps ultérieurs. De nombreux historiens, notamment D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya, etc. ont fait référence à la prévalence du ritualisme parmi les tribus indo-aryennes dans lesquelles certains membres de la tribu agissaient comme s’ils étaient des animaux sauvages et d’autres étaient des chasseurs. Ceux qui ont agi comme des mammifères comme les chèvres, les buffles, les rennes, les singes, etc. ont été pourchassés par ceux qui jouent le rôle de chasseurs.
Bharata Muni (fl. 5ème-2ème siècle avant JC) était un ancien écrivain indien surtout connu pour avoir écrit le Natya Shastra de Bharata, un traité théorique sur les arts de la scène indiens, y compris le théâtre, la danse, le théâtre et la musique, qui a été comparé à la poétique d’Aristote. Bharata est souvent connu comme le père des arts théâtraux indiens. Son Natya Shastra semble être la première tentative de développer la technique ou plutôt l’art, du théâtre de manière systématique. Le Natya Shastra nous dit non seulement ce qui doit être dépeint dans un drame, mais comment la représentation doit être faite. Le drame, comme le dit Bharata Muni, est l’imitation des hommes et de leurs actions (loka-vritti). Comme les hommes et leurs actes doivent être respectés sur scène, le théâtre en sanskrit est également connu sous le terme roopaka, qui signifie représentation.
Le Ramayana et le Mahabharata peuvent être considérés comme les premières pièces reconnues originaires de l’Inde. Ces épopées ont inspiré les premiers dramaturges indiens et elles le font encore aujourd’hui. Des dramaturges indiens tels que Bhāsa au 2ème siècle avant JC ont écrit des pièces fortement inspirées du Ramayana et du Mahabharata.
Kālidāsa au 1er siècle avant JC, est sans doute considéré comme le plus grand dramaturge de l’Inde ancienne. Trois pièces romantiques célèbres écrites par Kālidāsa sont le Mālavikāgnimitram (Mālavikā et Agnimitra), Vikramōrvaśīyam (Concernant Vikrama et Urvashi) et Abhijñānaśākuntala (La reconnaissance du Shakuntala). Le dernier a été inspiré par une histoire dans le Mahabharata et est le plus célèbre. Il a été le premier à être traduit en anglais et en allemand. Par rapport à Bhāsa, qui s’est fortement inspiré des épopées, Kālidāsa peut être considéré comme un dramaturge original.
Le prochain grand dramaturge indien était Bhavabhuti (v. 7ème siècle). Il aurait écrit les trois pièces suivantes: Malati – Madhava, Mahaviracharita et Uttar Ramacharita. Parmi ces trois, les deux derniers couvrent entre eux, toute l’épopée du Ramayana. Le puissant empereur indien Harsha (606-648) est crédité d’avoir écrit trois pièces: la comédie Ratnavali, Priyadarsika et le drame bouddhiste Nagananda. De nombreux autres dramaturges ont suivi au Moyen Âge.
Il y avait de nombreuses formes d’art de la scène dans la partie sud de l’Inde, le Kerala est un état avec différentes formes d’art telles que Koodiyattam, Nangyarkoothu, Kathakali, Chakyar koothu, Thirayattam et il y avait de nombreux artistes de premier plan comme Painkulam Raman Chakyar et d’autres.
ChinaEdit
Il y a des références aux divertissements théâtraux en Chine dès 1500 avant JC pendant la dynastie Shang; ils impliquaient souvent de la musique, des démonstrations clownesques et acrobatiques.
La dynastie Tang est parfois connue comme « L’âge des 1000 Divertissements ». À cette époque, l’empereur Xuanzong a formé une école de théâtre connue sous le nom des Enfants du Jardin des Poiriers pour produire une forme de théâtre qui était principalement musicale.
Sous la dynastie Han, la marionnette d’ombres est apparue comme une forme de théâtre reconnue en Chine. Il y avait deux formes distinctes de marionnettes d’ombres, le Cantonais du sud et le pékinois du nord. Les deux styles se différenciaient par la méthode de fabrication des marionnettes et le positionnement des tiges sur les marionnettes, par opposition au type de jeu joué par les marionnettes. Les deux styles jouaient généralement des pièces représentant une grande aventure et une fantaisie, rarement cette forme de théâtre très stylisée était utilisée pour la propagande politique. Les marionnettes d’ombres cantonaises étaient les plus grandes des deux. Ils ont été construits en utilisant du cuir épais qui créait des ombres plus substantielles. La couleur symbolique était également très répandue; un visage noir représentait l’honnêteté, un visage rouge la bravoure. Les tiges utilisées pour contrôler les marionnettes cantonaises étaient fixées perpendiculairement à la tête des marionnettes. Ainsi, ils n’ont pas été vus par le public lorsque l’ombre a été créée. Les marionnettes pékinoises étaient plus délicates et plus petites. Ils ont été créés à partir de cuir fin et translucide généralement prélevé sur le ventre d’un âne. Ils ont été peints avec des peintures vibrantes, jetant ainsi une ombre très colorée. Les fines tiges qui contrôlaient leurs mouvements étaient attachées à un collier de cuir au cou de la marionnette. Les tiges couraient parallèlement aux corps de la marionnette puis tournaient à un angle de quatre-vingt-dix degrés pour se connecter au cou. Alors que ces tiges étaient visibles lorsque l’ombre était projetée, elles se trouvaient à l’extérieur de l’ombre de la marionnette; elles n’interféraient donc pas avec l’apparence de la figure. Les tiges attachées au cou pour faciliter l’utilisation de plusieurs têtes avec un seul corps. Lorsque les têtes n’étaient pas utilisées, elles étaient stockées dans un livre en mousseline ou une boîte doublée de tissu. Les têtes étaient toujours enlevées la nuit. Cela était conforme à la vieille superstition selon laquelle, si elles étaient laissées intactes, les marionnettes viendraient à la vie la nuit. Certains marionnettistes sont allés jusqu’à ranger les têtes dans un livre et les corps dans un autre, pour réduire encore la possibilité de réanimer les marionnettes. On dit que la marionnette d’ombre a atteint son point culminant de développement artistique au 11ème siècle avant de devenir un outil du gouvernement.
Sous la dynastie Song, il y avait beaucoup de pièces populaires impliquant des acrobaties et de la musique. Ceux-ci se sont développés sous la dynastie Yuan dans une forme plus sophistiquée avec une structure en quatre ou cinq actes. Le drame yuan s’est répandu à travers la Chine et s’est diversifié en de nombreuses formes régionales, dont la plus connue est l’opéra de Pékin, qui est toujours populaire aujourd’hui.
Thaïlande
En Thaïlande, il est de tradition depuis le Moyen Âge de mettre en scène des pièces basées sur des intrigues tirées d’épopées indiennes. En particulier, la version théâtrale de l’épopée nationale thaïlandaise Ramakien, une version du Ramayana indien, reste populaire en Thaïlande même aujourd’hui.
CambodiaEdit
Au Cambodge, des inscriptions datant du 6ème siècle après JC indiquent des preuves de danseurs dans un temple local et d’utilisation de marionnettes pour des pièces religieuses. Dans l’ancienne capitale Angkor Wat, des histoires des épopées indiennes Ramayana et Mahabharata ont été gravées sur les murs des temples et des palais. Des reliefs similaires se trouvent à Borobudur en Indonésie.
JapanEdit
Au 14ème siècle, il y avait de petites compagnies d’acteurs au Japon qui jouaient des comédies courtes, parfois vulgaires. Un directeur de l’une de ces compagnies, Kan’ami (1333-1384), a eu un fils, Zeami Motokiyo (1363-1443), qui était considéré comme l’un des meilleurs enfants acteurs du Japon. Lorsque la compagnie de Kan’ami se produit pour Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), le shogun du Japon, il implore Zeami d’avoir une éducation à la cour pour ses arts. Après que Zeami a succédé à son père, il a continué à jouer et à adapter son style à ce qui est aujourd’hui Nô. Mélange de pantomime et d’acrobaties vocales, le style de théâtre Nô est devenu l’une des formes de représentation théâtrale les plus raffinées du Japon.
Après une longue période de guerres civiles et de désarroi politique, le Japon est unifié et en paix principalement grâce au shogun Tokugawa Ieyasu (1600-1668). Cependant, alarmé par le nombre croissant de chrétiens dans le pays en raison des efforts de prosélytisme des missionnaires chrétiens, il a coupé le contact du Japon avec l’Europe et la Chine et a interdit le christianisme. Lorsque la paix est arrivée, une influence culturelle florissante et une classe marchande croissante ont exigé son propre divertissement. La première forme de théâtre à s’épanouir est Ningyō jōruri (communément appelé Bunraku). Le fondateur et principal contributeur de Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), a transformé sa forme de théâtre en une véritable forme d’art. Ningyō jōruri est une forme de théâtre très stylisée utilisant des marionnettes, aujourd’hui environ 1⁄3 de la taille d’un humain. Les hommes qui contrôlent les marionnettes s’entraînent toute leur vie pour devenir des maîtres marionnettistes, lorsqu’ils peuvent ensuite actionner la tête et le bras droit de la marionnette et choisir de montrer leur visage pendant la représentation. Les autres marionnettistes, contrôlant les membres les moins importants de la marionnette, se couvrent ainsi que leurs visages d’un costume noir, pour impliquer leur invisibilité. Le dialogue est géré par une seule personne, qui utilise des tons de voix variés et des manières de parler pour simuler différents personnages. Chikamatsu a écrit des milliers de pièces de théâtre au cours de sa vie, dont la plupart sont encore utilisées aujourd’hui.
Le kabuki a commencé peu de temps après le Bunraku, selon la légende, par une actrice nommée Okuni, qui a vécu vers la fin du 16ème siècle. La plupart du matériel de kabuki provenait du Nô et du Bunraku, et ses mouvements erratiques de type danse sont également un effet du Bunraku. Cependant, le kabuki est moins formel et plus distant que le Nô, mais très populaire auprès du public japonais. Les acteurs sont formés à de nombreuses choses variées, y compris la danse, le chant, la pantomime et même l’acrobatie. Le kabuki a d’abord été joué par des jeunes filles, puis par de jeunes garçons, et à la fin du 16ème siècle, les compagnies de kabuki étaient composées de tous les hommes. Les hommes qui ont représenté des femmes sur scène ont été spécialement formés pour susciter l’essence d’une femme dans leurs mouvements et gestes subtils.
Histoire des arts du spectacle africainmodifier
Histoire des arts de la scène en Américainmodifier
Histoire des arts de la scène en Océanie