Western performing artsEdit
vanaf de 6e eeuw v.Chr. begon de klassieke periode van de uitvoerende kunst in Griekenland, ingeleid door tragische dichters zoals Sophocles. Deze dichters schreven toneelstukken die in sommige gevallen dans bevatten (zie Euripides). De Hellenistische periode begon het wijdverbreide gebruik van komedie.in de 6e eeuw na Christus was de westerse podiumkunsten echter grotendeels beëindigd, toen de Middeleeuwen begonnen. Tussen de 9e eeuw en de 14e eeuw, was de uitvoerende kunst in het Westen beperkt tot religieuze historische enactments en moraliteit toneelstukken, georganiseerd door de kerk ter viering van heilige dagen en andere belangrijke gebeurtenissen.
Renaissancedit
tegen het midden van de 16de eeuw werd Commedia Dell’ Arte populair in Europa en introduceerde het gebruik van improvisatie. Deze periode introduceerde ook het Elizabethaanse masque, met muziek, dans en uitgebreide kostuums, evenals professionele theatrale gezelschappen in Engeland. William Shakespeare ‘ s toneelstukken in de late 16e eeuw ontwikkeld uit deze nieuwe klasse van professionele prestaties.in 1597 werd de eerste opera, Dafne, uitgevoerd en gedurende de 17de eeuw werd de opera al snel het entertainment van de aristocratie in het grootste deel van Europa, en uiteindelijk voor grote aantallen mensen die in steden en dorpen in heel Europa wonen.
Modern eraEdit
De introductie van de prosceniumboog in Italië tijdens de 17e eeuw vestigde de traditionele theatervorm die tot op de dag van vandaag voortduurt. Ondertussen, in Engeland, verboden de puriteinen acteren, waardoor een einde aan de podiumkunsten die duurde tot 1660. Daarna begonnen vrouwen te verschijnen in zowel Franse als Engelse toneelstukken. De Fransen introduceerden een formele dansles in de late 17e eeuw.
Het is ook in deze tijd dat de eerste stukken werden uitgevoerd in de Amerikaanse koloniën.tijdens de 18e eeuw bracht de introductie van de populaire opera buffa opera onder de massa ‘ s als een toegankelijke vorm van uitvoering. Mozart ‘ s het huwelijk van Figaro en Don Giovanni zijn monumenten van de late 18e eeuwse opera.aan het begin van de 19e eeuw luidde Beethoven en de romantische beweging een nieuw tijdperk in dat eerst leidde tot de spektakels van de grote opera en vervolgens tot de muzikale drama ’s van Giuseppe Verdi en het Gesamtkunstwerk van de opera’ s van Richard Wagner die rechtstreeks leidden tot de muziek van de 20e eeuw.de 19e eeuw was een periode van groei voor de podiumkunsten voor alle sociale klassen, technische vooruitgang zoals de introductie van gaslight in theaters, burleske, minstreldansen en variététheater. In het ballet boeken vrouwen grote vooruitgang in de eerder door mannen gedomineerde kunst.
moderne dans begon in de late 19e eeuw en vroege 20e eeuw als reactie op de beperkingen van het traditionele ballet.Konstantin Stanislavski ‘s” systeem ” bracht een revolutie teweeg in het acteren in het begin van de 20e eeuw, en heeft nog steeds een grote invloed op acteurs van het podium en het scherm tot op de dag van vandaag. Zowel het impressionisme als het moderne realisme werden in deze periode geïntroduceerd.de komst van Sergei Diaghilev ‘ s Ballets Russes (1909-1929) bracht het ballet en de podiumkunsten in het algemeen in de westerse wereld een revolutie teweeg, vooral door de nadruk van Diaghilev op samenwerking, die choreografen, dansers, decorontwerpers/artiesten, componisten en musici samenbracht om ballet nieuw leven in te blazen en een revolutie teweeg te brengen. Het is uiterst complex.met de uitvinding van de film in de late 19e eeuw door Thomas Edison en de groei van de filmindustrie in Hollywood in het begin van de 20e eeuw, werd film een dominant performance medium gedurende de 20e en 21e eeuw.Rhythm and blues, een cultureel fenomeen van zwart-Amerika, werd in het begin van de 20e eeuw bekend en beïnvloedde een aantal latere populaire muziekstijlen internationaal.in de jaren 1930 introduceerde Jean Rosenthal wat moderne podiumverlichting zou worden, waardoor de aard van het podium veranderde toen de Broadway musical een fenomeen werd in de Verenigde Staten.postwaredit
podiumkunsten na de Tweede Wereldoorlog werden benadrukt door de heropleving van zowel ballet als opera in de westerse wereld.
postmodernisme in de podiumkunsten domineerde de jaren zestig grotendeels.
Eastern performing artsEdit
Middle EastEdit
het vroegst opgenomen theatergebeuren dateert uit 2000 v.Chr. met de passion plays of Ancient Egypt. Dit verhaal van de god Osiris werd jaarlijks opgevoerd op festivals in de hele beschaving, het bekende begin van een lange relatie tussen theater en religie.de meest populaire vormen van theater in de middeleeuwse islamitische wereld waren poppentheater (waaronder handpoppen, schaduwspelen en marionettenproducties) en live passion toneelstukken bekend als ta ‘ Ziya, waar acteurs afleveringen uit de Moslimgeschiedenis naspelen. In het bijzonder, Shia Islamitische toneelstukken draaide rond de shaheed (martelaarschap) van Ali ‘ s zonen Hasan ibn Ali en Husayn ibn Ali. Live seculiere toneelstukken werden bekend als akhraja, opgenomen in de middeleeuwse adab literatuur, hoewel ze minder gebruikelijk waren dan poppenspel en ta ‘ Ziya theater.
IranEdit
in Iran zijn er andere vormen van theatrale gebeurtenissen zoals Naghali (verhaal vertellen), ٰRu-Howzi, Siah-Bazi, Parde-Khani, Mareke giri.
IndiaEdit
Folk theater en dramatiek kan worden teruggevoerd op het religieuze ritualisme van de Vedische volkeren in het 2e millennium voor Christus. Dit Volkstheater uit het mistige verleden werd vermengd met dans, eten, ritualisme, plus een weergave van gebeurtenissen uit het dagelijks leven. Het laatste element maakte het de oorsprong van het klassieke theater van latere tijden. Veel historici, met name D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya, enz. hebben verwezen naar de prevalentie van ritualisme onder Indo-Arische stammen waarin sommige leden van de stam handelde alsof ze wilde dieren en sommige anderen waren de jagers. Zij die als zoogdieren fungeerden zoals geiten, buffels, rendieren, apen, enz. werden achtervolgd door degenen die de rol van jagers spelen.
Bharata Muni (fl. 5de-2de eeuw v. Chr.) was een oud-Indiase schrijver die het best bekend is voor het schrijven van de Natya Shastra van Bharata, een theoretische verhandeling over Indiase podiumkunsten, waaronder theater, dans, acteren en muziek, die is vergeleken met Aristoteles ‘ poëtica. Bharata staat vaak bekend als de vader van de Indiase theaterkunst. Zijn Natya Shastra lijkt de eerste poging te zijn om de techniek, of beter gezegd kunst, van drama op een systematische manier te ontwikkelen. De Natya Shastra vertelt ons niet alleen wat er geportretteerd moet worden in een drama, maar ook hoe het geportretteerd moet worden. Drama, zoals Bharata Muni zegt, is de imitatie van mensen en hun handelingen (loka-vritti). Zoals mannen en hun daden moeten worden gerespecteerd op het podium, zo drama in het Sanskriet is ook bekend onder de term roopaka, wat betekent portretteren.
de Ramayana en Mahabharata kunnen worden beschouwd als de eerste erkende toneelstukken die zijn ontstaan in India. Deze epics gaven de inspiratie aan de vroegste Indiase dramatici en ze doen het zelfs vandaag de dag. Indiase dramatici zoals Bhāsa in de 2e eeuw v.Chr. schreven toneelstukken die sterk geïnspireerd waren door de Ramayana en Mahabharata.Kālidāsa werd in de eerste eeuw v.Chr. beschouwd als de grootste dramaturg van het oude India. Drie beroemde romantische toneelstukken geschreven door Kālidāsa zijn de Mālavikāgnimitram (Mālavikā en Agnimitra), Vikramōrvaśīyam (met betrekking tot Vikrama en Urvashi), en Abhijñānaśākuntala (de erkenning van Shakuntala). De laatste werd geïnspireerd door een verhaal in de Mahabharata en is de meest bekende. Het was de eerste vertaling in het Engels en Duits. In vergelijking met Bhāsa, die zwaar trok uit de epics, Kālidāsa kan worden beschouwd als een originele toneelschrijver.de volgende grote Indiase toneelschrijver was Bhavabhuti (CA. 7e eeuw). Er wordt gezegd dat hij de volgende drie toneelstukken heeft geschreven: Malati-Madhava, Mahaviracharita en Uttar Ramacharita. Onder deze drie, de laatste twee dekken tussen hen, het hele epos van Ramayana. De machtige Indiase keizer Harsha (606-648) heeft drie toneelstukken geschreven: De komedie Ratnavali, Priyadarsika en het boeddhistische drama Nagananda. Vele andere dramatici volgden in de Middeleeuwen.er waren veel uitvoerende kunstvormen in het zuiden van India, Kerala is zo ‘ n staat met verschillende kunstvormen zoals Koodiyattam, Nangyarkoothu, Kathakali, Chakyar koothu, Thirayattam en er waren veel prominente kunstenaars zoals Painkulam Raman Chakyar en anderen.
ChinaEdit
Er zijn verwijzingen naar theatrale entertainments in China al vanaf 1500 v. Chr. de Shang dynastie; vaak ging het daarbij om muziek, clowns en acrobatische displays.de Tang-dynastie staat soms bekend als”The Age of 1000 Entertainments”. Tijdens dit tijdperk, Keizer Xuanzong vormde een acteerschool bekend als de kinderen van de Perentuin om een vorm van drama dat vooral muzikaal was produceren.tijdens de Han-dynastie ontstond shadow puppetry voor het eerst als een erkende vorm van theater in China. Er waren twee verschillende vormen van schaduwpoppenspel, Kantonees zuidelijk en Pekinees noordelijk. De twee stijlen werden onderscheiden door de methode van het maken van de poppen en de positionering van de staven op de poppen, in tegenstelling tot het soort spel uitgevoerd door de poppen. Beide stijlen meestal uitgevoerd toneelstukken beeltenis van groot avontuur en fantasie, zelden werd deze zeer gestileerde vorm van Theater gebruikt voor politieke propaganda. Kantonese schaduwpoppen waren de grootste van de twee. Ze werden gebouwd met dik leer dat meer substantiële schaduwen creëerde. Symbolische kleur was ook zeer gangbaar; een zwart gezicht vertegenwoordigde eerlijkheid, een rode dapperheid. De staven die gebruikt werden om Kantonese poppen te controleren waren loodrecht op de hoofden van de poppen bevestigd. Ze werden dus niet gezien door het publiek toen de schaduw werd gecreëerd. Pekinese poppen waren delicater en kleiner. Ze zijn gemaakt van dun, doorschijnend leer, meestal genomen uit de buik van een ezel. Ze werden beschilderd met levendige verf, waardoor ze een zeer kleurrijke schaduw werpen. De dunne staven die hun bewegingen beheersten werden bevestigd aan een leren halsband bij de nek van de pop. De staven liepen parallel aan de lichamen van de marionet en draaiden vervolgens in een hoek van negentig graden om verbinding te maken met de nek. Terwijl deze staven zichtbaar waren toen de schaduw werd geworpen, legden ze buiten de schaduw van de marionet; dus interfereerden ze niet met het uiterlijk van de figuur. De staven bevestigd aan de nek om het gebruik van meerdere hoofden met één lichaam te vergemakkelijken. Wanneer de hoofden niet werden gebruikt, werden ze opgeslagen in een mousseline boek of stof bekleed doos. De hoofden werden altijd ‘ s nachts verwijderd. Dit was in overeenstemming met het oude bijgeloof dat als intact gelaten, de poppen ‘ s nachts tot leven zouden komen. Sommige poppenspelers gingen zo ver om de hoofden in het ene boek en de lichamen in een ander op te slaan, om de mogelijkheid van het reanimeren van poppen verder te verminderen. Shadow puppetry zou zijn hoogste punt van artistieke ontwikkeling hebben bereikt in de 11e eeuw voordat hij een instrument van de overheid werd.in de Song dynastie waren er veel populaire toneelstukken met acrobatiek en muziek. Deze ontwikkelden zich in de Yuan-dynastie tot een meer verfijnde vorm met een vier – of vijf-act structuur. Yuan drama verspreid over China en gediversifieerd in tal van regionale vormen, de bekendste daarvan is Beijing Opera, die nog steeds populair is vandaag.
ThailandEdit
in Thailand is het een traditie van de middeleeuwen tot toneelstukken gebaseerd op complotten uit Indiase heldendichten. In het bijzonder de theatrale versie van Thailand ‘ s nationale epos Ramakien, een versie van de Indiase Ramayana, blijft populair in Thailand, zelfs vandaag de dag.in Cambodja zijn inscripties die dateren uit de 6e eeuw n.Chr. die aantonen dat er dansers in een lokale tempel waren die poppenspel gebruikten voor religieuze toneelstukken. In de oude hoofdstad Angkor Wat, zijn verhalen uit de Indiase heldendichten Ramayana en Mahabharata gesneden op de muren van tempels en paleizen. Soortgelijke reliëfs zijn te vinden bij Borobudur in Indonesië.
JapanEdit
tijdens de 14e eeuw waren er kleine gezelschappen van acteurs in Japan die korte, soms vulgaire komedies uitvoerden. Een directeur van een van deze bedrijven, Kan ‘ ami (1333-1384), had een zoon, Zeami Motokiyo (1363-1443), die werd beschouwd als een van de beste kinderacteurs in Japan. Toen Kan ‘ ami ‘ s gezelschap optrad voor Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), de shogun van Japan, smeekte hij Zeami om een hofopleiding voor zijn kunsten te krijgen. Nadat Zeami zijn vader opvolgde, bleef hij optreden en zijn stijl aanpassen aan wat nu Noh is. Een mix van pantomime en vocale acrobatiek, de Noh stijl van het theater is uitgegroeid tot een van Japan ‘ s meest verfijnde vormen van theatrale prestaties.na een lange periode van burgeroorlogen en politieke wanorde was Japan verenigd en in vrede, voornamelijk dankzij shogun Tokugawa Ieyasu (1600-1668). Echter, verontrust over de toenemende aantallen christenen in het land als gevolg van de bekering inspanningen van christelijke missionarissen, verbrak hij het contact van Japan naar Europa en China en verbood het christendom. Toen de Vrede kwam, eiste een bloeiende culturele invloed en groeiende handelsklasse zijn eigen vermaak. De eerste vorm van theater die tot bloei kwam was Ningyō jōruri (ook wel Bunraku genoemd). Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), de stichter van Ningyō jōruri, maakte van zijn theatervorm een ware kunstvorm. Ningyō jōruri is een zeer gestileerde vorm van theater met behulp van poppen, vandaag ongeveer 1/3 de grootte van een mens. De mannen die de marionetten controleren trainen hun hele leven om meester-poppenspelers te worden, wanneer ze vervolgens het hoofd en de rechterarm van de marionet kunnen bedienen en ervoor kiezen om hun gezicht te laten zien tijdens de voorstelling. De andere poppenspelers, die de minder belangrijke ledematen van de pop controleren, bedekken zichzelf en hun gezichten in een zwart pak, om hun onzichtbaarheid te impliceren. De dialoog wordt behandeld door een enkele persoon, die gebruik maakt van verschillende tonen van stem en sprekende manieren om verschillende personages te simuleren. Chikamatsu schreef duizenden toneelstukken tijdens zijn leven, waarvan de meeste nog steeds worden gebruikt.Kabuki begon kort na Bunraku, volgens de legende van een actrice genaamd Okuni, die rond het einde van de 16e eeuw leefde. Het grootste deel van kabuki ‘ s materiaal kwam van Noh en Bunraku, en zijn grillige dansbewegingen zijn ook een effect van Bunraku. Kabuki is echter minder formeel en verder weg dan Noh, maar toch erg populair onder het Japanse publiek. Acteurs zijn getraind in veel verschillende dingen, waaronder dansen, zingen, pantomime, en zelfs acrobatiek. Kabuki werd voor het eerst uitgevoerd door jonge meisjes, daarna door jonge jongens, en tegen het einde van de 16e eeuw bestond kabuki companies uit alle mannen. De mannen die vrouwen op het podium portretteerden, werden specifiek getraind om de essentie van een vrouw te ontlokken in hun subtiele bewegingen en gebaren.
History of African performing artsEdit
History of performing arts in the AmericasEdit
History of performing arts in OceaniaEdit