Arti dello spettacolo occidentalemodifica
A partire dal vi secolo a.C., il periodo classico dell’arte dello spettacolo iniziò in Grecia, inaugurato dai poeti tragici come Sofocle. Questi poeti scrivevano opere teatrali che, in alcuni casi, incorporavano la danza (vedi Euripide). Il periodo ellenistico iniziò l’uso diffuso della commedia.
Tuttavia, entro il 6 ° secolo DC, le arti dello spettacolo occidentali erano state in gran parte finite, con l’inizio del Medioevo. Tra il 9 ° secolo e il 14 ° secolo, l’arte dello spettacolo in Occidente si limitava alle rappresentazioni storiche religiose e ai giochi morali, organizzati dalla Chiesa per celebrare i giorni santi e altri eventi importanti.
RenaissanceEdit
Nel 15 ° secolo arti dello spettacolo, insieme con le arti in generale, ha visto una rinascita come il Rinascimento ha iniziato in Italia e si diffuse in tutta Europa spettacoli, alcuni dei quali incorporavano la danza, che sono stati eseguiti e Domenico da Piacenza accreditato con il primo uso del termine ballo (in De Arte Saltandi et Choreas Ducendi) Il termine alla fine divenne Balletto. Il primo balletto di per sé è pensato per essere Balthasar de Beaujoyeulx Ballet Comique de la Reine (1581).
Dalla metà del 16 ° secolo, la Commedia dell’arte è diventato popolare in Europa, introducendo l’uso dell’improvvisazione. Questo periodo ha anche introdotto la maschera elisabettiana, con musica, danza e costumi elaborati, nonché compagnie teatrali professionali in Inghilterra. Le opere di William Shakespeare alla fine del 16 ° secolo si sono sviluppate da questa nuova classe di prestazioni professionali.
Nel 1597, la prima opera, Dafne è stato eseguito e per tutto il 17 ° secolo, opera sarebbe rapidamente diventato il divertimento di scelta per l’aristocrazia nella maggior parte dell’Europa, e, infine, per un gran numero di persone che vivono in città e paesi in tutta Europa.
Epoca modernamodifica
L’introduzione dell’arco del proscenio in Italia nel corso del 17 ° secolo ha stabilito la forma teatrale tradizionale che persiste fino ad oggi. Nel frattempo, in Inghilterra, i puritani proibirono la recitazione, portando una battuta d’arresto alle arti dello spettacolo che durò fino al 1660. Dopo di ciò, le donne cominciarono ad apparire sia in opere teatrali francesi che in inglese. I francesi introdussero un’istruzione di danza formale alla fine del 17 ° secolo.
È anche durante questo periodo che le prime opere teatrali sono state eseguite nelle colonie americane.
Durante il 18 ° secolo, l’introduzione dell’opera popolare buffa ha portato l’opera alle masse come una forma accessibile di spettacolo. Le nozze di Figaro e Don Giovanni di Mozart sono punti di riferimento dell’opera del tardo 18 ° secolo.
A cavallo del xix secolo, Beethoven e il movimento romantico inaugurarono una nuova era che portò prima agli spettacoli della grande opera e poi ai drammi musicali di Giuseppe Verdi e al Gesamtkunstwerk (opera d’arte totale) delle opere di Richard Wagner che portarono direttamente alla musica del xx secolo.
Il 19 ° secolo è stato un periodo di crescita per le arti dello spettacolo per tutte le classi sociali, progressi tecnici come l’introduzione del gaslight ai teatri, burlesque, danza menestrello e teatro di varietà. Nel balletto, le donne fanno grandi progressi nell’arte precedentemente dominata dagli uomini.
La danza moderna è iniziata tra la fine del 19 ° secolo e l’inizio del 20 ° secolo in risposta alle restrizioni del balletto tradizionale.
Il “Sistema” di Konstantin Stanislavski ha rivoluzionato la recitazione all’inizio del 20 ° secolo, e continua ad avere una grande influenza sugli attori di scena e sullo schermo fino ai giorni nostri. Sia l’impressionismo che il realismo moderno furono introdotti sul palco durante questo periodo.
L’arrivo dei Ballets Russes di Sergei Diaghilev (1909-1929) rivoluzionò il balletto e le arti dello spettacolo in generale in tutto il mondo occidentale, soprattutto attraverso l’enfasi di Diaghilev sulla collaborazione, che ha portato coreografi, ballerini, scenografi / artisti, compositori e musicisti insieme per rivitalizzare e rivoluzionare il balletto. È estremamente complesso.
Con l’invenzione del cinema alla fine del 19 ° secolo da Thomas Edison e la crescita dell’industria cinematografica a Hollywood nei primi anni del 20 ° secolo, il cinema è diventato un mezzo di prestazione dominante per tutto il 20 ° e 21 ° secolo.
Rhythm and blues, un fenomeno culturale dell’America nera, divenne alla ribalta all’inizio del 20 ° secolo; influenzando una serie di stili musicali popolari successivi a livello internazionale.
Nel 1930 Jean Rosenthal introdusse quella che sarebbe diventata la moderna illuminazione scenica, cambiando la natura del palcoscenico quando il musical di Broadway divenne un fenomeno negli Stati Uniti.
PostwarEdit
Le arti dello spettacolo post-seconda guerra mondiale sono state evidenziate dalla rinascita del balletto e dell’opera nel mondo occidentale.
Il postmodernismo nelle arti dello spettacolo dominava in larga misura gli anni ‘ 60.
Arti performative orientalimodifica
Medio orientemodifica
Il primo evento teatrale registrato risale al 2000 AC con i giochi di passione dell’antico Egitto. Questa storia del dio Osiride è stata eseguita ogni anno nei festival in tutta la civiltà, segnando l’inizio noto di una lunga relazione tra teatro e religione.
Le forme più popolari di teatro nel mondo islamico medievale erano il teatro delle marionette (che comprendeva burattini a mano, giochi di ombre e produzioni di marionette) e spettacoli di passione dal vivo noti come ta’ziya, dove gli attori rievocano episodi della storia musulmana. In particolare, i giochi islamici sciiti ruotavano attorno allo shaheed (martirio) dei figli di Ali Hasan ibn Ali e Husayn ibn Ali. I giochi secolari dal vivo erano conosciuti come akhraja, registrati nella letteratura medievale di adab, anche se erano meno comuni del teatro di figura e del teatro di ta’ziya.
IranEdit
In Iran ci sono altre forme di eventi teatrali come Naghali (racconto), Uma Ru-Howzi, Siah-Bazi, Parde-Khani, Mareke giri.
IndiaEdit
Teatro popolare e drammaticità può essere fatta risalire al ritualismo religioso dei popoli vedici nel 2 ° millennio AC. Questo teatro popolare del passato nebbioso è stato mescolato con danza, cibo, ritualismo, oltre a una rappresentazione di eventi della vita quotidiana. L’ultimo elemento ne fece l’origine del teatro classico dei tempi successivi. Molti storici, in particolare D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya, ecc. hanno fatto riferimento alla prevalenza del ritualismo tra le tribù indo-ariane in cui alcuni membri della tribù agivano come se fossero animali selvatici e alcuni altri erano i cacciatori. Coloro che hanno agito come mammiferi come capre, bufali, renne, scimmie, ecc. sono stati inseguiti da quelli che svolgono il ruolo di cacciatori.
Bharata Muni (fl . 5 ° – 2 ° secolo AC) è stato un antico scrittore indiano meglio conosciuto per aver scritto il Natya Shastra di Bharata, un trattato teorico sulle arti performative indiane, tra cui teatro, danza, recitazione e musica, che è stato paragonato alla poetica di Aristotele. Bharata è spesso conosciuto come il padre delle arti teatrali indiane. La sua Natya Shastra sembra essere il primo tentativo di sviluppare la tecnica o meglio l’arte, del dramma in modo sistematico. Il Natya Shastra ci dice non solo cosa deve essere ritratto in un dramma, ma come deve essere fatto il ritratto. Il dramma, come dice Bharata Muni, è l’imitazione degli uomini e delle loro azioni (loka-vritti). Come gli uomini e le loro azioni devono essere rispettati sul palco, così il dramma in sanscrito è anche conosciuto con il termine roopaka, che significa rappresentazione.
Il Ramayana e Mahabharata possono essere considerati i primi giochi riconosciuti che hanno avuto origine in India. Queste epopee hanno fornito l’ispirazione ai primi drammaturghi indiani e lo fanno anche oggi. Drammaturghi indiani come Bhāsa nel 2 ° secolo AC scritto opere teatrali che sono stati fortemente ispirati dal Ramayana e Mahabharata.
Kālidāsa nel 1 ° secolo AC, è probabilmente considerato il più grande drammaturgo dell’India antica. Tre famose commedie romantiche scritte da Kālidāsa sono il Mālavikāgnimitram (Mālavikā e Agnimitra), Vikramōrvaśīyam (Appartenenti a Vikrama e Urvashi) e Abhijñānaśākuntala (Il riconoscimento di Shakuntala). L’ultimo è stato ispirato da una storia nel Mahabharata ed è il più famoso. Fu il primo ad essere tradotto in inglese e tedesco. In confronto a Bhāsa, che ha attinto pesantemente dai poemi epici, Kālidāsa può essere considerato un drammaturgo originale.
Il prossimo grande drammaturgo indiano fu Bhavabhuti (7 ° secolo circa). Si dice che abbia scritto le seguenti tre opere teatrali: Malati-Madhava, Mahaviracharita e Uttar Ramacharita. Tra questi tre, gli ultimi due coprono tra loro, l’intera epopea di Ramayana. Il potente imperatore indiano Harsha (606-648) è accreditato di aver scritto tre opere teatrali: la commedia Ratnavali, Priyadarsika, e il dramma buddista Nagananda. Molti altri drammaturghi seguirono durante il Medioevo.
C’erano molte forme d’arte performativa nella parte meridionale dell’India, il Kerala è un tale stato con diverse forme d’arte come Koodiyattam, Nangyarkoothu, Kathakali, Chakyar koothu, Thirayattam e c’erano molti artisti di spicco come Painkulam Raman Chakyar e altri.
ChinaEdit
Ci sono riferimenti a spettacoli teatrali in Cina già nel 1500 A.C., durante la dinastia Shang; spesso coinvolgevano musica, clownerie e spettacoli acrobatici.
La dinastia Tang è talvolta conosciuta come “L’età dei 1000 intrattenimenti”. Durante questa epoca, l’imperatore Xuanzong formò una scuola di recitazione conosciuta come i bambini del Giardino delle pere per produrre una forma di dramma che era principalmente musicale.
Durante la dinastia Han, il teatro delle ombre emerse per la prima volta come una forma riconosciuta di teatro in Cina. C’erano due forme distinte di burattini ombra, cantonese meridionale e pechinese settentrionale. I due stili sono stati differenziati dal metodo di fare i burattini e il posizionamento delle aste sui burattini, in contrasto con il tipo di gioco eseguito dai burattini. Entrambi gli stili generalmente eseguito opere teatrali raffiguranti grande avventura e fantasia, raramente è stata questa forma molto stilizzata di teatro utilizzato per la propaganda politica. Cantonese shadow puppets erano il più grande dei due. Sono stati costruiti utilizzando pelle spessa che ha creato ombre più sostanziali. Anche il colore simbolico era molto diffuso; una faccia nera rappresentava l’onestà, una rossa il coraggio. Le aste utilizzate per controllare le marionette cantonesi erano attaccate perpendicolarmente alle teste delle marionette. Quindi, non sono stati visti dal pubblico quando è stata creata l’ombra. I burattini pechinesi erano più delicati e più piccoli. Sono stati creati con pelle sottile e traslucida di solito presa dal ventre di un asino. Sono stati dipinti con colori vivaci, quindi hanno gettato un’ombra molto colorata. Le aste sottili che controllavano i loro movimenti erano attaccate a un collare di cuoio al collo del burattino. Le aste correvano parallele ai corpi del burattino, quindi giravano con un angolo di novanta gradi per connettersi al collo. Mentre queste aste erano visibili quando l’ombra era proiettata, si posavano fuori dall’ombra del burattino; quindi non interferivano con l’aspetto della figura. Le aste attaccate al collo per facilitare l’uso di più teste con un solo corpo. Quando le teste non venivano utilizzate, venivano conservate in un libro di mussola o in una scatola foderata di tessuto. Le teste venivano sempre rimosse di notte. Questo era in linea con la vecchia superstizione che, se lasciati intatti, i burattini avrebbero preso vita di notte. Alcuni burattinai arrivarono al punto di conservare le teste in un libro e i corpi in un altro, per ridurre ulteriormente la possibilità di rianimare i burattini. Shadow puppetry si dice che abbia raggiunto il suo punto più alto di sviluppo artistico nel 11 ° secolo prima di diventare uno strumento del governo.
Nella dinastia Song, c’erano molti spettacoli popolari che coinvolgevano acrobazie e musica. Questi si svilupparono nella dinastia Yuan in una forma più sofisticata con una struttura a quattro o cinque atti. Il dramma Yuan si diffuse in tutta la Cina e si diversificò in numerose forme regionali, la più nota delle quali è l’Opera di Pechino, che è ancora popolare oggi.
ThailandEdit
In Thailandia, e ‘ stata una tradizione dal Medioevo per le rappresentazioni teatrali basati su trame tratti da poemi epici Indiani. In particolare, la versione teatrale dell’epica nazionale thailandese Ramakien, una versione del Ramayana indiano, rimane popolare in Thailandia ancora oggi.
CambodiaEdit
In Cambogia, iscrizioni risalenti al vi secolo d.C. indicano testimonianze di danzatori in un tempio locale e l’uso di burattini per spettacoli religiosi. Nell’antica capitale Angkor Wat, storie dell’epopea indiana Ramayana e Mahabharata sono state scolpite sulle pareti di templi e palazzi. Rilievi simili si trovano a Borobudur in Indonesia.
JapanEdit
Durante il 14 ° secolo, c’erano piccole compagnie di attori in Giappone che eseguivano commedie brevi, a volte volgari. Un direttore di una di queste compagnie, Kan’ami (1333-1384), ebbe un figlio, Zeami Motokiyo (1363-1443), che era considerato uno dei migliori attori bambini in Giappone. Quando la compagnia di Kan’ami si esibì per Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), lo shōgun del Giappone, implorò Zeami di avere un’educazione di corte per le sue arti. Dopo Zeami succedette a suo padre, ha continuato ad eseguire e adattare il suo stile in quello che è oggi Noh. Un misto di pantomima e acrobazie vocali, lo stile Noh del teatro è diventato una delle forme più raffinate del Giappone di spettacolo teatrale.
Il Giappone, dopo un lungo periodo di guerre civili e disordini politici, fu unificato e in pace principalmente a causa dello shōgun Tokugawa Ieyasu (1600-1668). Tuttavia, allarmato dal crescente numero di cristiani nel paese a causa degli sforzi di proselitismo dei missionari cristiani, tagliò i contatti dal Giappone all’Europa e alla Cina e mise fuori legge il cristianesimo. Quando arrivò la pace, un fiorire di influenza culturale e una crescente classe mercantile richiesero il proprio divertimento. La prima forma di teatro a fiorire fu Ningyō jōruri (comunemente indicato come Bunraku). Il fondatore e principale collaboratore di Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), trasformò la sua forma di teatro in una vera forma d’arte. Ningyō jōruri è una forma altamente stilizzata di teatro con burattini, oggi circa 1⁄3rd la dimensione di un essere umano. Gli uomini che controllano i burattini addestrano tutta la loro vita per diventare maestri burattinai, quando possono quindi azionare la testa e il braccio destro del burattino e scegliere di mostrare i loro volti durante la performance. Gli altri burattinai, controllando le membra meno importanti del burattino, coprono se stessi e i loro volti in un abito nero, per implicare la loro invisibilità. Il dialogo è gestito da una sola persona, che utilizza vari toni di voce e modi di parlare per simulare personaggi diversi. Chikamatsu scrisse migliaia di opere teatrali durante la sua vita, la maggior parte delle quali sono ancora utilizzate oggi.
Kabuki ha iniziato poco dopo Bunraku, la leggenda vuole che da un’attrice di nome Okuni, che ha vissuto intorno alla fine del 16 ° secolo. La maggior parte del materiale di kabuki proveniva da Noh e Bunraku, e i suoi movimenti erratici di tipo danza sono anche un effetto del Bunraku. Tuttavia, kabuki è meno formale e più distante di Noh, ma molto popolare tra il pubblico giapponese. Gli attori sono addestrati in molte cose varie tra cui danza, canto, pantomima, e anche acrobazie. Kabuki è stato eseguito per la prima volta da giovani ragazze, poi da giovani ragazzi, e alla fine del 16 ° secolo, le compagnie kabuki erano composte da tutti gli uomini. Gli uomini che hanno ritratto le donne sul palco sono stati specificamente addestrati a suscitare l’essenza di una donna nei loro movimenti sottili e gesti.
History of African performing artsEdit
Storia delle arti dello spettacolo in America
Storia delle arti dello spettacolo in OceaniaEdit